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2019年1月の記事

2019年1月31日 (木曜日)

大らかで豊かな挾間の第3作目

ジャズ雑誌「ジャズライフ」の2018年度「ジャズ・アルバム・オブ・ザ・イヤー」の日本人ジャズのアルバムを見ていて、本当に日本人ジャズって、レベルが高くなったなあ、としみじみ思った。どのアルバムも米国、欧州のジャズと比較しても引けを取らない、どころか、日本人ジャズならではの個性が煌めいていて聴き応え十分。立派なもんだ。

Miho Hazama『Dancer in Nowhere』(写真左)。2018年11月のリリース。2015年リリースのオリジナル・アルバム『Time River』以来約3年振りとなる、挾間美帆の第3作目である。前2作のコンセプトを引き継いでの、前2作と同様、自身の室内楽団「m_unit」を率いての作品。前2作と併せた「3部作」のラスト・ピース。

演奏を聴くと、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロを含むラージ・アンサンブル・ジャズをさらに発展・深化させ、余裕とスケールの豊かさ、懐の深さが十分に感じられるのが頼もしい。挾間のリーダー作も3作目になるので、マスコミ的にはあまり大きな話題とならないみたいだが、音の出来はこの第3作目が一番、大らかで豊かである。雰囲気的には、ギル・エヴァンス〜マリア・シュナイダーの系譜を引き継いでいるようにも感じる。
 

Dancer_in_nowhere

 
この第3作目の音の特徴としては、米国ジャズのサウンド傾向が少し希薄になっていて、日本人ジャズの個性が前面に押し出てきた印象。かつ、部分部分で東欧やバルカン風の旋律が見え隠れして、多国籍な音のコラージュという風情がとても楽しい。いかにもっていうメリハリの効いた展開は部分的になって、パッと聴いた時はちょっと物足りなさを感じたりするのだが、聴き続けると、余裕とスケールの豊かさを感じる味わい深い展開がツボに入って全く飽きない。

ゲスト参加として、今をときめく、ギタリストのリオーネル・ルエケとドラマーのネイト・ウッド、NY育ちのインド系女性シンガーカヴィータ・シャーの名が見える。このゲストの参入が、挾間の創り出す音にエスニックな雰囲気を付加する効果を出している。ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロが効果的に作用して、狭間ならではのユニークな響きが個性のラージ・アンサンブル・ジャズである。

収録曲の全8曲中7曲が挾間自身の作曲とアレンジによるもの。この個性溢れる挾間の楽曲もこの盤の魅力のひとつ。そんな中に、ジョン・ウィリアムスによる1984年ロサンゼルス・オリンピックの「テーマ&ファンファーレ」のカヴァー演奏が入っているのがユニークと言えばユニーク。挾間のアレンジ能力の高さを再認識して思わす「聴き込んで」しまいます。ラージ・アンサンブル・ジャズの好盤として、ジャズ者万民に一度は聴いて貰いたい好盤です。

 
 

東日本大震災から7年10ヶ月。忘れてはならない。常に関与し続ける。がんばろう東北、がんばろう関東。自分の出来ることから、ずっと復興に協力し続ける。 

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2019年1月30日 (水曜日)

日本人ドラマーの2018年の新盤

ジャズ雑誌「ジャズライフ」の2018年度「ジャズ・アルバム・オブ・ザ・イヤー」が発表された。記事をつらつら読んでいて、今となっても未だにジャズの新盤はコンスタントにりりーすされているんやな〜、と感心することしきり。特に21世紀に入って、日本のジャズ新盤が明らかに充実してきたのは頼もしい限りである。

日本人は黒人じゃないので、真のジャズはできない、なんて的外れな評価はもはや過去の話で、日本人ジャズには日本人ジャズなりの良さがある。それをしっかり認識する中で、米国でも欧州でも無い、日本人ジャズを表現できる環境が整ってきたんだろう、と思う。

大坂昌彦『Tricollage(トリコラージュ)』(写真左)。2018年9月のリリース。日本ジャズのドラマー、大坂昌彦のリーダー作。ドラマーがリーダーのアルバムで、随所でドラミングにテクニックを披露しつつ、自らが考える「現代のネオ・ハードバップ」を、様々なゲストを呼んで表現する、という企画盤的雰囲気のアルバム。

1995年にリリースした大坂の初リーダー作「トゥエルブ・カラーズ」で採用した、ドラム&ベースを固定し、多数のゲストをフィーチャーしてトリオ演奏を楽しむコンセプトを踏襲して作成されたもの。2台ベース+ドラムという特殊なトリオ編成の音も収録されていて、とにかく聴いていて楽しい。演奏のベースは明確に「ネオ・ハードバップ」。収録曲と曲毎のゲストは以下の通り。
 

Tricollage_masahiko_ohsaka  

 
1. A Night In Tunijia(チュニジアの夜)feat. 曽根麻央 <tp>
2. I Mean You(アイ・ミーン・ユー)feat. 椎名 豊 <p>
3. Doxy(ドキシー)feat. 馬場孝喜 <g>
4. Everything Happens To Me
 (エヴリシング・ハプンズ・トゥ・ミー)feat. 吉岡秀晃 <p>
5. Airegin(エアジン)feat. 大森 明 <a.sax>
6. Out Of Nowhere(アウト・オブ・ノーホエア)feat. 宮之上貴昭 <g>
7. Unpredictable Life(アンプレディクタブル・ライフ)feat. 西口明宏 <t.sax>
8. Peaceful Lament(ピースフル・ラメント)feat. 山田拓児 <s.sax>
9. Naima(ネイマ)feat. 今泉正明 <p>
10. Tea For Two(二人でお茶を)feat. パット・グリン <b>
11. Donna Lee(ドナ・リー)feat. 岡崎好朗  <tp>
<ボーナストラック>
12. But Not For Me(バット・ノット・フォー・ミー)feat. 馬場孝喜 <g>

 
選曲がスタンダード曲中心なのもこのアルバムの良いところ。トリオ演奏ということで音が「シンプル」。楽器の音の抜けが良くて、様々なニュアンスの音が捉えられている。演奏内容はどの曲も充実しており、全12曲、聴き通していて、ダレることが無い。日本人のジャズなので、ファンクネスはほぼ皆無なのだが、切れ味の良いオフビートが意外にジャジー。

ネオ・ハードバップの「今」と日本人ジャズのレベルの高さを再確認できる好盤です。一聴をお勧めしたいですね。

 
 

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2019年1月29日 (火曜日)

硬派で軽妙なファンキー・ジャズ

ウラ名盤とか、新スタンダード盤とか、そういう珍しい好盤の紹介本を読んでいて、これは知らんなあ、と思う盤が結構あることに気がつく。ジャズを聴き始めて40年以上。何千枚とジャズのアルバムを聴いてきた訳だが、まだまだ知らない好盤が沢山ある。ジャズの裾野のなんと広いことか。

この盤を初めて聴いた時は、どっかで聴いた音やなあ、と思った。どこでかいな、と思いながら聴き続ける。ファンキー・ジャズである。音がまだまだ硬いので、ファンキー・ジャズの初期の頃の盤か、と当たりを付ける。トランペットが入ってくる。あれ〜これって、ブルー・ミッチェルみたいやけど。でも、ピアノはホレス・シルバーとちゃうしなあ。

演奏の雰囲気は、ホレス・シルバー抜きのホレス・シルバー・クインテットの様な、硬派なファンキー・ジャズである。テナーが入ってくる。このちょっとヘタウマなテナーって、ジュニア・クックに似てるなあ、と思う。ドラムは明らかにファンキー・ジャズなドラミング。どっかで聴いたよなあ、このドラム。
 

Beat_roy_brooks

 
この「なぞなぞ」の様なアルバムは、Roy Brooks『Beat』(写真)。1963年10月1日の録音。ちなみにパーソネルは、 Roy Brooks (ds), Eugene Taylor (b), Hugh Lawson (p),  Junior Cook (ts), George Bohanon (tb),  Blue Mitchell (tp)。おお、確かに、ホレス・シルバー抜きのホレス・シルバー・クインテットにトロンボーンが加わるセクステット構成。

ということはドラムは、ロイ・ブルックスですね。ファンキーでダイナミックでメリハリの効いたドラミング。バッシバッシとオフビートを刻みます。ファンキー・ジャズ御用達のドラミングですね。シルバーに代わって入っている、ヒュー・ロウソンのピアノがシンプルでフレッシュ、粘りの少ない爽やかなファンキー・ピアノを聴かせてくれます。

フロントではミッチェル&クックの名コンビが大活躍。トロンボーンが良いアクセント。バックではブルックスのドラムが大活躍。テイラーのベースががっちりと演奏の底を支えます。あまり粘らない、あっさりとした切れ味の良いファンキー・ジャズの響き。疾走感と「キメ」の格好良さ。切れ味と歌心。硬派で軽妙なファンキー・ジャズがぎっしり詰まった好盤です。

 
 

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2019年1月28日 (月曜日)

キャノンボールの初リーダー作

最近、レジェンド級のジャズ・ミュージシャンの初リーダー作に興味が湧いて、順番に聴き直している。「栴檀は双葉より芳し」という諺があるが、ジャズについては、リーダー作にそのジャズメンの個性がしっかりと表現されている。つまり、そのミュージシャンの個性がしっかりと感じ取れるのがリーダー作なのだ。

さて、まず最初に選んだ初リーダー作の主は「キャノンボール・アダレイ(Cannonball Adderley)」。1928年9月、フロリダ州の生まれ。本名は「ジュリアン・エドウィン・アダレイ」。「キャノンボール」はニックネーム。とにかく大食漢だったそうで、「キャノンボール」は、つまりキャンニバル(cannibal : 大食漢)に由来する、とのこと。

『Presenting Cannonball Adderley』(写真)。1955年7月14日の録音。ちなみにパーソネルは、Cannonball Adderley (as), Jerome Richardson (ts), Kenny Clarke (ds), Paul Chambers (b) が全ての楽曲で演奏している。トランペットとピアノはそれぞれ2名で分担し、Nat Adderley (cor, tracks 1-4 & 6-11),Donald Byrd (tp, tracks 6, 8-9 & 11)。Horace Silver (p, tracks 6-9 & 11), Hank Jones (p, tracks 1-5 & 10)。フルートは Jerome Richardsonが兼任 (tracks 6-9 & 11)。
 

Presenting_cannonball_adderley

 
キャノンボールのアルト・サックスの音と演奏にビックリする。素晴らしいテクニック、大きな音でブリリアントな音色。唄うが如く流麗なフレーズ。これが初リーダー作の音か。もはや、ほぼ完成された音であり、揺らぎやミストーンは全く無い。キャノンボールの個性である、良い意味で「オーバーファンクで根明で脳天気な」アルト・サックスは、この初リーダー作に溢れている。

サボイ・レーベルからのリリースで、ジャケットは完全にレトロ調で「トホホ」なデザインだが、何故か音が良い。このキャノンボールの初リーダー作についても、録音する側にとっては難しいとは思うのだが、大きな音でブリリアントなキャノンボールのアルト・サックスをしっかりと捉えている。

ファンクネス溢れるブリリアントで開放感溢れるアルト・サックスはキャノンボールの真骨頂。どの演奏でも曲のテーマがクッキリと浮き出て、アドリブ・フレーズは常に明快に印象に残る。誤解を恐れず言うなら「とても判り易い」アルト・サックスである。これが良い。そんなキャノンボールのアルト・サックスは、僕にとって長年に渡っての「お気に入り」である。

 
 

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2019年1月27日 (日曜日)

こんなアルバムあったんや・109

このアルバムに出会った時は思わず「こんなアルバムあったんや」と感嘆の声を上げた。英国の音楽シーンって、20世紀半ばから、ロックとジャズの境界が曖昧で、ジャズのミュージシャンがロックに転身したり、ロックのミュージシャンがジャズに転身したり。ミュージシャンの名前を見ただけで、ジャズなのかロックなのか、判別のつかないミュージシャンが多くいる。

「アンディー・サマーズ(Andy Summers)」。1970年代後半から1980年代半ばにかけて活躍した、イギリスのロックバンド「ポリス」のギタリストとして最もよく知られている。が、僕にとっては、1980年代半ば、ポリスが解散してから過去の人になっていた。しかし、手元の資料に目を通すと、ポリス解散後、彼の活動はロックなどのジャンルに留まらず、ニューエイジ音楽やジャズ、クラシック音楽・映画音楽などの分野にも進出していたそうだ。

そんなん知らんもんなあ(笑)。このアルバムに出会った時、リーダーの名前を見て、あの元ポリスのギタリストだとは思わなかった(同姓同名のジャズ・ミュージシャンだと思った)。Andy Summers『Earth and Sky』(写真左)。2002年のリリース。ちなみにパーソネルは、Andy Summers (g), Abraham Laboriel (b), Vinnie Colaiuta (ds). John Beasley, John Novello (key), Katisse Buckingham (sax)。 アンディー・サマーズ以外、知らない名前ばかりである。
 

Earthsky  

 
恐る恐る聴いてみたら、あらまあ、素性正しい、正統派なフュージョン・ジャズである。瑞々しいサウンドとメロディアスで親しみやすい曲が並ぶ。しかも、ギターが良い音出している。これ、結構、いけるフュージョン・ギタリストやなあ、と思って調べてみてラ、あらまあ、元ポリスのギタリストの「アンディー・サマーズ」であることが判明。おもわず「こんなアルバムあったんや」(笑)。

正統派フュージョンとして格好良い演奏ばかりが揃っていて、サマーズの熟達した、テクニック確かで味のあるギターが聴きもの。スッと伸びたシンプルなトーンが心地良い。こんなギターを弾ける人だったんですね。驚きました。そして、バックの手数の多い、ビートの効いたドラミングは、僕の好きな「ビニー・カリウタ」。気持ちよく叩きまくっています。

何気なく聴いた盤でしたが「当たり盤」でした。まさか、元ポリスのギタリストのリーダー作とは知りませんでしたが、それを差し引いても、現代のフュージョン・ジャズの好盤と言えます。マイナーなレーベルからリリースされているため、CDとして入手するにはちょっと苦労するかも。ダウンロードサイトでの入手がお勧めだと思います。

 
 

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2019年1月26日 (土曜日)

冷たく燃える、典型的なECM盤

明快に「ECMレーベルの音」である。こんな音は米国には無い。オフビートながらファンクネスは皆無でクリアな楽器の音。自由度が高く、全く破綻の無いモーダルな演奏。フリーな演奏も必要最低限の規律があって、統率がとれている。この音は明らかに欧州ジャズの音である。

今日のECM盤は『Gateway』(写真)。1975年3月、ECMのTonstudioでの録音。ちなみにパーソネルは、John Abercrombie (g), Dave Holland (b), Jack DeJohnette (ds)。欧州版捻れギターのアバークロンビー、重戦車ベースのホランド、変幻自在ドラムのデジョネットの3人が結成したグループ「Gateway」の1st.アルバムになる。

冒頭のホランド作「Back-Woods Song」が無茶苦茶に格好良い。ホランドの重戦車ベースのソロから始まるイントロ。デジョネットのリズムックなシャッフルが絡み、アバークロンビーのギターが捻れて入ってくる。演奏の底にファンクネスは皆無、それでいて躍動感溢れるオフビートはかなりジャジー。聴いていて、これは明らかに「欧州の純ジャズ」である。
 

Gateway  

 
このトリオの主役はやはりフロントのアバークロンビーのギターだろう。知的で内省的なハイテクニックな捻れギター。しかし、収録曲のほとんどがホランド作。演奏のリズム&ビートを支えているのはデジョネットのポリリズムックなドラム。3者がそれぞれの個性の強みを活かした、素晴らしいトリオ演奏である。

だが、である。このトリオ演奏全体をコントロールしているは、ホランドのベース。ホランドが繰り出す切れ味の良いロック的なビート、フリージャズ的な展開、演奏のボトムを支える重低音ベース。デジョネットの変幻自在のドラミングに瞬時に反応していくホランドのテクニックには驚嘆する。

これだけしっかりとしたリズム・セクションである。さぞかし、フロントのアバークロンビーのギターは弾いていて楽しかったろう。音の温度感は冷たいのだが、演奏の雰囲気は「ホット」そのもの。冷たく燃える3者対等なインプロビゼーション。深い独特のエコーはECMレーベル独特なもの。アーティスティックな雰囲気が色濃く漂う、上質の欧州ジャズである。

 
 

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2019年1月25日 (金曜日)

ゴルソンのテナーとアレンジ

誰が書いたのか「ベニー・ゴルソンのテナーはヘタだ」。僕がまだジャズ者初心者駆け出しの頃である。Art Blakey & The Jazz Messengers『Moanin』で、ゴルソンの茫洋としたテナーを聴いていて、これが「下手なテナー」と勘違いした。よって、ゴルソンのリーダー作は長い間、敬遠し続けた。勿体ない話である。

ゴルソンのテナーは下手では無い。それを体感したのは『ターミナル』という映画でのこと。ラストでジャズの演奏シーンが出てくるのだが、ここでテナーを吹いていたのが、ベニー・ゴルソン。確かにテクニック溢れるものでは無く、ちょっと茫洋な響きだが、力感溢れる骨太なテナーを吹いていて、そのアドリブ・フレーズはなかなかのもの。ゴルソンのテナーって良いな、と思った。

それからである。ゴルソンのリーダー作に手を伸ばし始めたのは。ゴルソンはもう一つ、優れた技術を持っている。「アレンジ技術」である。彼のアレンジは、そのユニゾン&ハーモニーの響きと音の重ね方に独特の個性があって、「ゴルソン・ハーモニー」と呼ばれている。ジャジーでファンキーで哀愁溢れる響きを宿した「ゴルソン・ハーモニー」も聴きどころである。
 

The_modern_touch

 
Benny Golson『The Modern Touch』(写真左)。1957年12月の録音。ちなみにパーソネルは、Benny Golson (ts), Kenny Dorham (tp), J. J. Johnson (tb), Wynton Kelly (p), Paul Chambers (b), Max Roach (ds)。ゴルソンのテナーを愛でるに相応しい盤である。ゴルソン・ハーモニーを引き立てる「ラウンドなエッジで芯がしっかり入ったホンワカ流麗な音」が得意のトランペッターとトロンボーンを選んでいる。

この盤では、ケニー・ドーハムのトランペットの個性がかなり良く判る。ラウンドなエッジでホンワカ流麗なフレーズ。しかも、この盤では珍しく力感溢れブリリアント。これだけ煌びやかな音で吹き上げるドーハムのトランペットは他ではなかなか聴けない。それとテクニックは、ですね「ちょっと危ない」。たまにミストーンがあって「オヨヨ」となるのだが、決定的な破綻には至らない。何とか持ちこたえて、適度に緩やかなでユルユル丸いフレーズを連発する。明らかにドーハムのトランペットである。

それぞれのメンバーの演奏を聴かせることを第一にしている様で、この盤での「ゴルソン・ハーモニー」は控えめ。それでも「ゴルソン・ハーモニー」の特徴である、ジャジーでファンキーで哀愁溢れる響きを宿した音は、この盤のそこかしこに聴くことが出来る。アレンジャー、リーダー、テナー奏者と、ゴルソンの実力がフルに発揮された好盤です。
 
 
 

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2019年1月24日 (木曜日)

オリバー・ネルソンのテナーって

オリバー・ネルソン(Oliver Nelson)は中堅のテナー奏者である。しかし、アレンジャーの面ばかりが取り立たされる、ある意味「気の毒な」ジャズメンである。ジャズ盤紹介本に挙がるアルバムは『The Blues and the Abstract Truth』(邦題『ブルースの真実』)ばかり。テナー奏者の側面に着目したアルバム紹介にお目にかかったことが無い。

オリバー・ネルソンって、自らのリーダー作だけでも、コンボからジャズオケまで、30枚以上のアルバムをリリースしている。米国では一流のテナー奏者扱いである。しかし、我が国ではオリバー・ネルソンと言えば、ジャズを良く知っている人手さえ、ああ、あの『ブルースの真実』のアレンジャーね、で終わり。テナー奏者のアルバムは、と問えば、大体が「知らんなあ」。あの『ブルースの真実』でも良いテナー吹いているのにねえ。

で、オリバー・ネルソンのテナー奏者の側面に着目したアルバムを選んでみる。まずはこれでしょう。『Meet Oliver Nelson』(写真左)。オリバー・ネルソンの初リーダー作である。1959年10月30日の録音。ちなみにパーソネルは、Oliver Nelson (ts), Kenny Dorham (tp), Ray Bryant (p), Wendell Marshall (b), Art Taylor (ds)。フロント2管のクインテット構成。
 

Meet_oliver_nelson

 
さすが初リーダー作、ネルソンのテナーが堪能出来る。素直で力感程良く、ファンクネスが適度に漂う、とても趣味の良い正統派テナー。テクニックはそこそこなんだが、濃すぎず薄すぎず、それでいてしっかりと芯の入ったフレーズを連発する。聴き易いテナーで、ネルソンのメロディックな自作曲にピッタリのテナー。というか、自分のテナーの魅力を最大限に聴かせてくれる自作曲ですね。

レイ・ブライアントのピアノ、ウェンデル・マーシャルのベースにアート・テイラーのドラムスによる、これまた適度にファンクネス漂うリズム・セクションも秀逸。それと、この盤でのケニー・ドーハムが意外と溌剌とブリリアントなトランペットを聴かせてくれています。時代は1959年、ファンキー・ハードバップな演奏がとても魅力的です。

アルバムに収録された演奏それぞれのアレンジは、明らかに「ネルソン流のアレンジ」。後に有名となる『ブルースの真実』に出てくるネルソン流のアレンジの個性や癖が、この初リーダー作にも既に漂っています。思わずニンマリしてしまいますねえ。ファンキー・ハードバップな演奏良し、ネルソン流のアレンジ良し、オリバー・ネルソンのテナーを堪能出来る好盤です。

 
 

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2019年1月23日 (水曜日)

クロスオーバーなビッグバンド

この盤は典型的な1970年代の米国でのクロスオーバーなビッグバンドの音である。電気楽器を大々的に使用して、アレンジは仰々しいほどにダイナミックで、効き過ぎるほどメリハリが効いている。展開は大掛かりで派手なもの。加えてここに、ハイノート・ヒッター、ファーガソンのトランペットが加わるのだ。まことに米国らしいド派手な演奏である。

Maynard Ferguson『Primal Scream』(写真左)。1975年の作品。プロデューサーは、クロスオーバー・ジャズの時の人「ボブ・ジェームス」。当時はクロスオーバー・ジャズが流行。コロンビア・レコードからのリリースなのだが、ボブ・ジェームスの起用は「なりふり構わず」な感じ。クロスオーバー・ジャズとして、ファーガソンを売りたい。そんなレコード会社の思惑が感じられて面白い。

ビッグバンドのメンバーを見渡して見ると、ドラムにスティーヴ・ガッド、ベースにゲイリー・キング、ギターにエリック・ゲイル、ジェフ・ミロノフ、パーカッションにラルフ・マクドナルド、テナーにジョー・ファレル、アルトにデヴィッド・サンボーン、と何だか名前を見ていると、CTIレーベルのオールスターの様な様相である。チック・コリアも1曲だけだが参加している。とにかく「売りたい」というレコード会社の気合いが感じられるパーソネルである。
 

Primal_scream  

 
この盤でのメイナード・ファーガソンのトランペットは申し分無い。ハイノート・ヒッターとして効果的に場面を選んでバッチリ決めているし、通常のトランペットのソロも落ち着いていて、フレーズのイマージネーションも充実している。ビッグバンドの演奏は確かにド派手で大掛かりなものだが、ファーガソンのハイノート・トランペットを受け切るには、ある程度、必要なものなんだろう。

キーボードは明らかにボブ・ジェームス。ボブ・ジェームスの独特の手癖、フレーズが出てくる出てくる。それでも、アーバンで流麗なボブ・ジェームスのキーボードは、鋭角で切れ味鋭いファーガソンのトランペットとは対照的で、意外と相性が良い。クロスオーバー志向のビッグバンドとして、演奏全体もしっかりまとまっていて、聴き心地も良好。

タイトルの「Primal Scream」とは「感情をそのまま解き放ったような金切り声」の意味だが、恐らく、ファーガソンのトランペット、特にハイノート・ヒッターとしてのファーガソンを連想させるタイトル。そんなファーガソンのトランペットを、豪華メンバーが控えるクロスオーバー・ジャズ志向のビッグバンドをバックに堪能出来る。なかなかの好盤である。

 
 

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2019年1月22日 (火曜日)

こんなアルバムあったんや・108

今日は「ジャズの日」。JAZZの「JA」が「January(1月)」の先頭2文字であり「ZZ」が「22」に似ていることから、1月22日は「ジャズの日」。東京都内の老舗ジャズクラブ「バードランド」「サテンドール」「オールオブミークラブ」のオーナーらによって立ち上げられた「JAZZ DAY実行委員会」が制定した記念日だそうです。

そんな「ジャズの日」の話題。ジャズ喫茶で流すと面白い盤って、結構あるんですよね。ジャズ喫茶で流すと、ジャズ喫茶が色めくというか、ざわつくというか「何だ何だ、この盤は何なんだ」とお客の皆さんが色めく盤。お客のリクエストに応えるのもいいんですが、たまにこういう「お客が色めく盤」を投下するのも、ジャズ喫茶の面白さ。

この盤をかけると、決まってお客が色めく気がするんですよね。僕もこの盤を聴いた時は色めきました。冒頭の曲を聴きながら、まず感じたのが「この盤の演奏ってハードバップ。音のちょっと古い感じから1950年代前半から中盤の音かな」。そして、イントロからのピアノの音を聴いて、これは大好きなピアニストのひとり「ホレス・シルバー」。ここまでは判る。
 

Silvers_blue  

 
トランペットはテクニック確かでブリリアント、溌剌とした健康的な音色。テナーもちょっと大人しめだが、力強さがあって滑らかな音。1950年代前半から半ばのピアノがシルバーなら「6 Pieces of Silver」を思い浮かべて、トランペットはドナルド・バード、テナーはハンク・モブレーと当たりを付ける。しかし、である。1950年代前半から中盤のシルバーのリーダー作にこんな演奏曲あったっけ。

「何だ何だ、この盤は何なんだ」となる(笑)。Horace Silver『Silver's Blue』(写真)。「この盤」の正体である。1956年7月の録音。ちなみにパーソネルは、Horace Silver (pi), Donald Byrd (tp, tracks 1, 4, 6 & 7), Joe Gordon (tp, tracks 2, 3 & 5), Hank Mobley (ts), Doug Watkins (b), Art Taylor (ds, tracks 1, 4, 6 & 7), Kenny Clarke (ds, tracks 2, 3 & 5)。

トランペットとドラムが二人ずついる。これが聴いていて実に紛らわしい(笑)。盤全般に渡って、発展途上ではあるが良質のハードバップがここにあります。この盤、シルバーのピアノの個性が音の基本。ファンキーでブルージーなピアノは聴いていて「ああ、シルバーやなあ」と思わず、溜息が出ます。ノリが良くグルービーなタッチは「やっぱ良いですねえ」。
 
 
 
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2019年1月21日 (月曜日)

ジャズ喫茶で流したい・138

ジョニー・グリフィン(Johnny Griffin)は「玄人好み」のテナー・サックス奏者。小柄ながら豪快且つスピード感あふれる演奏をすることから「リトルジャイアント」と呼ばれている。音は大きくテクニックは一流、シャープでスケールの大きい歌心溢れるフレーズを吹き上げる。基本のスタイルは「ハードバップ」。

これだけの個性豊かで正統派なテナーであれば、人気は高いと思われるのだが、何故か日本では人気はイマイチ。グリフィンがニューヨークに出てきた当時(1956年頃)、NYのテナー・サックス界は、若手有望株として、ソニー・ロリンズ、ジョン・コルトレーンが覇を争っていた訳だが、そこに、グリフィンが参入して、当時の評価としては、グリフィン一番、ロリンズ二番、コルトレーン三番の序列。

日本では、このコルトレーン対ロリンズの対決図式で、テナー・サックスの世界が語られることが多かったんで、NYではこの2人より評価の高かったグリフィンが全く日本では無視された格好になった上に、1960年代以降は、グリフィンは欧州に移住しちゃったんで、日本に余計に情報が入ってこなくなって、まったくマイナーな扱いになったんでしょうね。
 

Night_lady

 
Johnny Griffin Quartet『Night Lady』(写真)。1964年2月13日の録音。ちなみにパーソネルは、Johnny Griffin (ts), Francy Boland (p), Jimmy Woode (b), Kenny Clarke (ds)。ドイツ(ケルン)での録音。1963年以降、欧州に移住したので、この盤は欧州に移住の1年後の録音になります。グリフィンが、クラーク=ボラン・ビッグ・バンドの中核としてバリバリに活動していた頃のワンホーン作。

この盤はグリフィンのテナーを心ゆくまで堪能出来る好盤である。特にスタンダード曲のグリフィンが魅力的。「Summertime」「Little Man You've Had A Busy Day」「All the Things You Are」のグリフィンのテナーから溢れ出る歌心が聴きもの。速いフレーズもゆったりとしたフレーズも分け隔て無く歌心が溢れ出る。その確かなテクニックと相まって、思わず耳を傾け惹き込まれてしまう。他の3曲も内容は濃く、特にグリフィンのテナーのテクニックの素晴らしさに耳を奪われる。

欧州の移住してからのジョニー・グリフィンのリーダー作には好盤が多い。米国での諸作より欧州での方が、グリフィンの個性と特徴がよても良く表現されていて、良質なジャズ・テナーが体感出来る。その一枚がこの『Night Lady』。録音も良く、是非とも、ジャズ者中堅からベテランの方々に耳を傾けて頂きたいですね。

 
 
東日本大震災から7年10ヶ月。忘れてはならない。常に関与し続ける。がんばろう東北、がんばろう関東。自分の出来ることから、ずっと復興に協力し続ける。 

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2019年1月20日 (日曜日)

ドイツ・ジャズの歴史的な好盤

欧州ジャズは奥が深い。欧州ではジャズが意外と盛んである。それぞれの国毎に、それぞれ個性を持ったジャズが存在するので、欧州ジャズはバリエーションが豊か。しかし、そんなバリエーション豊かな欧州ジャズについては、その情報はなかなか我が国には届かなかった。欧州ジャズの情報が何とか我が国に届くようになったのは、ネットの普及の影響が大きくて、21世紀になってからでは無いか。

CDレーベルとしては「澤野工房」の存在が挙げられる。「澤野工房」とは、通天閣のお膝元の大阪、新世界から、数多くのジャズ作品を世に送り出している小さなジャズ・レーベル。ヨーロピアンジャズの名盤復刻にも力を注いでいて、内容の優れた隠れ好盤を多数発掘〜リイシューしている。この盤も「澤野工房」のカタログを眺めていて、ピックアップした。

Michael Naura Quintet『European Jazz Sounds』(写真)。Michael Naura=カタカナ表記で「ミハエル・ナウラ」ミハエルのファースト・アルバム。ちなみにパーソネルは、Michael Naura (p), Peter Reinke (as), Wolfgang Schluter (vib), Wolfgang Luschert (b), Joe Nay (ds)。ドイツのジャズ・シーンの革新の先駆けとして、歴史的にも重要な作品。
 

European_jazz_sounds  

 
ミハエル・ナウラはロシア生まれのベルリン育ち。ベルリン大学では政治ジャーナリズム,哲学を学ぶ傍ら,ジャズのクラブなどで活躍、60年代に入り、1963年に本作をリリースしています。本作以外には70年代にはECMから数枚アルバムを出しています。ドイツのジャズの牽引者の一人として活躍したピアニストです。

メタリックで疾走感の豊かなアルト・サックスに、硬質で瑞々しい響きのビブラフォンの音色が絶妙に絡む熱いハード・バップ演奏が魅力。欧州ジャズならではの、非常に繊細でクールな響きを湛えた「熱い」演奏。ファンクネスは皆無、切れ味良い硬質なリズム&ビートが印象的な、典型的な欧州のハードバップ。

とても良い、先進的な内容のハードバップ。録音も良く、切れ味良く、緩急自在、変幻自在なモーダルな演奏は、現代の「ネオ・ハードバップ」にも通じる内容で、現代のジャズ者の耳にも古く響くことはないでしょう。 当時の欧州ジャズのレベルの高さを感じさせてくれる佳作。ジャズ者万民に向けて、一度は聴いていただきたい好盤です。
 
 
 
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2019年1月19日 (土曜日)

カシオペア流ジャズ・ファンク

前作『Photographs』は従来のカシオペアの音の最初の「集大成」的な音作り。爽快感と疾走感溢れるバカテク・フュージョン集団という従来のカシオペアの音をしっかりと踏襲している。従来のカシオペアの音の最初の「集大成」的な音作りが堪らない。このアルバムのリリースから、我が国における「カシオペア人気」が高まっていった。

この『Photographs』というアルバムで、バンド結成から培ってきた音の集大成を実現した後、テクニック指向と言われる部分を抑えて、よりポップさを前面に出す方向を目指し始めた。今から振り返ってみると、このアルバム辺りから、米国マーケット狙いの音作りへ舵を切った様に感じる。いわゆる、バンドの音の志向がメンバーそれぞれの中で変わり始めた兆しが、このアルバムに散りばめられている。

Casiopea『Jive Jive』(写真)。カシオペアの10枚目のアルバム。1983年11月のリリース。ロンドンでのスタジオ録音。前作の『Photographs』とは音の傾向が変わっている。当時のロンドンは、シャカタクやメゾフォルテ等のブリティッシュ・ジャズファンクが盛り上がっており、どうもその「ロンドン録音」の影響がモロ出たと思われる。
 

Jive_jive  

 
このアルバムは「ジャズ・ファンク」なカシオペアの音が楽しめる。ホーンセクションの入った曲や女性ボーカル入りナンバーも数曲あり、このアルバムからカシオペアは「ジャズ・ファンク」な要素をバンド・サウンドに織り込み始めている。MIDI、ギターシンセ、シンセ・ドラムなどのエレクトロニカの導入もこのアルバムの特色である。

このアルバムでの骨太で重量感が加わった疾走感溢れる演奏は特筆もの。これまでになかったタイトで甘さを殺した演奏が、従来のカシオペアの音に新しい音の世界を導き入れています。メンバーそれぞれが、明らかに従来の演奏スタイルを変えて、新しいカシオペアの音世界、つまり「ジャズ・ファンク」への接近を試みている様に感じます。

今の耳で振り返ってみると、良くも悪くも、カシオペアとして新機軸を打ち出した感のあるアルバムです。最初のカシオペアの音で最初の全米進出を試み、この『Jive Jive』から試みた「ジャズ・ファンク」な音で再度、全米進出を試みる。そして、その後のメンバーの入れ替わりやサウンド面での変化を考えると、彼らにとって色んな意味でのターニングポイント的なアルバムだと思います。

 
 
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2019年1月18日 (金曜日)

西海岸のビッグバンドな好盤

米国西海岸ジャズの特徴のひとつは「優れたアレンジ」。ジャズを鑑賞音楽として捉えて、勢い任せの一過性の即興演奏では無く、しっかりとアレンジを施して、良質の鑑賞音楽としてのジャズを世に供給する。これが、1950年代、米国西海岸ジャズの大きな特徴である。事実、優れたアレンジが施された好盤が米国西海岸ジャズには沢山ある。

『Theme Music from "The James Dean Story"』(写真)。「Featuring Chet Baker & Bud Shank」がサブ・タイトルに付く。1956年11月8日の録音。ちなみにパーソネルは、Chet Baker (tp), Bud Shank (as, fl), Don Fagerquist, Ray Linn (tp), Milt Bernhart (tb), Charlie Mariano, Richie Steward (as), Bill Holman, Richie Kamuca (ts), Pepper Adams (bs), Claude Williamson (p), Monty Budwig (b), Mel Lewis (ds), Mike Pacheco (bongos)。

チェットのトランペットとシャンクのアルトの2管をメインに、トランペットとテナーとアルトが2本ずつ、トロンボーン、バリサクが1本ずつ。バックにピアノ・トリオがリズムセクションに就く。総勢13名の小ぶりなビッグ・バンド構成。この13名が、米国西海岸ジャズの最大の特徴の1つである優れたアレンジを施して、ディーンの伝記映画に使用された音楽をお洒落なジャズに仕立て上げたもの。
 

Theme_music_from_the_james_dean_sto  

 
まず、フィーチャリングされている、チェットのトランペットとシャンクのアルト・サックスがさすがに素晴らしい。優れたアレンジに乗って、流麗かつ力感溢れるクリアな音で即興演奏を繰り広げている。とにかく上手い。結構、難しいアドリブ展開をしているんだが、事も無げに流麗に吹き上げていくので聴き易いことこの上無い。良い意味で、耳に優しい、耳当たりの良いジャズである。

バックに耳を向けると、クロード・ウィリアムソンの哀愁感漂うピアノが印象的。ジェームス・ディーンは1955年9月30日に亡くなっているので、この盤の録音時には、まだまだディーンに対する追悼の意が強くあったと思うが、この盤でのウィリアムソンのピアノには哀愁が強く漂う。これが意外とジャジーで良い雰囲気なのだ。

そして、バックの管のアンサンブルの中で、突出した音を奏でるペッパー・アダムスのバリサク。このブリッゴリッとしたバリサクの音は、流麗なチェットのトランペットとシャンクのアルトとは全く正反対の音で、この音の対比が優れたアレンジと合わせて相乗効果を生んで、演奏全体のジャズ感を増幅している。優れたアレンジと合わせて、米国西海岸ジャズでのビッグバンドの好盤としてお勧めの一枚です。

 
 
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2019年1月17日 (木曜日)

ECMレーベルらしい内容と響き

欧州ジャズ・レーベルの雄、ECMレーベル。お抱えのジャズメン、多々あれど、そう言えばトランペットが少ないなあ、という印象がある。ちょっと思い起こしてみると、ケニー・ホイーラー(Kenny Wheeler)が先ず浮かんで、あとは・・・。あれれ、他はいないのか。う〜ん。最近では、イスラエル出身のジャズ・トランペッター、アヴィシャイ・コーエンなんかが、ECMレーベルから好盤を出しているんですが。そう言えば、ECMを代表するトランペッター人材って不足気味ですね。

さて、ジャズを聴き初めて、イタリア・ジャズを知ったのが1990年代後半。そして、イタリア・ジャズの代表的トランペッターが、1970年代、ECMレーベルに好盤を残しているのに気がついた。エンリコ・ラヴァ(Enrico Rava)である。ラヴァは1939年生まれ、現在79歳。イタリアはトリエステの出身。マイルス・デイヴィスの演奏を聴き、トランペットを志す。ヨーロッパ、そしてアメリカを舞台に活躍。イタリア・ジャズを牽引してきた、イタリア・ジャズの至宝である。

Enrico Rava『The Pilgrim and the Stars』(写真)。1975年6月の録音。ECMの1063番。ちなみにパーソネルは、Enrico Rava(tp), John Abercrombie (g), Palle Danielsson (b), Jon Christensen (ds)。 ギター・トリオをバックにしたトランペットのワンホーン・カルテット。ギター・トリオとは言っても、ギターはECMのお抱え「捻れ」ギタリスト、アバークロンビー。リズム・セクションにECM専属、ダニエルソンのベースとクリステンセンのドラム。明らかに、ECMレーベルの音の蔓延が期待出来る。
 

The_pilgrim_and_the_stars_rava  

 
エンリコ・ラヴァのトランペットは、明らかに欧州テイスト。凛とした透明感のある伸びのある音。切れ味豊かでエッジが立ったフレーズ。クールに熱いアドリブ展開。これぞ、欧州系のトランペット、という音に惚れ惚れする。しかも、この盤でのラヴァのブロウは実にシリアス。欧州的な響きが豊かな、限りなく自由度の高い、モーダルな演奏が実に素晴らしい。

そんなラヴァのトランペットに絡む、ECMのお抱え「捻れ」ギタリスト、アバークロンビーの自由度高い、くすんで捻れたエレギの音が、これまた欧州的だ。アバークロンビーは米国出身のギタリストなんですが、出てくる音は明らかに欧州的。それも北欧の香りがプンプンする。このアバークロンビーのエレギがラヴァのトランペットに実に相性良く絡むのだ。

ECMレーベル特有の透明感と浮遊感溢れるエコーの中で、ラヴァのトランペットとアバークロンビーのエレギが自由奔放に飛び交い、効果的に絡む。この盤に詰まっている、限りなく自由度の高いモーダルな演奏はECMレーベルならではの内容と響きを誇る。ジャズ盤紹介本には、まずこの盤のタイトルは挙がらないが、この盤、実にECMレーベルらしい内容と響きの盤なのだ。最後に余談であるが、発売当時の邦題は「魚座の難破船」。これは良く判らない(笑)。

 
 
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2019年1月16日 (水曜日)

ECMの音の「てんこ盛り」です

ECMレーベルのアルバムの聴き直し。1970年代のECMレーベルには専属のジャズメンが多くいる。米国のジャズ盤には一切顔を出さない。とにかくECMレーベルオンリー。例えば、ギターのラルフ・タウナーやテリエ・リピダル、テナーのヤン・ガルバレク、ベースのエバーハルト・ウェーバーやパレ・ダニエルソン、ドラムのヤン・クリステンセン等々、挙げれば切りが無い。この辺が、ECMレーベルは欧州ジャズを代表するレーベルと評価される所以である。

特に、1970年代の北欧の優秀どころはほぼECMレーベルに所属していたと言って間違い無い。このECMレーベル専属のジャズメン達が、こぞって、ECMレーベルをイメージさせる音世界を表現するのだから凄い。ECMの総帥、マンフレート・アイヒャーのプロデュース能力も卓越しているが、その意向にしっかりと沿いながら、自らの個性的な表現をやってのける専属ジャズメン達も凄い。そこに、ECMレーベル独特の深いエコーがかかる。ECMレーベルの音の出来上がりである。

Ralph Towner『Solstice』(写真)。ECM1060番。1974年12月の録音。ちなみにパーソネルは、Jan Garbarek (ts,fl), Ralph Towner (g, p), Eberhard Weber (b,cello), Jon Christensen (ds,perc)。ギターのラルフ・タウナーがピアノも担当している。しかしまあ、ECMレーベル専属ミュージシャンでガッチリ固められたパーソネルである。なんか聴く前から出てくる音が想像できる。ECMレーベル好きにとってはワクワクするパーソネルである。
 

Solstice  

 
ラルフ・タウナーのギターって、とってもECMレーベルらしい音をしている。クラシックの様でその即興性はジャズそのもの。でも、タウナーのギターって気の毒で、ソロでやれば、テクニックはあるが「クラシックとは弾き方が違う」とか「ジャジーでは無い」と揶揄される。即興演奏の妙は遺憾なく発揮されているにもかかわらず、である。まあ、タウナーのギターをジャズだのクラシックだの既成の音楽ジャンルに括り付けようとすること自体、無理がある。

デューク・エリントンの「この世の中には良い音楽と悪い音楽の2種類しかない」という言葉を思い出す。この盤でのタウナーのギターは「良い音楽」だと僕は解釈している。このタウナーのギターに、ウエーバーのベースとクリステンセンのドラムがバックにつけば、たちどころにジャズっぽさ濃厚となるのだから、音楽って面白い。そして、フロントにガルバレクのテナーが座って、これまた、このガルバレクのテナーの音が、透明度高く伸びの良いメロディアスなもので、いかにもECMレーベルらしい音をしている。

ウエーバーのベースとクリステンセンのドラムは、明らかにECMレーベルお抱えのリズム・セクションの二人。ということで、ECMらしい音ってどんな音ですか、と問われれば、このアルバムを取り出す。それほど、この『Solstice』というアルバムの音って、全く以て「ECMレーベルの音」のてんこ盛りなのだ。

 
 
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2019年1月15日 (火曜日)

ボス・テナーのオールスター演奏

以前、我が国ではジャズ・ミュージシャンの扱いが偏っていた。おおよその評論家の方々は米国東海岸ジャズが絶対で、同じ米国でも西海岸ジャズは「白人が中心で、アレンジされたジャズ」ということで、東海岸ジャズから一段低く見られた。ましてや、欧州ジャズなど以ての外で、黒人がやらないジャズはジャズじゃない、という極論まであった。

米国東海岸ジャズの中でも扱いに偏りがあって、結構良い音を出しているのに、ジャズ盤紹介本やジャズ雑誌のアルバム紹介には、滅多にその名が挙がらないジャズ・ミュージシャンがいた。例えば、ジーン・アモンズ(Gene Ammons)など、その最たる例だろう。米国では「テナー・サックス界のボス(The Boss)」や「ジャグ(Jug)」の愛称で人気があったのだが、我が国ではサッパリだった。

僕がジーン・アモンズの名を知ったのは、プレスティッジ・レーベルのカタログを入手し、アルバムの蒐集を始めた時。最初は全くその名を知らなかった。今ではネットでググれば直ぐに情報が得られるが、当時はまだネットは無い。外盤の裏の英語の評論文を自分で訳したりして、ジーン・アモンズが何者かを知った。ジーン・アモンズのリーダー作を聴きたくて、まだ日本盤ではCDとしてリイシューされておらず、外盤を探し回った。
 

Gene_ammons_all_star_session

 
Gene Ammons『All Star Sessions』(写真左)。ジーン・アモンズが当時の第一線の様々なジャズメンと共演した音源を集めたリーダー作である。プレスティッジ・レーベルからのリリースで、4つのセッション(1950年の2つ、1951年と1955年それぞれ1つ)からの寄せ集め盤である。プレスティッジ・レーベルお得意の寄せ集めであるが、ジーン・アモンズのテナーは全く変わらない。

共演相手によって演奏内容が変わることも無く、セッション時期が異なるからといって、その演奏がぶれることは無い。骨太でファンクネス溢れるオールド・スタイルなテナー。テクニックは確かで速い旋律も難なくこなす。バラードでは歌心溢れるブロウで魅了する。1950年、1951年、1955年と3つの異なる時代でのセッションだが、オリジナルの収録曲については、いずれも良質なハードバップな演奏である。

CDリイシュー時に没テイクも収録されているが、この没テイクを聴くと、ジャズは「即興演奏の賜」ということが良く理解できる。譜面があって練習に練習を重ねて、良い演奏が出来る様になって最後に録音、というマナーはジャズには無い。一発勝負の即興演奏。その即興演奏には失敗もある。没テイクの収録には賛否両論あろうが、この盤の没テイクはジャズ演奏のドキュメント的位置づけの音源として楽しめる、と僕は解釈している。

 
 
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2019年1月14日 (月曜日)

チック者に納得のライブ盤です

我らがチック・コリア。2013年9月と2010年の東京から、2012年秋から冬にかけての欧州ツアーから、それぞれライブ音源をセレクトした結果、CD3枚組になってしまったという、かなりボリューミーなライブ盤をリリースした。Chick Corea『Trilogy』(左をクリック)である。全く濃い内容のピアノ・トリオ盤でライブ感も心地良く、とても良い内容だった。

当時73歳のチックがこれだけのピアノ・トリオ盤をリリースした訳だが、昨年12月、またまた、チック・マクブライド・ブレイドの強力トリオのライブ盤がリリースされた。Chick Corea『Trilogy 2』(写真左)である。パーソネルは当然、Chick Corea (p), Christian McBride (b), Brian Blade (ds)。今回はCD2枚組。

チックは現在77歳。CD2枚組のライブ盤を出すとは、まだまだ若い。で、『Trilogy 2』の収録曲を見てみると、2016年のツアーのライブが半分、あと半分は前作と同じ2010年や2012年の収録もあったりして、全てが『Trilogy』以降の録音という訳では無い。しかし、全編聴き終えてみて、先ずチック御大が、チック者である我々を納得させてくれるプレイを展開しているので、録音年のことなどどうでもよくなる。
 

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収録された曲がとても魅力的だ。チックの名曲「500 Miles High」「La Fiesta」「Now He Sings, Now He Sobs」にはもう惚れ惚れするしかない。面白いところでは、マイルスの「All Blues」や、ドーハムの「Lotus Blossom」、スティーヴィー・ワンダーの「Pastime Paradise」をチョイスしているところ。チックの旺盛なチャレンジ精神をビンビンに感じる。

そして、このトリオのポテンシャルを実感出来るのが、セロニアス・モンク作の「Crepuscule with Nellie」「Work」の2曲。このモンクらしい曲を、創造性豊かに、即興演奏の粋を尽くして、イマージネーション豊かに演奏している。特に、2016年の演奏は秀逸。フル・アコースティックで伝統的なピアノ・トリオ演奏でありながら、時代の最先端を行く、コンテンポラリーなピアノ・トリオがここにある。

チック・コリアの最新盤。チック・マクブライド・ブレイドの強力トリオのライブ盤。これがまあ、素晴らしい内容で、チックはまだまだ衰えていない。マクブライドのベース、ブレイドのドラムも超一級品。懐古趣味の微塵も無い、現代のピアノ・トリオの最強盤。CD2枚組のボリュームですが、聴き始めたらあっという間です。優れたライブ盤として、ジャズ者万民にお勧め。

 
 
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2019年1月11日 (金曜日)

フラーの代表盤『Blues-ette』

昨日、カーティス・フラーのリーダー作第2弾のお話しをした。カーティス・フラー(Curtis Fuller)とは1934年12月生まれ、米国デトロイト出身のジャズ・トロンボーン奏者。同じジャズ・トロンボーンのレジェンド、J.J.ジョンソンの驚異的なテクニック溢れる奏法とは違い、フラーのトロンボーンは木訥としていて「ほんわか、ほのぼの」な音が個性。

味があるというかファンキーというか、丸くて暖かみがあって、僕はフラーのトロンボーンの方がお気に入りである。そんなフラーの代表作として、ジャズ盤紹介本に必ずと言っていいほど、その名が挙がる盤がある。Curtis Fuller『Blues-ette』(写真左)。1959年5月21日の録音。サボイ・レーベルからのリリース。

ちなみにパーソネルは、Curtis Fuller (tb), Benny Golson (ts), Tommy Flanagan (p), Jimmy Garrison (b), Al Harewood (ds)。フロント楽器のパートナーに、ベニー・ゴルソンのテナー。バックには、名盤請負ピアニストであるトミフラ、重量級ベースのギャリソン、職人芸ドラムのヘアウッドの小粋なリズム・セクションが控える。

つとに有名なのが、冒頭の「Five Spot After Dark」。ハードバップの代表的名曲の1つ。耳の良い方+記憶力の良い方だと、昔、TVのコマーシャルにも使われていたことを覚えていらっしゃるに違いない。作曲はテナー担当のベニー・ゴルソン。ゴルソンは編曲者としても、作曲者としても有名なミュージシャン。編曲の時のハーモニーの重ね方に特徴があって、そのユニゾン&ハーモニーは特別に「ゴルソン・ハーモニー」と呼ばれる。
 

Bluesette

 
この盤では、この「ゴルソン・ハーモニー」が随所で炸裂している。フロントのテナーとトロンボーンの2管しかないのに、そのユニゾン&ハーモニーの重ね方が独特で、分厚くブルージーでファンクネスが濃厚に漂う、マジックのようなユニゾン&ハーモニーである。このゴルソン・ハーモニーがこの盤では濃厚に出ていて、これがこの盤を有名なものにしているのだろう。

「Five Spot After Dark」ばかりがクローズアップされる盤であるが、どうしてどうして他の曲も秀逸。ゴルソンが2曲、フラーが2曲、スタンダードが2曲。捨て曲無し平凡な曲無し。全曲、ブルージーでファンキー、夜の静寂の雰囲気一杯、どっぷりと聴き込み、心の芯までリラックスできる名曲、名演ばかり。この収録曲の出来の良さも特筆もの。

ピアノのトミフラは、何時になく、ややハードにサポート、分厚くブルージーでファンキーなゴルソン・ハーモニーを引き立たせる。リズム・セクションの要、ギャリソンのベース、ヘアウッドのドラムも実に良い。ギャリソンのブンブン響くウォーキング・ベースは魅力的で、も〜たまらん。ヘアウッドのドラムは、意外な職人芸で、しっかりとサポートし、時にバシバシとフロントを刺激する。

この『Blues-ette』の素晴らしさは「聴けば判る」。百の説明よりも1回聴いてみるほうが、その素晴らしさが体験できる「これぞ、ジャズ名盤」といえる一枚です。ジャケットを見ると、一目見ただけで、サボイのアルバムと判る特徴的なジャケット・デザイン。実に粋である。優れたジャケット・デザインには、優れた音が宿る。この『Blues-ette』も例外ではない。

 
 
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2019年1月10日 (木曜日)

全く普通のハードバップな演奏

ジャズ盤紹介本には滅多にその名が挙がらないのだが、聴いてみると、どっぷりと「ハードバップ」していて、聴き進める内に思わず聴き入り、気がついたら結構なヘビロテ盤になっている盤がある。どうしてこんな盤がジャズ盤紹介本に取り上げられないのかが良く判らない。恐らく、CDでリイシューされる機会が少なかったのが災いしているのだろう。

『Curtis Fuller with Red Garland』(写真左)。1957年5月14日の録音。ちなみにパーソネルは、Curtis Fuller (tb), Red Garland (p), Sonny Red (as), Paul Chambers (b), Louis Hayes (ds)。「ほんわか、ほのぼの」な音が個性のトロンボーンの名手カーティス・フラーのリーダー作。初リーダー作『New Trombone』に次ぐ第2弾。

まず、パーソネルがふるっている。ガーランドのピアノに、チェンバースのベース、ヘインズのドラム。実に小粋で玄人好みなリズム・セクション。右手のシングルトーン、左手のブロックコードが特徴の歌心溢れるガーランドのピアノが実に良い味を出している。
 

Curtis_fuller_with_red_garland

 
そんな小粋なリズム・セクションをバックに、「ほんわか、ほのぼの」なフラーのトロンボーンが味のあるフレーズをどしどし繰り出す。ちょっと長めの印象的なアドリブ・フレーズ。良い味出してます。あ〜、ジャズってええなあ、と思わず思います。典型的なハードバップな音、ハードバップな展開。

そんな「ほんわか、ほのぼの」なフラーのトロンボーンに相対するかの様に、切れ味鋭く鋭角な音が個性のアルト・サックスに思わず「目が覚める」。ちょっとピッチが外れたところがマクリーンに似ているが、ブロウの切れ味の鋭さはマクリーンでは無い。誰だ、これ。ソニー・レッドでした。ソニー・レッドのアルト・サックスがじっくり聴けるのもこの盤の良さ。

演奏の展開が、典型的なハードバップ。これぞハードバップな音と展開に思わず、ほんわか聴き入ってしまいます。凄い演奏テクニックや展開は全く無い、全く普通のハードバップな演奏なんですが、これがしみじみ、まったり、良い気分で聴くことが出来るんですね。最近、ダウンロード・サイトで入手可能なので、一度は耳を傾けて欲しい好盤です。

 
 
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2019年1月 9日 (水曜日)

何時の時代も「ハードバップ」

1960年代後半から台頭してきたロック・ムーヴメント。旧来からのジャズを大衆音楽の片隅に追いやり始めた。そして、当のジャズは、ファンキー・ジャズやソウル・ジャズといったジャズの大衆化とフリー・ジャズの急速な進展によるカルト化という二曲化が進み、多様化が顕著になっていた。

それでも、そんな時代でも、ジャズの基本中の基本なスタイル「ハードバップ」はしっかりと根を下ろしていた。ロック・ムーヴメントが顕著になってきた1960年代後半でも、ハードバップな好盤はしっかりと残されている。つまり、1960年代では、まだまだジャズについては需要があった、ということであろう。

Milt Jackson Quintet featuring Ray Brown『That's The Way It Is』(写真)。1969年8月の録音。ちなみにパーソネルは、Milt Jackson (vib), Teddy Edwards (ts), Monty Alexander (p), Ray Brown (b), Dick Berk (ds)。ソウルフルなヴァイブの使い手であるミルト・ジャクソンとベース職人、レイ・ブラインとの双頭クィンテットのライブ盤。
 
Thats_the_way_it_is
 
米国西海岸ジャズのライヴ拠点、Shelly's Manne Holeでのライヴ録音。ライヴだけにメンバー全員、躍動感溢れる演奏を繰り広げている。特に、リーダー格のミルト・ジャクソンのヴァイブのドライブ感が素晴らしい。もともとミルトのヴァイブはファンクネスが溢れている。そこにドライブ感がかかるのだ。ソウルフルこの上無い。

このファンクネス溢れる演奏は、もはや「ソウル・ジャズ」の範疇だ。若手ピアニスト、モンティ・アレキサンダーのピアノが、これまた素晴らしい。とにかく多弁でファンキー。ミルトを凌駕する位にドライブ感溢れる指回し。このドライブ感溢れるヴァイブとピアノをしっかりと支え、演奏全体を統率するのは、レイ・ブラウンの骨太なアコースティック・ベース。

聴けば聴くほど、魅力的に響くハードバップなライヴ演奏の数々。聴衆もしっかり盛り上がっていて良い雰囲気です。こんな素晴らしい内容のハードバップが1969年に演奏されていたとは。リラックスした雰囲気の中で繰り広げられる、ソウルフルなブルース・フィーリングが心地良い。好盤です。

 
 
東日本大震災から7年9ヶ月。忘れてはならない。常に関与し続ける。がんばろう東北、がんばろう関東。自分の出来ることから、ずっと復興に協力し続ける。 

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2019年1月 8日 (火曜日)

これは良いよ「ウラ名盤」・3

米国西海岸ジャズの中で、人気ナンバーワンのトランペッターと言えば「チェット・ベイカー(Chet Baker)」。但し、ジャズ盤紹介本ではボーカリスト(アンニュイで中性的な唄声が個性)としてのチェットをクローズアップしているものが大多数で、チェット・ベイカーと言えば「ボーカリスト」と認識しているジャズ者の方々も多いのではなかろうか。

加えて、麻薬漬けでジャズメン人生の半分以上を棒に振った破滅型のミュージシャンの最右翼の一人でもあるので、真面目なジャズ者の方々からはあまりウケは良く無い。でも、ですね。チェット・ベイカーのトランペットって、とっても魅力的なんですよ。若かりし頃はテクニックは優秀、角の取れた程良く丸い芯の入った音色、ストレートな吹きっぷりで、アドリブ・フレーズは流麗。

『Chet Baker & Crew』(写真左)。1956年7月、LAでの録音。ちなみにパーソネルは、Chet Baker (tp), Phil Urso (ts), Bobby Timmons (p), Jimmy Bond (b), Peter Littman (ds), Bill Loughborough (timpani)。トランペットとテナーがフロントのクインテットに、ティンパニーが客演するというメンバー構成。
 

Chet_baker_crew  

 
この盤では、チェットはトランペットのみに専念している。CDのボートラにはラストの1曲だけボーカルが入っているが、オリジナル盤には入っていない。純粋にチェットのトランペットを心ゆくまで愛でることの出来る好盤である。特にこの盤については、チェットがトランペットをバリバリに吹きまくっているのが特徴。

バップ・スタイルの曲をバリバリに吹きまくっている。テクニックは優秀で流麗なアドリブ・フレーズ、芯の入った程良く丸いブリリアントな音色、中音域を中心に吹きまくるチェットのトランペットは魅力満載。力強くバイタルな吹きっぷりのチェットは珍しいといえば珍しい。思わず、上手いな〜と感心し、思わず聴き入ってしまう。

ジャケットも良い雰囲気。タイトル通り、ヨットの上にチェットと乗組員たち。進むべき方向を指し示すように身を反らして、片手でトランペットを吹くチェット。陽射しはうららか、明らかに米国西海岸の雰囲気。当時、チェットは27歳。若かりし日のチェットのトランペットはどれだけ素晴らしかったのか。この盤を聴けば、それが追体験出来る。

 
 
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2019年1月 7日 (月曜日)

ジャズ喫茶で流したい・137

バリトン・サックス(略して「バリサク」)の音が大好きだ。サックスについては、自分でも中学時代、アルト・サックスを吹いていたので、親近感がある。そんな中、好きな順に挙げると、バリトン → アルト → テナー → ソプラノの順になる。バリサクの音は良い。魅力的に響く重低音、肉声に近い、歌心溢れる中高音。

肺活量がかなり必要で、普通の人では吹くのが一仕事のバリサクではあるが、出てくる音は一番サックスらしい、と僕は思っている。そんなバリサクを吹きこなすジャズメンは少ないのだが、何時の時代も必ず、魅力的なバリサク吹きがいる。米国東海岸にも西海岸にも、魅力的なバリサク吹きがいる。今回は、米国西海岸ジャズの魅力的なバリサク吹きの好盤をご紹介する。

Serge Chaloff『Blue Serge』(写真左)。1956年3月14 & 16日。ちなみにパーソネルは、Serge Chaloff (bs), Sonny Clark (p), Philly Joe Jones (ds), Leroy Vinnegar (b)。サージ・チャロフ(Serge Chaloff)は当時では珍しいバリサク吹き。この盤は、サージ・チャロフのバリサクの素晴らしさが体験できる好盤である。
 

Blue_serge_chaloff  

 
この盤のチャロフのバリサクは「唄うが如く」である。さりげなく、あっさりと心地良く、唄うが如くバリサクを吹く。これが実に良い。「歌心溢れるブロウ」というのは、このチャロフのバリサクの形容にピッタリ。楽器の図体が大きく、吹き回しに結構苦労するバリサクなんだが、チャロフは事も無げに、さり気なく、流麗なフレーズを「唄うが如く」吹き上げていく。

バックのソニー・クラークのピアノも良い音出している。僕はソニー・クラークのピアノが好きで、この盤でも暫く聴いていて、「このピアノって、ソニクラちゃう」と思った。この時期のクラークのピアノの特徴は、ジャストかやや前ノリで、そういう点ではソニクラと思わないのだが、ソニクラのピアノの特徴である「粘っこく転がすようなコンピング」がこの盤でも聴くことが出来る。そこで、これはソニクラやなあ、と思うのだ。

そんな絶妙なバッキングをウケて、チャロフはバリサクを魅力的に吹き上げていく。米国西海岸での録音が故、ウエストコースト・ジャズの雰囲気が芳しい。演奏のアレンジも秀逸で、それぞれのメンバーのアドリブ展開も小粋である。バリサクという重たい楽器を、重さをまったく感じさせずに、軽やかに流麗に吹き上げる。そんなチャロフがめっちゃ魅力的である。

 
 
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2019年1月 6日 (日曜日)

ミルトのクロスオーバー好盤

厳寒の冬の空気には、凛としたヴァイブの音が良く似合う。僕は子供の頃から木琴を弾くのが好きで、学生の頃にはヴァイブを少しかじった位である。とにかく、あの凛とした切れ味の良いヴァイブの音が大好きで、ジャズにヴァイブ奏者が存在することを知ったのは、モダン・ジャズ・カルテット(MJQ)を介して出会った。よって、僕にとってのジャズ・ヴァイブのアイドルは「ミルト・ジャクソン」。

ミルト・ジャクソンはハードバップの初期、当時としてはまだまだ珍しいヴァイブを引っさげて、ジャズ界にデビュー。1952年に、ジョン・ルイスらとMJQを結成、ジャズ界での人気グループとなった。が、22年もの間、MJQで地道に音楽活動を続け、それなりの評価を得たにも拘わらず、新進のロック・ミュージシャンの連中に較べ報酬が少ないことが不満となって、1974年、一旦、MJQを離れています。

ミルト・ジャクソンはMJQを離れた後、CTIレーベルでの活動をメインに、クロスオーバー・ジャズ〜フュージョン・ジャズの中で活躍します。ハードバップがメインの純ジャズ出身のジャズメンが、ロックビートと融合したクロスオーバーや、電気楽器をメインに据え、様々な他ジャンルの音楽要素と融合したフュージョン・ジャズで適応するのか、という強い懸念があったのですが、ミルト・ジャクソンは全くそんな懸念は不要だったかと思います。
 

Oringa_milt_jackson

 
例えば、Milt Jackson『Olinga』(写真左)。。1974年の作品。CTIからのリリース。ちなみにパーソネルは、Milt Jackson (vib), Jimmy Heath (ss), Cedar Walton (p), Ron Carter (b), Mickey Roker (ds)。1曲目の「Olinga」と5曲目の「Lost April」のみ、バイオリンとチェロの弦が入ります。基本的な音の雰囲気は「クロスオーバー・ジャズ」。ジャズとロックとクラシックを融合したイージーリスニング・ジャズ、といった雰囲気です。

ミルトはMJQのミルトより、ソロのミルトの方がファンキーで活き活きしているので、ミルトはソロの方が良い、と言われるのだが、僕はこの意見には疑義を持っている。ミルトは競演するメンバーによって、ヴァイヴ演奏の雰囲気を変えるのではないか、睨んでいる。この盤でもミルトのヴァイブについて、クロスオーバー・ジャズがメインの演奏の中で、全く違和感が無い。逆に、ミルトのヴァイブが映えている。

硬派で純ジャズなミルトも良いが、1970年代のクロスオーバーなミルトもまた違った魅力が垣間見えて意外と面白い。特に、バックが電気楽器でも、その音の特徴を的確に把握して、しっかりとフィットする職人芸的ヴァイブは彼ならではのもの。そんなミルトの職人芸的ヴァイブが前面に出て躍動する。この『Olinga』って、なかなかの隠れ好盤だと思います。

 
 
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2019年1月 5日 (土曜日)

これは良いよ「ウラ名盤」・2

年末の大掃除で見つけた雑誌の増刊号、スイングジャーナル・1989年5月臨時増刊「新説 ジャズ名盤・ウラ名盤」のウラ名盤の聴き込みである。この増刊号で紹介されている「ウラ名盤」はなかなか聴き応えのあるものばかり。約20年ぶりに読み返してみて、感心することしきりである。

今日は、Lou Donaldson『Fried Buzzard』(写真左)。1965年8月6-7日、NYのBon Ton Clubでのライブ録音。ちなみにパーソネルは、Lou Donaldson (as), Bill Hardman (tp), Billy Gardner (org), Warren Stephens (g), Leo Morris (ds)。リーダーのルーさん以外、トランペットのビル・ハードマンは知っているが、残りの3名は知らない名前。まあ、ルーさんのリーダー作ではよくある話なので気にはならない。

ピアノの代わりにオルガンが入っているところがミソ。もともとルーさんのアルトはファンクネス満載なんだが、このオルガンがバックに入ることで、そのファンクネスがより濃厚になる。録音されたのは1965年。ファンキー・ジャズ全盛の時代なので、このライブ盤の演奏はコッテコテにファンキー。
 

Fried_buzzard_lou

 
ルーさんのアルトはデビュー当時から、そのスタイルには全くブレが無い。基本は「ビ・バップ」。テクニックに優れ、アドリブフレーズの歌心に優れる。ハードバップ時代もそのスタイルは変わらず、アドリブを担当する時間が長くなった分、そのフレーズの変化、バリエーションが豊かになる。

フロントのパートナー、トランペットのハードマンもこのルーさんのスタイルにしっかりと追従していて立派だ。ハードマンのトランペットも基本は「ビ・バップ」。高速フレーズとテクニックでルーさんのアルトに追従する。そして、この盤のポイントとなるのがオルガンの存在。演奏のファンクネスを増幅する効果を担っていて、これが実に良い雰囲気。ジャズやな〜、って実感する。

そして、このライブ盤の一番素敵なところは「ライブの雰囲気」。ルーさんのMCもバッチリ入っているし、とりわけ、聴衆の反応が抜群に良い。観客の声援、拍手と演奏が一体となって、とても良いライブの雰囲気が思いっきり伝わってくる。いかにも場末のクラブでやってますといった雰囲気がとても良い。これぞ、ジャズのライブの醍醐味の1つだろう。

 
 
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2019年1月 4日 (金曜日)

これは良いよ「ウラ名盤」・1

年末、本棚を大掃除をしていて、あるジャズ盤紹介本を久し振りに見つけた。スイングジャーナル・1989年5月臨時増刊「新説 ジャズ名盤・ウラ名盤」である。発刊当時は、LPからCDへの移行期。ジャズ名盤は何とかLPで蒐集できるんだが、ウラ名盤がどうにもならない。まず、LPの新盤では絶対に無い。といって中古のLPも見当たらないか、あっても高額。この「ウラ名盤」については蒐集できるかい、とサジを投げた。

で、今回、改めて読んでみると、この「ウラ名盤」、何とかなるんとちゃうかいな、と思いながら、ネットのダウンロードサイトをうろうろ探し回ると、ありますあります。意外とこれがあるんですよ。この「ウラ名盤」って、長年「ジャズ者」をやっている輩からすると、なかなかのグッド・チョイスで、結構、聴き応えのある盤ばかりなんですよ。

ということで、新春を迎えて、しばらく、この「ウラ名盤」を聴きまくってみようと思います。ということで第一弾は『Max Roach + 4 At Newport』(写真)。1958年7月6日、 Newport Jazz Festivalでのライブ録音。ちなみにパーソネルは、Max Roach (ds), Booker Little (tp), George Coleman (ts), Ray Draper (tuba), Art Davis (b)。レイ・ドレイパーのチューバが珍しい。 
 

Max_roach4_at_newport  

 
が、このレイ・ドレイパーのチューバの存在がちょっとした混乱を招く。もともと速いフレーズを吹くのが苦手なチューバである。ビ・バップ譲りの速いユニゾン&ハーモニーになると、フロントの音がバラバラになって、思わず椅子から落ちそうになる。冒頭の3曲ほどはヨタヨタしたユニゾン&ハーモニーに思わず「酔いそうになる」。が、4曲目の「Minor Mode」から5曲目「Tune-Up」にかけて、トランペットとテナーにエンジンがかかってくる。

特に、トランペットが大変身。チューバに合わせてよたっていたのが、思い切って自分のプレイに徹することに決めたのか、素晴らしい高速フレーズを吹き始める。流麗かつブリリアント、躍動感抜群で切れ味抜群。そして、ラストの「Love for Sale」では、明快に素晴らしい、歌心溢れる高速フレーズをバッチリと決める。このトランペットは誰だ。誰あろう「Booker Little(ブッカー・リトル)」であった。

加えて、テナーのコールマンも健闘しているので、しっかりと耳を傾けたい。ドレイパーのチューバの存在が問題なのでは無い。リトルのトランペット、コールマンのテナー、二人のテクニシャンとブッキングしてフロントを張らせた方が問題だろう。この『Max Roach + 4 At Newport』はローチの職人芸的ドラミングとリトルの天才的なトランペットを愛でる為のライブ盤と言える。

 
 
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2019年1月 3日 (木曜日)

「自由への讃歌」の秀逸カヴァー

「初ジャズ」は、それなりに相応しい楽曲が入っている盤が良い。昨日ご紹介した「お琴」入りジャズはちょっと「出来レース」っぽい感じで、小っ恥ずかしい感じがするのだが、毎年、この楽曲が入っている盤は絶対に正月にかける、という盤がある。華やかというか、心にグッとくるというか、印象的な楽曲が入った盤をよく選ぶ。

その楽曲のひとつが「Hymn to Freedom」。邦題「自由への讃歌」。1962年、オスカー・ピーターソンが発表した曲。黒人たちの人権を訴える公民権運動の真っ只中、その応援歌として作られた。アルバム『Night Train』のラストに入っている。これが絶品で、ゴスペル調のファンキーで印象的な曲だ。「When every heart joins every heart And together yearns for liberty ....」から始まる歌詞も付けられて、ゴスペル・コーラスの名曲としても知られている。

昨年までは、このピーターソンのアルバム『Night Train』をかけていた訳であるが、昨年、この「Hymn to Freedom」(自由への讃歌)」のカヴァーバージョンの収録されているアルバムに気がついて、最近はこの盤の「Hymn to Freedom」(自由への讃歌)」もよく聴く様になった。ピーターソンのオリジナル演奏よりも、R&B色が濃く、ジャズ・ファンクなアレンジが実に素敵である。
 

Yesterdaytoday_tomorrow  

 
その盤とは、Gene Harris『Yesterday, Today & Tomorrow』(写真左)。1973年6月の録音。ちなみに、Gene Harris (p), Johnny Hatton (b), Carl Burnett (ds, perc)。ジーン・ハリスのピアノをメインにしたトリオ「スリー・サウンズ」のアルバムである。1973年の録音なので、トリオ演奏のアレンジはファンキー・ジャズというよりは、よりR&B調の強い「ジャズ・ファンク」な演奏に仕上がっている。

このジャズ・ファンクなアレンジに、この「Hymn to Freedom」(自由への讃歌)」という曲がとてもよく映える。聴いていて心地良く、かつ心にメインの旋律がアドリブの旋律が心に響く。曲の特性を前面に押し出した、ファンクネスが濃く漂うが決してくどくなく、耳に心地良く響く。こんなカヴァー演奏があったなんて、昨年、発見した時はビックリした。

冒頭の曲が、これも僕の大好きなスタンダード曲「On Green Dolphin Street」だったり、ジョージ・ハリソンの名曲「Something」のカヴァーもあったりで、収録された楽曲のどれもが、心地良いジャズ・ファンクなアレンジが施されており、なかなか聴いていて楽しい。新年に相応しい好盤だと思います。

 

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2019年1月 2日 (水曜日)

お正月にピッタリのジャズ盤

2019年が始まりました。昨年12月の最終週からいきなり冷え込んで、年末は冷えから体調がイマイチでした。それでも地球は回る訳で、昨日から2019年になりました。21世紀になって、もう18年が経ったわけですね。歳を取るわけです。今年も、我がバーチャル音楽喫茶『松和』をよろしくお願いします。

正月を迎えて、ジャズ喫茶に流すアルバムは何が良いか。ズッと悩み続けて、今までは自分の一番好きなアルバムとか、初めて買ったジャズ盤とかをかけてきたのですが、どうもスッキリしない。正月ですからねえ、正月らしいジャズって無いのかなあ、とズッと考え続けて来たんですが。ありました、ありました。今年からはこの盤でスタートです。

以前に(2006年だったかな)、1960年代に発表したMPSカタログの中からセレクトしたアルバムを紙ジャケットで再発売する「MPS Talkin` Jazz Reissue シリーズ」というのがあって、その中の一枚だったかと記憶しています。MPSレーベルに日本人のジャズメンのリーダー作があったのを最近思い出して、そのアルバムを探していたんですが、これがお正月にピッタリな内容なんですよ。
 

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Hideo Shiraki Quintet + 3 KOTO Girls『Sakura Sakura』(写真左)。白木秀雄擁するクインテット(日野晧正 (tp), 村岡建 (ts,ss,fl), 世良譲 (pf), 栗田八郎 (b), 白木秀雄 (ds))と「スリー琴ガールズ」の共演による1965年録音盤。記録によると、1965年のベルリン・アート・フェスティバルのテーマに「日本」が選ばれた年のベルリン・ジャズフェスにて、白木秀雄のクインテットが三人の琴奏者を加えた形で演奏。このジャズフェスでの演奏は、翌日の新聞に大きく扱われる程に高い評価を得て大成功に終わったとのこと。

このアルバムはその滞在期間にベルリンのスタジオで録音されたものだそうです。冒頭が「さくら さくら」。琴による「さくら さくら」の旋律がジャズとしては「違和感」満載(笑)。まあ、この演奏がジャズか、と問われれば、ちょっと苦笑いしてしまう内容なんですが、他の収録曲、八城一夫 作の「祭りの幻想」や、日野皓正 作の「Alone, Alone And Alone」がなかなかの内容なので、まあ良しとしましょう。

琴を導入したジャズ盤については幾つかありますが、ここまであからさまに琴を前面に押し出しつつ、日本の有名な楽曲をモチーフとしたジャズ演奏はこの盤がダントツな存在です。異色作です。琴による「さくら さくら」の旋律がいかにもお正月らしいですね。お正月の我がバーチャル音楽喫茶『松和』では、この「さくら さくら」が鳴り響いております。

 
 
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2019年1月 1日 (火曜日)

新年、おめでとうございます

明けましておめでとうございます。厳寒の正月になりました。今年も我がバーチャル音楽喫茶『松和』をよろしくお願いします。寒いですね〜。去年は意外と暖かかったので、この厳寒は体に堪えます。

さて、今年の初聴きは明日。今日は一日、寝正月です。あまりの厳寒に体がついていきません。近頃は予防措置も含めて、体に今まで以上に気を遣っています。体調がよければ音楽は気持ち良く響くし、体調が悪ければ音楽を聴いていても楽しく無い。アルバム鑑賞にとって、体調管理は大切です。歳も歳なので無理は禁物。

さて、今年も「現状維持」を目標にブログ運営を継続していきます。ブログの本格稼働は明日辺りから。今年も我がバーチャル音楽喫茶『松和』をよろしくお願いします。
 
 
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