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2017年10月の記事

2017年10月31日 (火曜日)

ハンク翁の「白鳥の歌」です。

僕はこのピアニストがずっとお気に入りだった。ハンク・ジョーンズ(Hank Jones)。初めて聴いたアルバムが『At The Village Vanguard』。聴いた時期は1979年。それから約30年間。ずっとハンクのピアノを聴いてきた。高テクニックで典雅、流麗で歌心満点。派手なパフォーマンスとは全く無縁、それでいてタッチはしっかりとしている。

お気に入りのピアニストだったハンク・ジョーンズの「白鳥の歌」がこのアルバムになる。Hank Jones 〜 The Great Jazz Trio『Last Recording』(写真左)。2010年2月24日の録音。ちなみにパーソネルは、Hank Jones (p), David Wong (b), Lee Pearson (ds), Roy Hargrove (tp), Raymond Mcmorrin (ts)。

2010年5月16日に91歳で逝去したハンク率いるThe Great Jazz Trio(GJT)のラスト盤。しかし、この盤のハンクのプレイを聴く限り、この盤を録音した3ヶ月後に鬼籍に入るなど、全く想像も出来ない。どころか、この盤でのハンクのピアノは切れ味が良い。往年のハンクのピアノが甦っている様であり、これが生前最後のレコーディングだなんて、説明されないと判らないだろう。
 

Hank_jones_last_recording

 
ハーグローブのトランペット、マクモリンのテナーも好調。それもそのはずで、伴奏上手のハンクのテクニックが遺憾なく発揮されている。ハーグローブやマクモリンのブロウの個性を読み取って、フロントの管が吹きやすいように吹きやすいように、伴奏を紡ぎ上げていく。ロングのベース、ピアソンのドラムもハンクのピアノと相性バッチリで、聴いていて本当に心地良い伴奏だ。

選曲はスタンダード曲が中心。どれもが結構有名なスタンダード曲なんだが、何故か飽きを感じることは無い。ハンクのアプローチが新鮮なのだろう。このピアニストは91歳で鬼籍に入るまで、手を抜くなんてこととは全く無縁な、誠実で真摯なピアニストだった。同じスタンダード曲の演奏でも、アプローチが同じ手口になることは無かったと記憶する。

亡くなる直前の切れ味良いプレイが素晴らしい。常に新しい感覚、若い感覚を維持した、とびきりのレジェンドであった。ジャズの歴史と共に歩んだ音楽人生であり、暗記しているスタンダード曲は1000曲以上とも言われ、敬愛の念をもって「ミスター・スタンダード」と呼ばれたピアニスト。鬼籍に入って、既に7年以上の年月が過ぎ去ったが、彼のプレイを聴くと、未だに無念の気持ちが甦ってくる。本当に素晴らしいピアニストだった。

 
 

東日本大震災から6年7ヶ月。決して忘れない。常に関与し続ける。がんばろう東北、がんばろう関東。自分の出来ることから、ずっと復興に協力し続ける。 

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2017年10月30日 (月曜日)

5000番台も聴き所満載である

ブルーノート・レーベルは「ジャズの老舗レーベル」と呼ばれる。確かに、ブルーノート・レーベルは、ジャズのあらゆる演奏スタイルや、後の一流ジャズメンの若き時代の演奏をしっかり残していて、ブルーノート・レーベルのアルバムを聴き通すだけで、ジャズの歴史の全てが判る、とまで言われる。

例えば、このアルバムなどもブルーノートならでは、の盤である。『Howard McGhee's All Stars - The McGhee-Navarro Sextet』(写真左)。BLP 5012番。1950年1月23日の録音。特に、前半分『Howard McGhee's All Stars』の部分がブルーノートならでは、である。

何故って、ハワード・マギーって、オクラホマ州タルサ生まれ、デトロイト育ち。ディジー・ガレスピー, ファッツ・ナヴァロ、アイドリース・シュリーマンなどと並んでビ・バップの最初のトランペット奏者の一人。しかし、1950年代は麻薬中毒で没落した為、ビ・バップ時代、若き優秀なトランペッターとしての音源は少ない。

つまり、ハワード・マギーのトランペットの素晴らしさを感じることの出来る音源は稀少。稀少と言われる中、このブルノート盤は、ハワード・マギーの、テクニック優秀、溌剌としたトランペットをしっかりと捉えているのだ。こういうところが、ブルーノートの優れたで、さすが、総帥のアルフレッド・ライオンの慧眼恐るべしである。
 

Howard_mcghees_all_stars_the_mcghee  

 
よくこんな音源をLPでリリースしたものだと感心する。ちなみにパーソネルは、Howard McGhee (tp), Jay Jay Johnson (tb),  Brew Moore (ts), Kenny Drew (p), Curly Russell (b), Max Roach (ds) 。やはり、まずは、マギーの溌剌とした、高テクニックのビ・バップなトランペットが清々しい。良く鳴るトランペットだ。

そして、バックのリズム・セクションの中でキラリと光るフレーズを紡ぎ出しているのが、若き日のケニー・ドリュー。この盤でのドリューのピアノはもはや「ビ・バップ」なピアノでは無い。そこはかとなく黒いファンクネスを漂わせつつ、タッチのハッキリとした、内省的で思索的なアドリブ・フレーズを展開する。これがまた「良い」。

伝説化したハワード・マギーの稀少音源といい、若かりし頃のドリューの黒いファンキーなピアノといい、ブルーノートは、しっかりと当時のジャズの美味しいところを押さえている。1950年の録音ながら、音もまずまずで、ビ・バップ期からハードバップ期へ移行する時期の「ビ・バップのハード・バップ化」の過程を捉えた盤として、この盤は価値がある。

さすがはブルーノート・レーベル、目の付け所が違う。1500番台や4000番台のカタログばかりが、もてはやされがちではあるが、このブルーノートの5000番台のアルバムも隅に置けない。聴き進めて行くと、この5000番台は5000番台で聴き所満載である。ブルーノート、恐るべしである。

 
 

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2017年10月29日 (日曜日)

スティングの考えるジャズ再び

密かに「スティング(Sting)」がお気に入りである。「スティング」とは、ロックバンド「ポリス」のベーシスト兼ボーカルとして活躍、ポリス活動休止後はソロ・アーティストに転向。グラミー賞など数々を受賞し、今では、ロック界のレジェンドの一人に数えられる。

スティングのソロの音楽性がお気に入りである。ポリス時代は「ソリッドでストレート」なロックで一世を風靡したが、ソロになってのスティングは、音楽性の幅をグッと広げて、ロックを基調にはしているものの「クロスオーバー&フュージョン」な音世界はスティング独特なもの。これが凄く聴きもので、ソロ第1弾以降、スティングは密かに愛聴している。

そのソロ第一弾が『The Dream of the Blue Turtles』(写真左)。邦題『ブルー・タートルの夢』。1985年の作品。バックにジャズ畑の若手ミュージシャンを採用して、ロックを基調としながらも、ジャズをメインとした米国ルーツ・ミュージックの要素を大胆に取り入れた、スティング独特の音世界を創出している。

ポリス時代のソリッドでテンションの高い音世界が、ジャズの要素を上手く取り込んだことでビートの振れ幅が広くなり、余裕のある、良い感じにリラックスした、聴き心地の良い「大人のロック」な音世界に変化している。
 

The_dream_of_the_blue_turtles

 
その伝説となったパーソネルは、Sting (vo), Omar Hakim (ds), Darryl Jones (b), Kenny Kirkland (key), Branford Marsalis (sax)。オマー・ハキム+ダリル・ジョーンズ+ケニー・カークランドのリズム・セクションに、フロント1管でブランフォード・マルサリスのサックス。1985年当時、若手ジャズメンとしての優秀どころを集めて、バックを張らせる。スティングの戦略、恐るべしである。

若手ジャズメンの起用がバッチリ当たっている。ロックを基調としつつ、ジャズの要素を通じてファンクネスが仄かに漂い、米国ルーツ・ミュージックへのアプローチがスムーズ。ロック寄りのフュージョン・ミュージックとして、当時として「新しい響き」がこの盤に充満している。優秀なリズム隊をバックに、程良く余裕をもって悠然と唄うスティングは実に格好良い。

ブランフォードのサックスも聴き逃すことは出来ない。特に4曲目の「Children's Crusade」のスティングのボーカルに続く、ブランフォードのソプラノ・サックスによるソロは圧巻。

バックをジャズメンで固めたとは言え、そこはスティング、音的にジャズ色べったりにはならない。ジャズをメインにした米国ルーツ・ミュージックを上手く取り込んで個性を固めた、基本は「ロック」である。

 
 

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2017年10月28日 (土曜日)

70年代米国ルーツ・ロックの傑作

エリック・クラプトン(Eric Clapton)は、ロック・レジェンドの中でも、お気に入りの上位に位置する。クラプトンを初めて聴いたのは1974年。シングルカットでヒットした「I Shot the Sheriff」、そして、アルバムとしては、同じく1974年の『461 Ocean Boulevard』。レゲエの導入とレイドバックした米国ルーツ・ロックに「やられた」。

1974年に出会ったということだから、今年でクラプトンを聴き続けて43年になる。今やクラプトンのアルバムは全て所有しているし、全てのアルバムを聴いている。クラプトンの魅力は、日本で言われている「ロック三大ギタリスト」の一人ということで、彼の「スローハンド」と形容されるエレギ、そして、味のある渋いボーカル。

43年、クラプトンを聴き続けている中で、クラプトンの「これ一枚」を挙げろ、と言われれば、絶対にこのアルバムを挙げる。Derek and the Dominos『Layla and Other Assorted Love Songs』(写真)。邦題『いとしのレイラ』。1970年のリリース。Eric Clapton (g, vo), Bobby Whitlock (key), Carl Radle (b, perc), Jim Gordon (ds, p, perc) の4人で結成された、デレク&ドミノス名義の傑作である。
 

Layla_and_other_assorted_love_songs

 
収録曲は全14曲。発売当時はLP2枚組。クラプトンとウィットロックの共作が5曲。 ウィットロックの単独作が1曲。クラプトンの単独作が3曲。そして、カバー曲が5曲。このアルバムについては「捨て曲」が全く無い。演奏レベルによる優劣も無い。どの曲もが高いレベルの演奏を維持しているところが素晴らしい。演奏の基本は、スワンプ・ロックから米国ルーツ・ロック。適度にリラックスした余裕のある演奏で、後の「レイドバック」に繋がる雰囲気が充満している。

加えて、この盤を特別なものにしているのが、オールマンズのリーダー、そして、メイン・ギタリストであったデュアン・オールマンのサイドギターとしての参加である。アルバム全編で聴かれるデュアンのサイドギターが、聴けば聴くほど素晴らしい。特にスライドギターが絶品だ。クラプトンのエレギはもともと素晴らしいが、デュアンのサイドギターが絡むことで、さらにその魅力を増幅させている。

この1曲といえば、やはりタイトル曲の「Layla(いとしのレイラ)」だろう。7分を超える劇的な展開が素晴らしい、音楽の素晴らしさが詰まった名曲である。このアルバムの素晴らしさについては、言葉では表現し尽くせない。ロックというジャンルが為し得た、米国ルーツ・ロックの傑作である。ロック者の方々には、老若男女問わず、一度は聴いて貰いたい、そんなロックの歴史的名盤の一枚である。

 
 

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2017年10月27日 (金曜日)

こんなアルバムあったんや・90

ジャズ演奏の編成って、かなりのバリエーションがある。基本は、ピアノ+ベース+ドラムのリズム・セクションに、フロントの管楽器が、今のジャズの基本構成と言ってよいんだろうけど、それだけには留まらない。ソロ、デュオも当たり前の様にあるし、デュオの楽器の組合せも様々。まあ、とにかく「定型」ってものが無い。そういう編成のバリエーションの柔軟性というのも、ジャズの特質だろう。

しかし、このアルバムのジャズ演奏の編成を知った時には「こんなんもアリかあ〜」と唸った。最初、聴いていたら、ピアノとドラムのデュオだと単純に思う。へ〜ぇ、ピアノとドラムのデュオってあるのか、なんて単純に感心したりする。しかし、聴き進めていくうちに「あれっ」と思う瞬間が来る。ピアノの音が弾きっぷりが、ちょっと変化するのだ。

それでも最初は、このピアニスト、変化の付け方が上手いなあ、これだけ音と弾きっぷりを変化させるのって、意外とテクニックがいるんだよな〜、この盤のピアニスト、凄いよな〜なんて思ってしまう。が、アルバムの演奏がどんどん進んで行くと、ピアノの音と弾きっぷりについて、明らかに雰囲気が異なる演奏が交互に来る。そして思う。これ、ピアノが2台、ピアニストが2人いるのか?
 

Double_play

 
Russ Freeman and André Previn『Double Play!』(写真左)。1957年4月〜5月の録音。「名手二人のピアノ連弾+マンの職人ドラムの変則編成」のピアノ・ジャズ。改めてパーソネルは記しておく。Russ Freeman, André Previn (p), Shelly Manne (ds)。ラス・フリーマンは、1950年代西海岸ジャズの名脇役ピアニスト。アンドレ・プレヴィンは、本業はクラシックの指揮者兼ピアニスト。ジャズ・ピアニストとしても一流。

プレヴィンはクラシック出身で、当然、テクニック上々だが、この盤で、フリーマンの指が良く回るのに、ちょっとビックリする。名脇役、伴奏上手のフリーマンなので、情感を優先に弾くのが上手い、と勝手に思っていたのだが、テクニック優秀な弾き回しにビックリ。テクニック優秀な二人が連弾形式で弾きまくる。ドライブ感抜群。マンのドラミングもガンガンにフロント2台のピアノを鼓舞していて素晴らしい。

演奏されている曲も楽しい。アルバム・ジャケットからも想像できるのだが、野球にまつわる曲ばかり。特に冒頭の「Take Me Out To The Ball Game」の「聴いて楽しい」ジャズ・アレンジ版はこの盤でしか、僕は聴いたことが無い。しかし、「名手二人のピアノ連弾+職人ドラム」の変則編成。こういったユニークな編成があるのもジャズならでは、である。

 
 

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2017年10月26日 (木曜日)

80年代の「ブラジルの渡辺貞夫」

ナベサダさん(渡辺貞夫)には、ビ・バップの顔、フュージョン&スムースの顔、そして、ブラジルの顔がある。日本人ジャズメンとして、いち早く、ボサノバ&サンバの「ブラジル音楽」に着目し、早くも、1966年12月には『JAZZ & BOSSA』を吹き込んで、日本中にボサノバブームを巻き起こした。

そんなナベサダさんが、1980年代に残した「ブラジルの顔」の面での好盤がある。Sadao Watanabe『ELIS』(写真左)。988年の作品。1960年代後半、音楽に文化に魅せられ続けたブラジルで実現した20年振りの念願のレコーディング。歌姫、エリス・レジーナに捧げたアルバム。米のラジオ&レコード誌ジャズ・チャート4週連続1位を獲得した好盤である。

ちなみにパーソネルは、渡辺貞夫 (as), セザール・カマルゴ・マリアーノ (key), エイトール・テイシェイラ・ペレイラ (g), ニコン・アスンサゥン (b), パウリーニョ・プラーガ (ds), パペーチ (perc), そして、ゲスト参加のトッキーニョ (g, vo)。う〜ん、トッキーニョ以外、知らない名前ばかりだ。しかし、この盤を聴けば判るが、凄く上手い。ブラジルのミュージシャンのレベルの高さに驚く。
 

Watanabe_sadao_elis

 
ブラジルの歌姫「エリス・レジーナ」の追悼盤。この『ELIS』の魅力は、ほのぼのとした情の深い音。優しく愛情たっぷりな柔和な音。聴いていてなんだか、心から「ほっこり」としてしまう、そんな素晴らしい感覚が満載のフュージョン・ジャズ盤。バックのリズム・セクションが素晴らしく優秀なので、ナベサダさんは安心しきって、芯のある力感溢れる、とびきり優しいフレーズを吹き上げる。

しかし、ブラジルって凄いなあ。改めて「音楽王国」であることを再認識。なに、このハイレベルのバッキング。さすが、ボサノバ&サンバの原点。セザールのアレンジも実に良好。なるほど、米のラジオ&レコード誌ジャズ・チャート4週連続1位も納得の内容である。収録された全ての演奏の内容が良い。甲乙付けがたい演奏が満載。

このナベサダさんの「ブラジルの顔」、とても素敵である。ボサノバ&サンバな曲については、とってもダンサフル。芯のある力感溢れる、とびきり優しいフレーズと相まって、実にメリハリのある、飽きの来ない、充実の内容になっている。そして、1980年代のナベサダさんのアルバムは、どれも「デジタル臭く無い」。アナログっぽくて柔軟な音はもっと評価されても良い。好盤です。

 
 

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2017年10月25日 (水曜日)

硬派で熱いワシントン・ジュニア

Grover Washington Jr.(グローヴァー・ワシントン・ジュニア)と言えば、ソフト&メロウなフュージョン・ジャズの代表ジャズメンの一人。1980年の『Winelight』がその代表盤。シングルカットされた「Just the Two of Us(クリスタルの恋人たち)」は大ヒットした。

しかし、ワシントン・ジュニアは、デビュー当時からずっと「ソフト&メロウ」なアルト・サックスを吹いていた訳では無い。ワシントン・ジュニアは意外と多作の人で、このソフト&メロウの代名詞的アルバム『Winelight』までに、先行して10作のリーダー盤がある。この頃のワシントン・ジュニアって、結構、ソウルフルでエモーショナルなアルトを吹いていたのだ。

それがよく判るライブ盤が、Grover Washington jr.『Live At the Bijou』(写真)。1977年5月、ペンシルベニア州フィラデルフィアの「Bijou Cafe」でのライブ録音。パーソネルを見渡しても、当時のフュージョン・ジャズにおける有名なジャズメンの名は見当たらない。つまり、ワシントン・ジュニアは、クロスオーバーからフュージョンへの主要ラインから、少し「外れていた」と思える。
 

Live_at_the_bijou_cafe

 
このライブ盤『Live At the Bijou』を聴けば、それが良く判る。出てくる音は、クロスオーバーでも無ければフュージョンでも無い。演奏は電気楽器が交じったクロスオーバー風だが、ワシントン・ジュニアのサックスは、バラードチックな曲では限りなくソウルフルに、アップテンポの曲では限りなくフリーでエモーショナルに吹き上げる。意外に硬派なメインストリームなジャズの響き。

このライブ盤には、ソフト&メロウなワシントン・ジュニアはいない。ソウルフルでエモーショナルなワシントン・ジュニアがいる。実に硬派でハードなエレクトリック・ソウル・ジャズが展開されている。このライブ盤でのワシントン・ジュニアのサックスは芯の入った重心の低い、男気溢れるテナーを吹き上げる。なんと、バリサクやテナーまでも吹いている。力感溢れるワシントン・ジュニアのサックスは熱い。

このライブ盤のプロデューサーはクリード・テイラー。ワシントン・ジュニアの本質である「硬派でハードなエレクトリック・ソウル・ジャズ」な個性をこのライブ盤で見事に浮き上がらせている。『Winelight』の印象しか無いフュージョン者の方々には、この『Live At the Bijou』のテナー奏者が「グローヴァー・ワシントン・ジュニア」であることを見抜けないだろう。しかし、この盤は明らかに、ワシントン・ジュニアの好盤の一枚である。

 
 

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2017年10月24日 (火曜日)

スピリチュアル・ジャズの先駆け

最近のジャズを聴いていると、昔の「スピリチュアル・ジャズ」が復権しているような気がする。「スピリチュアル・ジャズ」とは、ジャズの演奏ジャンルの1つで、精神的な高揚や深い安らぎを狙いに、アフリカ回帰や黒人独自の精神性などをさらに追求した演奏スタイル。

ちょっと宗教がかっている雰囲気がするが、教会のゴスペルなんかも、この「スピリチュアル」の範疇に入るので気にしない。1960年代から1970年代の「スピリチュアル・ジャズ」は、フリー・ジャズのバリエーションで、自由に個々の趣くままに演奏し、その高揚感やエモーショナルな雰囲気をメインに展開したものが大多数でした。

しかし、最近の「スピリチュアル・ジャズ」は、従来のエモーショナルな展開に穏やかで安らかな展開の要素を加味した、バリエーション豊かなものに進化しているように感じます。しかしながら、1960年代のジャズをよくよく聴き直してみると、エモーショナルな展開に穏やかで安らかな展開の要素を加味した最近の「スピリチュアル・ジャズ」の先駆けの様なアルバムがあります。

例えば、Donald Byrd『A New Perspective』(写真左)などは、当時は「スピリチュアル・ジャズ」とは呼ばれなかった様に思いますが、今の耳で聴くと、明確に「スピリチュアル・ジャズ」を感じます。
 

A_new_perspective1

 
改めて『A New Perspective』は、1963年1月の録音。ちなみにパーソネルは、Donald Byrd (tp), Hank Mobley (ts), Herbie Hancock (p), Kenny Burrell (g), Donald Best (vib, vo), Butch Warren (b), Lex Humphries (ds), Duke Pearson (arr)。フリー・ジャズ畑のジャズメンはいませんね。バリバリ中堅のブルーノート御用達のジャズメンばかりで固めています。

しかし、アルバムを聴いてみると、多用されるコーラス、印象的に挿入されるボーカル、印象的なヴァイブの響き。全編聴き通すと、柔らかなゴスペルっぽい響きが充満していて、これって、現代の「スピリチュアル・ジャズ」の雰囲気そのままでないかい?

決して、フリー・ジャズには走らない。それでいて、自由度の高いモーダルな演奏スタイルでアドリブを展開する。熱い展開ではあるが音的にはクール。そこに柔らかにアレンジされたコーラスとクールでエモーショナルなボーカル、そして冷たい熱気をはらんだヴァイブの音が絡んできて、演奏の雰囲気はグッとスピリチュアルなものになる。

昔、1990年代前半に『A New Perspective』を聴いた時には「スピリチュアル」な要素は感じ無かったなあ。ゴスペルの要素を取り入れた、ユニークなモード・ジャズという雰囲気だったのですが、今の耳で聴くと、現在の「スピリチュアル・ジャズ」の雰囲気満載です。うむむ、なるほど。この盤って、最近の「スピリチュアル・ジャズ」の先駆けだったんですね。脱帽です。

 
 

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2017年10月23日 (月曜日)

80年代純ジャズのナベサダさん

渡辺貞夫(愛称:ナベサダさん)のリーダー作を聴き直している。今、1980年代真っ只中。フュージョン・ジャズに転身し、『カリフォルニア・シャワー』や『モーニング・アイランド』などのヒット作を連発。テレビのコマーシャルなどにも顔を出して、ジャズの枠を超えて、日本ポップスの人気者となったナベサダさん。

その勢いそのままに米国フュージョン界にチャレンジし、最高の成果を残したのが、この1980年代。ナベサダさんのジャズが本国に認められた時代でした。この時代のナベサダさんのアルバムはどれもが素晴らしい出来のものばかり。加えて、録音方式がアナログからデジタルに移行した時期で、皆、結構、このデジタル録音に苦戦したのですが、ナベサダさんのアルバムには、この時代独特のデジタル臭さがほとんどありません。これがまた「良い」。

1980年代は「フュージョン・ジャズのナベサダ」という印象が強かったのですが、時折、自らの音の原点を確かめる様に、メインストリームなジャズに立ち返っています。そんな瞬間を捉えたアルバムが、渡辺貞夫『Parker's Mood(Live at BRAVAS CLUB '85』(写真左)と『Tokyo Dating』(写真右)の2枚。

『Parker's Mood』はタイトル通り「ブラバス・クラブ '85」でのスタンダード・ジャズ・セッションによる興奮のワンナイト・ライブの録音。演奏の基本は「ビ・バップ」。ビ・バップな雰囲気の純ジャズ・パフォーマンスを、当時のジャズ界の先端の演奏スタイルを交えて表現している。ライブ盤だけに、演奏全体の雰囲気は「アグレッシブ」。
 

Parkers_mood_tokyo_dating

 
『Tokyo Dating』は、前出の『Parker's Mood』と同パーソネルによる、メインストリームなジャズのスタジオ録音盤。こちらも、演奏の基本は「ビ・バップ」。昔からあるナベさんの曲をうまくアレンジして、当時のジャズ界の先端の演奏スタイルをメインにした展開となっていて、結構、聴き応えのある内容になっている。

ちなみに、どちらもアルバムも、パーソネルは、Sadao Watanabe (as), James Williams (p), Charnett Moffett (b), Jeff Watts (ds)。当時、メインストリーム・ジャズ志向の若手ジャズメンから、将来有望株とおぼしき者をチョイスしている。演奏を聴くと、さすが若さ故、弾き過ぎ、叩き過ぎな面もあるが、スカッとするくらいに弾きまくっている。細かいことは抜きにして、躍動感溢れ、抑揚を上手くコントロールする様は、なかなかに優秀な若手リズム・セクションである。

この爽快な若手リズム・セクションをバックに、ナベサダさんは、個性溢れる音色でアルト・サックスを吹きまくる。若手リズム・セクションをグイグイ引っ張るように、吹きまくる様は迫力満点。ナベサダさんのアルトに鼓舞されて、さらに頑張る若手リズム・セクションの健闘が光る。清々しいセッションである。

このメインストリームなジャズの2枚のアルバム、1985年の録音なんだが、デジタル臭さが無くて、とてもジャズっぽい音が僕は好きだ。1980年代のジャズ盤の録音としては、あまり多く無い、安心して聴ける盤であり、1980年代の「ビ・バップ」な演奏の雰囲気はなかなかにお洒落で小粋。この2枚のアルバム、1980年代の純ジャズのナベサダさんを捉えた盤として貴重なものです。

 
 

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2017年10月22日 (日曜日)

米国フォーク・ソングの好盤

1970年代前半、高校1年生の時にロックの洗礼を受けてから、暫くは「プログレ小僧」だったのだが、1970年代半ばには、プログレは失速、なんだかつまらんなあ、と思っていたら、オールマンズに出会い、レイラに出会い、サザン・ロック、スワンプ・ロックから、最終的にはザ・バンドなど、米国ルーツ・ロックに着地した。

もともと、米国ルーツ・ミュージックは好きだった。フォーク、ブルース、ゴスペル、R&Bと、小学6年生くらいから、ラジオを通じて楽しみ始めていた。中学時代は、米英のポップスが好きになり、米国ルーツ・ミュージックも楽しみながら聴いていた。特に、1970年代初頭は、シンガーソングライター(SSW)中心のフォーク・ロックが流行。ラジオなのでシングル中心にはなるが、結構、カセットテレコで録音しては聴いていた。

John Denver『Back Home Again』(写真左)。ジョン・デンバーは米国のSSW。「デンバー」は芸名。彼がこよなく愛したコロラド州の州都デンバーにちなんでつけたもの、とのこと。1970年代の米国フォーク・ソング界の代表的存在であった。そんな彼が1974年に残した好盤である。
 

Back_home_again

 
曲の題名を眺めて見ると、「バック・ホーム・アゲイン」「おばあちゃんの羽ぶとん」「緑の風のアニー」といった家族への愛の歌、「緑の木陰」「日食」のような自然賛歌、「マシュー」「スイート・サレンダー」のように人生に関する歌、夢のある「オン・ザ・ロード」等、フォーク・ソングらしい、健康的で誠実な楽曲で埋め尽くされている。これがまあ、聴いていて心地良いのだ。

当時、高校時代、我が映研はプログレとハードロックが中心。とてもじゃないが、米国フォーク・ソングを聴ける環境では無かった。当然「僕、米国フォーク・ソングも好きで、ジョン・デンバー、時々聴きます」なんて、カミングアウトすることは絶対出来なかった。でも、家で密かに、プログレやハードロックの合間の「耳休め」にこのアルバムを聴いたものだ。

特に「緑の風のアニー(Annie's Song)」は絶品。爽やかで誠実な、実にシンプルでフォーク・ソングらしいラブソングである。聴いていて爽快な気分にさせてくれる。晴れた日の朝はもちろんのこと、今日の様に雨の一日でも、静かな部屋の中で雨音を感じながら聴くと、気分はリラックスし、清々しい気分になる。たまには、こういう健康的で誠実なアルバムも良いものである。

 
 

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2017年10月21日 (土曜日)

アートなグラム盤『The Slider』

1970年代前半、グラムロック(gram rock)のブームがあった。魅惑的であることを意味する英語の「glamorous」の「glam」を取ってのネーミング。「中性的なファッションや振る舞いを施し、単純で原始的なビートやキャッチーなサウンドをみせていたのがグラムロック」(Wikipadiaより引用)。

僕の中学時代である。親父の仕事の関係で岡山にいた。深夜ラジオに填まりだした頃で、小さなトランジスタラジオで、大阪の放送、ヤンリクやヤンタン、そして、東京のオールナイトニッポンを聴いていた。パーソナリティーのトークも楽しみなんだが、流れてくるシングル・レコード、特に英米ポップス&ロックに魅了された。

そんな中、意外とグラムが好きだった。特に、マーク・ボラン率いる「T. Rex」が大好きで、「T. Rex」のシングルがかかるとワクワクした。「T. Rex」とは、英国のグラムロック・バンド。1947年生まれのマーク・ボランがリーダー。グラムロックの大ブームの中心にいたバンドである。僕は、1970年代初頭、岡山の片田舎でグラム・ロックにどっぷり填まった。

そんな「T. Rex」、アルバムを聴くようになったのは高校時代。僕は親父の仕事の関係で大阪にいた。そして、かの「映研」にて、どっぷりとロックに填まっていた。中学時代から「T. Rex」が好きだった、とカミングアウトしたら、翌日、かのMu先輩がこのアルバムを貸してくれた。T. Rex『The Slider』(写真)。1972年の作品。
 

Trex_slider

 
「T. Rex」名義のオリジナル盤は9枚あるが、僕はこの『The Slider』が一番好きだ。リフ一発勝負の楽曲ばかりであるが、これが全く以て「癖になる」。リフ一発勝負なんで「躁状態」の曲ばかりがと思いきや、T.Rexの場合、楽曲によって「陰影」がある。躁状態の楽曲と鬱状態の楽曲があって、これが程良くブレンドされて、バンド・サウンドが立体的に表現されているアルバムがこの『The Slider』だと僕は感じている。

「Metal Guru」とか「Telegram Sam」なんていうキャッチーな楽曲は明らかに「躁状態」。天下無敵のリフ一発勝負で、爆発的なエネルギーを秘めた極上のグラム。かと思いきや、「Mystic Lady」や「The Slider」のちょっと影のある曲は「鬱状態」。この収録された楽曲の「陰影」がこのアルバムの特徴で、グラムは単純、という評価を一掃する。

単純に「T. Rex」のヒット曲を、つまり「躁状態」の楽曲だけを聴きたければ『Great Hits』を選盤すれば良いのだが、これだけでは「T. Rex」の真の姿を見極めることは出来ないだろう。常々、グラムはアートだと思っているが、アーティスティックな「T. Rex」を感じるには『The Slider』は最適な盤だろう。単純な「リフ一発勝負野郎」ではないことが判る。

ジャケット写真については、当時、リンゴ・スターの撮影と思われていたが、実はトニー・ヴィスコンティの撮影だったなんて、伝説の一部が現実に引き戻される話もあったが、それでも、このジャケットに残されたマーク・ボランのアップはアーティスティック。派手なグラムの裏に潜む「寂寞感」を表しているようで、今でも見る度にしみじみとする。

 
 

東日本大震災から6年7ヶ月。決して忘れない。常に関与し続ける。がんばろう東北、がんばろう関東。自分の出来ることから、ずっと復興に協力し続ける。 

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2017年10月20日 (金曜日)

素晴らしき『Summer Nights』

ジャズ盤紹介本やジャズ雑誌などに滅多に紹介されないのだが、ジャズ喫茶に行くと何気なく流れていて、これがまあ、全く聴いたことの無い、素晴らしい内容の盤だったりして、思わず、カウンターに直行して「これ何?」と訊いたり、アルバムのジャケットを見渡して、アルバムのタイトルとリーダーのジャズメンの名前をメモったりするのだ。

そんな、ジャズ喫茶御用達の「隠れ好盤」の一枚がこれ。Joe Pass『Summer Nights』(写真左)。1989年12月、カルフォルニアはハリウッドでの録音。ちなみにパーソネルは、Joe Pass, John Pisano (g), Jim Hughart (b), Colin Bailey (ds)。ジョー・パス御大とジョン・ピサーノの2本のギターに、ピアノレスのリズム・セクション。ちょっとクールな編成。

1989年なので、純ジャズ復古の大号令がかかって、純ジャズが復権し始めた頃。そんな時期に、こってこてメインストリームなジャズが展開されている。とにかく、冒頭の「Summer Night」から、ラストの「Them There Eyes」まで、パッキパキ硬派なギター・ジャズ。音の雰囲気はしっかりと1980年代後半の音なんだが、この盤は奇跡的にデジタル臭さが無い。これが良い。
 

Summer_night

 
流麗な指捌きが素敵なジョー・パス御大なんだが、実はとってもアグレッシブ。ソロにバッキングに変幻自在、硬軟自在な職人的ギター。リラックスなピッキングではあるが、出てくる音にはガッツリと芯が入っている。フルアコ・オンマイクの良さが全面に出ている。これだけ力感溢れるジョー・パスのギターは他ではなかなか聴けない。

この盤、実は録音が抜群に良い。ライブ音源なのだが、ギターもベースもドラムも録音された音が実に生々しい。バックでベースとドラムが軽快に、しかしながらブンブンビンビン鳴って、躍動感満載である。流麗で聴き心地の良い、メロディアスな演奏なんだが、しっかりとガッツの入ったアドリブ・フレーズはとっても清々しい。

良いライブ盤です。ピアノレスのギター2本の変則カルテットな編成ですが、これがバッチリと填まって、メリハリのある演奏がとても印象的。特に、主役のジョー・パス御大の状態がとても良かったのだろう、とても軽やかに流麗に、印象的なアドリブ・フレーズをガンガン連発する。オーディオ的にも音が良く、お勧めのライブ盤です。現在、ちょっと入手し難いのが難点ですが、中古盤中心に探し当てて欲しいと思います。

 
 

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2017年10月19日 (木曜日)

クライスバーグを聴かねば

1980年代後半、マンネリがたたって、飽きられ廃れたフュージョン・ジャズ。ソフト&メロウなフュージョン・ジャズは、その音世界の洗練度合いを向上させて「スムース・ジャズ」というサブ・ジャンルを形成するに至り、これが一定の人気を維持している。

しかし、21世紀になった今でも、1970年代後半から1980年代前半が全盛期の「フュージョン・ジャズ」の雰囲気をしっかりとキープした好盤が一定量リリースされ続けている。「時代の徒花」なんて揶揄する評論家の方々もいらっしゃるが、やはり、フュージョン・ジャズの音作りと演奏全体の雰囲気に魅力があるということだろう。

Jonathan Kreisberg『The South of Everywhere』。2007年のリリース。「ジョナサン・クライスバーグ」。長い名前だ。1972年生まれだから、今年で45歳。中堅である。元プログレバンドのテクニシャン・ギタリストが、ギターをホーンのように使用した奏法を多用した演奏が印象的。聴いていて、フュージョンやなあ、と心から思えるアルバムである。
 

The_south_of_everywhere

 
「ジョナサン・クライスバーグ」は我が国での知名度は低い。不思議である。これだけ手を抜かない、ハイテクニックで流麗なエレギ。アダム・ロジャース、カート・ローゼンウィンケルと並ぶコンテンポラリー系ギタリストを代表する一人。しかし、この盤などを聴いて貰えれば、この気持ち、判って貰えると思います。

クライスバーグ自身のオリジナル6曲にスタンダード2曲の構成。時に流麗に、時には攻撃的に展開するクライスバーグのギターは聴き所満載です。もともとロック畑のギタリストである。今のフュージョン・ギタリストのフレーズの中に、おやっと思うくらいに明確なロックなフレーズがとっても素敵である。エレギの取り回し、アドリブ・フレーズはしっかりとフュージョン・ジャズの雰囲気をキープしている。

現代のコンテンポラリーなジャズの中で、注目すべきギタリストの一人だと思います。クライスバーグの持つ、ギタリストとしてのテクニックと感性は素晴らしい。クライスバーグをもっと聴き込まねば、とこの盤『The South of Everywhere』を聴いて自省した次第です。

 
 

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2017年10月18日 (水曜日)

懐かしき良き「オールマンズ」

土日を「70年代ロック」や「70年代Jポップ」の記事をアップしよう、と思い立ったのだが、どうにも無理がある。「70年代ロック」や「70年代Jポップ」のアルバムを聴きたい欲求が、ウィーク・デーに来たりする。そうすると、やはり聴いた感覚がはっきりとしているうちにブログにアップしたいなあ、と思ったりする。ということで、曜日に囚われず、書きたいテーマでブログをアップするということで・・・。

さて、秋になると、The Allman Brothers Band(略して「オールマンズ」)が聴きたくなる。「オールマンズとの出会い」が秋だったので、秋になると「オールマンズ」を聴きたくなるのだろう。昔々、高校時代、1975年の秋のこと。かの映画研究部の部室で「レイラはええ、凄い」と熱く語っていたら、同級生のロック少女から「じゃあ、これ聴いてみ」と渡されたアルバムが、当時のオールマンズの新作『Win, Lose or Draw』。これが「良かった」。思わず、サザン・ロックに走った。

が、他のオールマンズのアルバムを購入する「軍資金」が無い。ということで、毎日、この『Win, Lose or Draw』を聴いていたら、先代部長Nさんが、見るに見かねて、かの伝説のライブ盤『At Fillmore East』を貸してくれた。本当に有り難い先輩であった。そして、『Win, Lose or Draw』と『At Fillmore East』を取っ替え引っ替え聴いていたら、先輩Muさんが「これもええで」とこのアルバムを貸してくれた。本当に有り難い先輩であった。

そのアルバムとは『Eat a Peach』(写真左)。1972年の作品。本作のレコーディングが終了する前の1971年10月29日、デュアン・オールマンがオートバイの事故で死去。この盤は、デュアン・オールマンの追悼盤である。スタジオ録音の新曲6曲と、1971年のライブ音源を収録した変則的な内容だが、この「変則的な内容」こそがこの盤を特別なものにしている。
 

Eat_a_peach

 
スタジオ録音の全6曲のうち、デュアン存命時にスタジオ録音されたのは「Stand Back」「Blue Sky」「Little Martha」の3曲。典型的なサザン・ロックなナンバーで、いかにも「オールマンズ謹製」という感じの佳曲である。デュアンのスライド・ギターが印象的。もはや完成された感のある、デュアン独特のフレーズ。

そして、デュアン亡き後、残されたメンバー5人によってレコーディングされたのが、「Ain't Wastin' Time No More」「Les Brers in A Minor」「Melissa」の3曲。悲しみを振り払うかのような、一体感溢れる演奏には、思わず目頭が熱くなる。特に冒頭の「Ain't Wastin' Time No More」=「時はもう無駄に出来ない」に残されたメンバーの決意を感じる。

そして、この盤を特別にしているのが、デュアン存命時にフィルモア・イーストで行われたライブの音源の存在。「マウンテン・ジャム 」「One Way Out」「Trouble No More」の3曲。オールマンズをサザン・ロックのみならず、ロックの世界の中で特別な存在にしているのが、この「ライブ・パフォーマンス」の素晴らしさ。

特に、ドノヴァンの楽曲「霧のマウンテン」を下敷きにしたジャム・セッション「マウンテン・ジャム」は絶品。このライブ音源は、ロックのジャンルでの「インスト曲の凄さ、圧倒的迫力」を誇る。これだけのインスト・パフォーマンスをロックは表現出来る。ジャズに比肩するアドリブ展開の創造力。今でも聴いていてゾクゾクする。

後で本人達二人から聞かされたのだが、僕があまりに「サザン・ロックは良い、良い」と言い続けるものだから、先輩二人ともサザン・ロックが聴きたくなって、N先輩の『At Fillmore East』も、Mu先輩の『Eat a Peach』も、わざわざ新たに購入したものだった。1975年の冬、先輩二人と映研の部室で「オールマンズ」を良く聴いたなあ。懐かしき良き想い出である。本当に有り難い先輩であった。

 
 

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2017年10月17日 (火曜日)

一聴瞭然なフュージョンの音

1970年代後半から1980年代前半がフュージョン・ジャズのブームだったんだが、この頃のアルバムを聴くと、フュージョン・ジャズにはフュージョン・ジャズなりの「音の雰囲気」がある。口で言葉で表現するのはちょっと難しいのだが、アルバムの音を聴いていただければ「一目瞭然」ならぬ「一聴瞭然」である。

John Tropea『Short Trip to Space』。1977年の作品。ジャズ者駆け出しの頃、学生時代、ヘビロテだったトロペイの好盤。ソロ第2弾。当時、邦題は訳の判らん『宇宙楽園』。ギター・フュージョンのお手本みたいな盤である。アレンジは、クロスオーバー・ジャズの寵児デオダート。ホーン&ストリングスを贅沢に使った、明らかにフュージョン・アレンジの先鞭をつけたような、ソフト&メロウな雰囲気。

トロペイは、フル・アコースティック・ギターを抱えたフュージョン・ギタリストの一人。他に、スタッフのエリック・ゲイル、ウェスト・コーストの名手デヴィッド・T・ウォーカーがいる。これが独特の音で、ウォームなソフト&メロウな音にウットリする。この音が「フュージョン・ジャズ」の音世界の特徴である。
 

Short_trip_to_space

 
加えて、ダンサフルな「ディスコ・ミュージック」を意識したメリハリのある音作りも「フュージョン・ジャズ」の音世界の特徴。あからさまにやると、ちょっと耳につくが、上品にやると、実にリズミカルでダンサフルな、小粋で程良いビートの効いた音になる。しかも、R&Bからの影響というよりは、ソウル・ミュージックからのフレーズの引用というところが工夫である。自然と「ソフト&メロウ」となる。

しかも、この盤は音が分厚い。親友デヴィッド・スピノザとのツイン・ギター、スティーヴ・ガッド、リック・マロッタのツイン・ドラム、ドン・グロルニックのキーボード、ウィル・リーのベース。加えて、ブレッカー・ブラザースを含む豪華なホーン・セクション。名うての名手達が一堂に会して、様々なバリエーションのフュージョン・ジャズを繰り広げている。 

この盤の優秀なところは、大向こうを張った派手なアレンジとか、目の覚めるような超絶技巧なテクニックを前面に押し出すのではなく、余裕のある、聴き応えのある、悠然とした演奏をメインに据えているところ。「せせこましく」無く、大味な音でも無い。メリハリの効いた明らかに優秀な「ソフト&メロウ」なフュージョン・ジャズの音。フュージョン者におかれては、一聴をお勧めしたい。

 
 

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2017年10月16日 (月曜日)

チャック・ローブを偲んで ・・・

我がバーチャル音楽喫茶『松和』は、フュージョン・ジャズも分け隔て無く聴く。特に、僕がジャズを聴き始めた頃は1970年代後半で、ジャズ界は「猫も杓子もフュージョン・ジャズ」の大ブームであった。アコースティック楽器メインの純ジャズなんて「古い」と言われて、片隅に追いやられていた。

それだけ、当時のフュージョン・ジャズは多くのファンを持っていた。1980年代に入って、さすがにマンネリ化して、飽きられ廃れたが、マンネリ化して飽きられただけである。フュージョン・ジャズの黄金期、1970年代後半から1980年代初頭にかけての、フュージョン・ジャズには好盤が多い。フュージョン・ジャズ自体のコンセプトに問題があった訳では無い。

それでも1980年代後半、ソフト&メロウなフュージョン・ジャズは、その音世界の洗練度合いを向上させて「スムース・ジャズ」というサブ・ジャンルを形成するに至り、これが一定の人気を維持している。しかし、21世紀になった今でも、フュージョン・ジャズの雰囲気をしっかりと維持した好盤がリリースされたりして、フュージョン者の耳を楽しませてくれる。
 

Unspoken

 
Chuck Loeb『Unspoken』。2016年のリリース。このアルバムは、聴けば判るのだが、しっかりと、1970年代後半のフュージョン・ジャズの雰囲気をキープしている。今でも、フュージョン・ジャズは生きている。このギター・フュージョン盤がそれを証明している。スムース・ジャズとは一線を引く、フュージョン・ジャズの雰囲気。

フュージョン独特の軽快・爽快なリズムに乗って、チャックの華麗なエレギのフレーズが煌めく様に乱舞する。チャックのギターは、目立つように、大ぶりな高速フレーズを弾きまくるのでは無い、音を選んで、シンプルなフレーズをメインに、短く印象的なアドリブ・フレーズを積み上げていく。そんな「粋」なフュージョン・ギターである。そして、アレンジが秀逸。

ボーカルをフィーチャーした、ソフト&メロウな曲もあり、アルバムとしてのバランスも良い。実は、今年7月31日、チャック・ローブは他界しました。享年61歳。ジャズメンとしては、まだまだ、これから成熟、老練の域に入る年頃だったのに実に残念です。このチャックのギターの個性が堪能出来る盤『Unspoken』が遺作になりました。合掌。

 
 

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2017年10月15日 (日曜日)

ながら聴きのジャズも良い・28

昨日は土曜日にもかかわらず、午前中は買い出し〜通院。午後は、先週から引き摺っていた、ネットの音楽再生環境の重大な不具合の対応に忙殺されて、ブログを更新する暇がありませんでした。天気は悪いし、ネットの音楽再生環境を再構築することになって、てんやわんやの一日でした。やれやれ。

しかし、今朝、やっとリカバリー完了。再び、安定した音楽再生環境が整うこととなり、ほっと一息。しかし、今日は朝から雨。それもまとまった雨で外出するのも憚られる。今日は終日、新しい再生環境の整備に勤しむこととなりました。そうなれば、BGMが欲しくなる。それも、作業の邪魔にならない、ながら聴きに最適な音。

流麗で耽美的なソロ・ピアノ盤を選択する。Fred Hersch『Open Book』。今年の9月、つい先月のリリース。今年で62歳。ブラッド・メルドーなど数々の後進からもリスペクトを受ける、最近やっと人気が出てきた耽美派、フレッド・ハーシュのソロピアノ盤。ジャケットだけを見れば、ECM盤か、と思うんですが違います(笑)。
 

Open_book

 
とても耽美的なソロ・ピアノである。しかし、クラシック系の流れる様な流麗さとはちょっと違う。そこはかとなく、しっかりとビートが効いていて、ジャジーな旋律が豊かな、明らかにジャズだ、と確信出来る「流麗なソロ・ピアノ」。テクニックは優秀。陰影抑揚もしっかり効いていて、聴き流していても飽きることが無い。

ソロ・ピアノとは言え、心の趣くままに弾きまくる訳では無い。良く考えられ、良くアレンジされている。例えば、2曲目の「Whisper Not」を聴けばそれが良く判る。これだけ攻めのアレンジを施された「Whisper Not」を僕は他に知らない。耽美的ではあるが、アドリブのフレーズは「攻めのフレーズ」。流麗さに甘えることは無い。硬派な滑らかさ。

耽美的なソロ・ピアノではあるが、陰影抑揚がしっかり効いている。どの曲も良く考えられたアレンジが施されていて、ながら聴きをしながらも、しっかりと音の印象が耳に残って、決して飽きることは無い。耽美的なフレーズの中に、しっかりと底にビートが流れているので、音に流されることも無い。意外とながら聴きしながらの仕事がはかどる、理想的な「ながら聴き」盤である(笑)。いや〜、ちょっと驚きの好盤である。

 
 

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2017年10月13日 (金曜日)

オールスター・セッションの理想

ブルーノート・レーベルはジャズの老舗レーベル。クロスオーバー・ジャズからフュージョン・ジャズが席巻した1970年代から1980年代前半は全くその姿は見えなかったが、ハードバップ黎明期から全盛期の1950年代から、ジャズの多様化の時代1960年代にかけて、はたまた、純ジャズ復古の1980年代以降、現代に至るまで、ブルーノート・レーベルはジャズ・シーンを常にリードしてきた。

さすが、それぞれの時代のジャズを牽引してきたレーベル、その時代毎に、魅力的なメンバー選択で、オールスター・セッションを立ち上げ、それぞれの時代の先端を行くジャズのトレンド、ジャズの演奏スタイルを具現化してきた。ブルーノートのオールスター・セッションは、他の人気取り優先のオールスター・セッションとは異なる、実に真摯で誠実なパフォーマンスを提供してきた。アルフレッド・ライオンを始めとした、その時代毎のプロデューサーの慧眼と敏腕の成せる技である。

Blue Note All-Stars『Our Point of View』(写真左)。つい先日2017年9月のリリース。ちなみにパーソネルは、Ambrose Akinmusire (tp), Marcus Strickland (ts), Lionel Loueke (g, vo), Robert Glasper (p, rhodes), Derrick Hodge (ac-b, el-b), Kendrick Scott (ds), Guests : Wayne Shorter (ss), Herbie Hancock (p) Disc Two 1。いや〜魅力的なメンバーがずらり。どんな音が出てくるんだ、と期待が高まるパーソネル。
 

Our_point_of_view

 
この盤もブルーノート・レーベルお得意の、現代の若手選りすぐりのオールスター・セッションである。メンバーを見渡せば、ブルーノートと契約のある若手から中堅の優れものジャズメンが集結。現代の現時点での先端を行くジャズのトレンドな音を創造し、我々に具体的に聴かせてくれている。ネオ・ハードバップ+モード・ジャズ、加えて、フリー一歩手前の耳に優しいスピリチュアル・ジャズ。そして、ボイスを活かした静的なラップ的な雰囲気も今の耳に新しく響く。

選曲がふるっている。ウェイン・ショーターの代表作『スピーク・ノー・イーヴル』に収録されている「ウィッチ・ハント」そして、「マスカレロ」が選ばれているところがグッと目を惹く。特に「マスカレロ」では、スペシャル・ゲストとしてウェイン・ショーター本人とハービー・ハンコックが参加しているが、このオールスターズのメンバーは、このレジェンド2人にひけを取るどころか、音の新しさという面で、レジェンド2人を置き去りにしている。

新進気鋭の若手から中堅ジャズメン達の創造する、現代の、今の最先端を行くジャズのトレンド、ジャズの演奏スタイル。その時代毎に、ブルーノート・レーベルのオールスター・セッションは、その時代毎の先端を行くジャズのトレンド、ジャズの演奏スタイルを具現化してきた。この盤『Our Point of View』もそうである。CD2枚組だが一気に聴き通してしまうくらい、充実した内容のある演奏が詰まっている。好盤。

 
 

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2017年10月12日 (木曜日)

不思議ちゃんな企画盤である

Electric Bird(エレクトリック・バード)。純日本のジャズ・レーベルである。1980年代、フュージョン系メインストリーム・ジャズなる志向を追求したレーベル。日本のジャズ・レーベルなので、企画に問題があることが多い。このElectric Birdにも「これはなあ〜」と溜息が出るような「不思議ちゃんな企画盤」がある。

Dizzy Gillespie『Closer To The Source』(写真左)。1985年の作品。当時「あのディジー・ガレスピーがフュージョン・ジャズをやった」と話題になったアルバムである。バックに、Sonny Fortune (as), Branford Marsalis (ts), Kenny Kirkland (key), Hiram Bullock (g), Marcus Miller (el-b), Buddy Williams (ds) らの名前がある。加えて、Stevie Wonder (syn,harmonica) が参加。う〜ん、さすがバブル時代の企画盤である。

しかし、である。ディジーのトランペットであるが、バックがフュージョン系メインストリーム・ジャズであるが故、ちょっと聴くと「チャック・マンジョーネ」を想起してしまう。ちょっとディジーに失礼やね(笑)。よくよく聴くと、音にしっかりと芯が入っていて、音が限りなくブリリアント、トランペットが凄くよく鳴っている感じが「これは只者ではないぞ」と襟元を正したりするのだ。
 

Closer_to_the_source

 
さすがはディジー、バックの音がフュージョン系メインストリーム・ジャズであろうがなかろうが、我関せず、ディジーならではのトランペットを朗々と鳴らしまくる。そういう意味では、この盤、ディジーのトラペットのお陰で「平凡なフュージョン・ジャズ盤」とならずに、グッと内容が締まったフュージョン系メインストリーム・ジャズの好盤に仕上がっている。ディジーのトランペットさまさまである。

よくよく聴くと、バックの音は、フュージョン系メインストリーム・ジャズとは言うが、どちらかと言えば「フュージョン・ジャズ」寄り。ファンキーな雰囲気も色濃く見え隠れして、よくまあ、ディジーが収録をOKしたもんだ、と感心することしきり。この盤、もっと純ジャズ寄りにアレンジしたら、もっと素晴らしいフュージョン系メインストリーム・ジャズの好盤に仕上がっていたのでは、と思います。

しかし、当時として、ジャズ・トランペットのレジェンド、ビ・バップ創始者の一人、ディジー・ガレスピーににフュージョン・ジャズをやらせるなんて、凄く乱暴な発想であり企画ではある。ディジーのレベルのトランペットになれば、何もバックの音をフュージョン仕立てにする必要も無いでしょうにね。「これはなあ〜」と溜息が出るような「不思議ちゃんな企画盤」である。

 
 

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2017年10月11日 (水曜日)

ルー・ソロフのトランペット

Electric Bird(エレクトリック・バード)。純日本のジャズ・レーベルである。1980年代、フュージョン系メインストリーム・ジャズなる志向を追求したレーベル。エレクトリック中心のフュージョンのブームの後、メインストリーム・ジャズの要素をしっかり押さえたフュージョン系のジャズは、当時、結構、人気があった。そのElectric Birdレーベルのアルバムを一気聴きの最中である。

今日の選盤は、Lew Soloff『Yesterdays』(写真左)。1986年の作品。ちなみにパーソネルは、Lew Soloff (tp), Charnett Moffett (b), Elvin Jones (ds), Mike Stern (g)。ルー・ソロフのトランペット1管のバックのリズム・セクションは「ギター+ベース+ドラム」のピアノレス。

この1管+ピアノレスなカルテット編成については、フロントのソロフのトランペットが心ゆくまで堪能出来る。エルヴィンのドラミングはダイナミックなポリリズム。ピアノがいると、ピアノのリズムキープとバッティングすることが多い。するとリズムが増幅されて、フロントの管の音が目立たなくなってしまう。今回の「ピアノレス」はそれを未然に防止する。
 

Lew_soloff_yesterdays  

 
この盤は、ルー・ソロフのトランペットの個性がとても良く判る、ソロフのトランペットの個性を愛でる盤である。ハイノート・ヒッター、かつ流麗でメロディアス。加えて、ダイナミックでテクニカル。聴き応えのある、素晴らしい内容のトランペットである。惚れ惚れする。

さすが、1968〜73年の間、ブラス・ロックを代表するスーパー・バンド「ブラッド・スウェット&ティアーズ」の一員として、はたまた、ギル・エヴァンスのオーケストラに、ギルが亡くなる1988年まで参加し活躍しただけはある、実力あるトランペッターの優れたパフォーマンスがこの盤に記録されている。

このルー・ソロフ、あまりに上手過ぎる、という理由で日本では人気がイマイチだった。日本のジャズ者として実に残念であり、ばかばかしくもある。この盤のソロフのプレイを聴いて欲しい。当時、人気がイマイチだったことが信じられない。それほど、溌剌としてブリリアントなソロフのプレイがこの盤には記録されている。お勧めの好盤です。

 
 

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2017年10月10日 (火曜日)

ながら聴きのジャズも良い・27

さあ、今日から、我がバーチャル音楽喫茶『松和』復活です。音楽の再生環境に重大な問題が起きて、そのリカバリー対応に忙殺され、ブログが全く更新出来ませんでした。のべ3日間、再現テスト、リカバリー処理と電話で付きっきり対応。始めはこちらのハードかソフトの問題とされましたが、状況証拠を総合して、やっと先方のサーバー側の問題が濃厚となり、米国にエスカレーションされました。あとは朗報待ちです。

さて、ジャズのアルバムの聴き込みはCD中心にならざるを得ず、日頃なかなか聴き込めなかったアルバムを選択。ちょうど、1980年代前半、フュージョン系メインストリーム・ジャズなる志向を追求した「Electric Bird」レーベルのアルバムを大量に買い込んでいたので、これを順番に一気聴き中。

Jim Hall And David Matthews Orchestra『Concierto De Aranjuez』(写真)。1981年の作品。邦題は『新アランフエス協奏曲』。リーダーのギタリスト、ジム・ホールがCTIレーベルから、1975年にリリースした『CONCIERTO』(邦題・アランフェス協奏曲)の再現盤。再現盤のアレンジ担当は、当時、日本のフュージョン・レーベル御用達の「デヴィッド・マシューズ」。
 

Concierto_de_aranjuez

 
演奏の雰囲気は、フュージョン・ジャズっぽいだが、演奏の基本は「メインストリーム・ジャズ」。ソフト&メロウなフュージョンに走らず、ちょっと純ジャズっぽい雰囲気を宿した、フュージョン系メインストリーム・ジャズな音作り。フュージョン・ジャズの成果を上手く取り入れつつ、ライトな純ジャズっぽい雰囲気も漂わせて、なかなかお洒落な内容がグッド。アレンジが優秀で、ながら聴きに最適な「聴き心地」の良さ。

曲目を見ると「Red Dragon Fly(赤とんぼ)」や「El Condor Pasa(コンドルは飛んでいく)」が入っていて、アルバムのリリース当時は、この辺の曲が気恥ずかしくて、この盤を実は敬遠していた時期がある。今の耳で聴くと、アレンジがそこそこ優秀なので、ながら聴きにはあまり気にならない。といって、繰り返し聴くと、やっぱりちょっと「気恥ずかしい」感じがするのだが(笑)。

タイトルの「アランフェス協奏曲」の再現もなかなかの出来。ジム・ホールのプログレッシブな純ジャズ・ギターが実に良い雰囲気を醸し出している。真剣に聴き込むタイプのアルバムでは無いが、朝の早い時期とか夕暮れ時に、ジャズ喫茶でながら聴き風に流しておくのに良い感じのアルバムである。ながら聴きに最適ということで、これはこれでありかな、と思います。

 
 

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2017年10月 4日 (水曜日)

こんなアルバムあったんや・90

涼しくなった。というか今日は夕方から少し寒い。一気に季節が動いたようで、もう晩秋の様な雰囲気である。この極端に涼しくなるのも、あと2日くらいだそうなので、まあええか、という感じである。まあ、ここまで涼しくなると、トランペット盤も抵抗なく聴けるようになる。暑いと、特に蒸し暑いと、どうにもトランペット盤は敬遠してしまいがちである。

ということで選んだ盤が、Kenny Dorham『Short Story』(写真左)。1963年12月19日、コペンハーゲンのMontmatre Jazzhusでのライブ録音。ちなみにパーソネルは、Kenny Dorham (tp), Tete Montoliu (p), Niels-Henning Ørsted Pedersen (b), Alex Riel (ds),  Allan Botschinsky (flh)。スティープルチェイス・レーベルからのリリースである。

まず、パーソネルを見れば触手が伸びる。「北欧のジャズの殿堂」、コペンハーゲンの老舗ジャズハウス「カフェ・モンマルトル」を支えた守護神の一人、ドラマーのアレックス・リエル、北欧ベースの巨人ペデルセン、そして、スペインの哀愁のピアニストであるテテ・モントリュー。そこに、ハードバップな哀愁トランペッターのケニー・ドーハムがリーダーとして、フロントに座るのだ。
 

Short_story

 
そして、CDプレイヤーのスタートボタンを押すと、絶好調に吹きまくるドーハムにちょっとビックリする。もともと、ドーハムは好不調の波があるトランペッター。哀愁のトランペッターなどと喩えられることがあるが、単に不調で覇気が無かっただけ、という盤も時にはある。しかし、乗った時のドーハムは「ブリリアント」。トランペットの真鍮をブルブル震わせるが如く、ポジティブに吹き上げる。

そんな好調時のドーハムがこのライブ盤に「いる」。この盤、全編で50分程度なので、もしかしたら、1963年12月19日のカフェ・モンマルトルでのドーハムのパフォーマンスは全てが絶好調ではなかったかもしれない。それでも、この全編50分のアルバムに編集し収録されたドーハムのパフォーマンスは見事だ。当時、ドーハムは39歳。中堅のジャズメンで、一番、溌剌としていた頃だったのかもしれない。

ジャケットがあまりにシンプル過ぎて、かなり損をしているライブ盤だと思いますが、手に入れて損の無い、ジャズ・トランペットを十分に楽しめる「隠れ好盤」だと思います。何も『Quiet Kenny(静かなるケニー)』だけがドーハムの代表盤ではありません。哀愁のトランペッターと形容するよりは、バップでブリリアントなトランペッターと形容する方が、ドーハムの本質を突いているかもしれません。

 
 

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2017年10月 3日 (火曜日)

デビティは「ソフト&メロウ」

フュージョン・ジャズの前身が「クロスオーバー・ジャズ」。クロスオーバー・ジャズの前身が「イージーリスニング・ジャズ」。1960年代後半辺りから、着実に進歩し、着実に発展、そして、1970年代後半から1980年代前半にかけて一世を風靡した「フュージョン・ジャズ」。フュージョン・ジャズの個性は、バカテクで流麗で「ソフト&メロウ」。

David T. Walker『Press On』(写真左)。 1973年の作品。ジャケットも渋い。David T. Walker(デヴィッド・T・ウォーカー=略して「デビティ」)は、モータウン黄金期を支えた世界一ソウルフルなギタリスト。ジャズ、ファンク、R&Bの数々の名盤を支えてきたギタリストである。デビティのエレギは「メローギター」、そして、ソウルフルな「フィルインフレーズ」。

1973年の作品なんですが、この『Press On』でのデビティのエレギは「フュージョン・ジャズ」。バカテクで流麗で「ソフト&メロウ」。伸びの良いトーンと流麗なアドリブ・フレーズの弾き回し。ちょっとくすんだ切れ味の良い弦の響き。これが1973年、ジャズのトレンドは「クロスオーバー・ジャズ」の時代に、フュージョン・ジャズな音を完全に先取りしている。
 

Press_on

 
グルービー満載のタイトル曲の「Press On」、4曲目、The Delfonicsの名曲「Didn't I Blow Your Mind ThisTime」のカヴァーでは、バカテクで流麗で「ソフト&メロウ」なデビティのエレギが炸裂。ビートルズのカヴァー、5曲目の「With a Little Help from My Friends」では、途中、ホーン・セクションが絡んで、どんどん熱くファンキーな展開になっていくところが格好良い。原曲よりファンキーな、6曲目の「Superstition」。

収録されたいずれの楽曲も雰囲気は統一されていて「フュージョン・ジャズ」。決して「クロスオーバー・ジャズ」では無い。ちなみにパーソネルを見渡して見ると、リーダーのDavid T. Walker (g), Harvey Mason (ds), Charles Larkey (b), Joe Sample (key), Bobbye Hall (cong) など。明らかに、フュージョン・ジャズを代表するミュージシャンがズラリ。しかし、この盤は1973年にリリースされている、というところが凄いのだ。

フュージョン・ジャズを3〜4年も先取りした、デビティの『Press On』。Ode3部作の2作目にあたり、この盤『Press On』を聴くと、残りの『David T. Walker』(1971年作品)、『On Love』(1976年作品)も一気に聴きたくなります。バカテクで流麗で「ソフト&メロウ」なエレギの音。伸びの良いトーンと流麗なアドリブ・フレーズの弾き回し。デビティのエレギは「ソフト&メロウ」です。

 
 

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2017年10月 2日 (月曜日)

1990年代のフュージョン盤

1970年代後半から1980年代前半に、一世を風靡した「フュージョン・ジャズ」。1980年代後半、メンストリーム・ジャズ復古の煽りを受けて衰退するが、1990年代は「スムース・ジャズ」を中心にしっかりと生き残る。1990年代は、フュージョン・ジャズは、米国では「スムース・ジャズ」と呼ばれて、意外と人気のジャンルとなっていた。

そんな1990年代のスムース・ジャズの好盤の一枚が、Norman Brown『Just Between Us』(写真左)。1992年の作品。Norman Brown(ノーマン・ブラウン)とは誰か。1970年、米国はカンサス・シティ生まれ。ということは今年で47歳。ジャズ界ではバリバリの中堅である。

ノーマン・ブラウンは、ソウルの名門モータウンが、1992年にジャズ・レーベルとして立ち上げた「MoJazzレーベル」の第一号アーティスト。2002年度のグラミー賞で「ベスト・ポップ・インストゥルメンタル・アルバム賞」を獲得している。米国では名の通ったフュージョン・ギタリストだが、残念ながら、我が国ではあまり知られていないようだ。
 

Just_beetween_us

 
聴けば判るが、ウエスやベンソン、捻りをいれて「ジミヘン」の影響が色濃い。つまりは70年代ロック小僧好みのフュージョン・ギタリスト。彼のエレギは、基本は、明らかに「ジョージ・ベンソン」のフォロワーの音で、ピッキングの正確さは群を抜いている。速いフレーズも緩やかなフレーズもパッキパキで覇気溢れる弾き回し。聴いていてスカッとする。

この盤の音の雰囲気は「フュージョン・ジャズ」。フレーズは流麗だけど、ブラウンのギターはちょっとゴツゴツしていて捻れていて、スムース・ジャズという雰囲気では無い。1970年代後半のパッキパキ尖ったフュージョン・エレギの雰囲気。フレーズとリズムは流麗で、スムース・ジャズや、と言われれば「そうかいな」とも思うが、ブラウンのエレギの音を聴く限り、この盤の雰囲気は「フュージョン・ジャズ」。

アース(ウインド&ファイアー)のホーンセクションがまるごと参加、アースのナンバーをカヴァーした4曲目「Love's Holiday」、リード・ヴォーカルにステーヴィー・ワンダーが参加した6曲目「Too High」など、コッテコテ「ソウル系」のカヴァー曲がむっちゃ格好良い。スムース・ジャズと言うよりも、フュージョン、あるいはソウル、ファンクのエッセンスが芳しい、魅力的な「1990年代のフュージョン盤」です。

 
 

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2017年10月 1日 (日曜日)

プロコル・ハルムに触れた日

高校1年の夏、当時のロックの最先端に出会って以来、暫くは「プログレ小僧」だった。EL&P、Yes、Pink Floyd、King Crimsonを、軍資金が全く僅かだったので、徐々に徐々に聴き漁っていた。そういう時に、クラブ(僕の場合は映画研究部)の先輩の「所有LP貸し」の支援は実に有り難かった。LPを借りて、カセットにダビングして聴く。これが当時、所有アルバムを増やす唯一の手段だった。

そういう映研の先輩の支援の中でも、先代部長N先輩の支援がとても嬉しかった。昨日も書いたが、N先輩とは音に対する感覚が良く似ていて、N先輩の面白い、とするアルバムはどれもが気に入った。他の先輩、同期の部員連中が「これはちょっとなあ」というアルバムについても、N先輩と二人で良く聴かせて貰った。1つ下の弟の様に可愛がってもらったなあ。

そんなN先輩、当時、僕と一緒で「プログレ小僧」。ELP、イエス、フロイド、キンクリなどの有名どころを聴き進めて行くと、皆がなかなか聴くことの無い、我々しか知らないプログレ・バンドの音が聴きたくなる。つまり、僕達が見つけた、僕達のお気に入りバンドが欲しくなるのだ。まあ、可愛い「マニア気取り」である(笑)。そして、1975年3月だったかなあ。N先輩はこのアルバムを映研に持ち込んだ。
 

Exotic_birds_and_fruits

 
Procol Harum『Exotic Birds And Fruits』(写真左)。邦題『異国の鳥と果物』。1974年の作品。プロコル・ハルムは、英国のロックバンド。クラシックやブルース、R&Bの要素を取り入れた英国プログレッシブ・ロックな音作りが個性。特に、この『異国の鳥と果物』は、アルバム全体の流れも良く、収録されたそれぞれの楽曲も内容が充実していて、当時の「プログレ」の音作りの個性をしっかりと踏襲している。

ハモンド+ピアノの音がベース、骨太かつ多彩なドラミング、トーンコントロールの効いたエレギが絡みつく様に響き渡る、独特の音空間がこのアルバムの個性。クラシック的なアプローチとはいえ、サウンドは決して華奢では無い、流麗かつ力強いサウンド。音の雰囲気は、夕暮れ時の夕日のくすんだ輝き、というか、ウェットな柔らかなエコーがかかった様な音は、明らかに「ブリティッシュ」ロックな音で、これがまた魅力なのだ。

N先輩、僕にこの『異国の鳥と果物』を聴かせて「どや?」。勿論、どストライクである。プロコル・ハルムというプログレ・バンド、そして、この『異国の鳥と果物』と前作の『グランド・ホテル』は、N先輩と見出して評価した、僕達の高校のロック仲間の間での「最初の成果」だった。今でもこのアルバムの美しいジャケットを見る度に、当時のN先輩の得意満面な笑顔を思い出す。

  
  

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