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2017年6月の記事

2017年6月30日 (金曜日)

ジャズ喫茶で流したい・108

小学校の高学年の頃から、今で言う「R&B」な音楽が好きであった。今から50年ほど前になるのだが、オフビートの黒人中心の音楽に何故か心を惹かれた。1960年代後半から1970年代前半には「ソウル・ミュージック」と日本では呼ばれた。いわゆる「魂」の歌というイメージから「ソウル」。今から思えば、かなりこじつけなジャンル言葉である。

『King Curtis Live at Fillmore West』(写真左)。1971年3月5〜7日、当時のロックの殿堂「フィルモア・ウエスト」でのライブ録音。アレサ・フランクリンのフィルモア・ウエストでのライブでのバックをつとめたキング・カーティスのアレサが登場する前の演奏のライブ。所謂「前座」の演奏なんですが、これが「前座」ですか〜(笑)。

演奏の雰囲気は、バックの演奏は「ソウル・ジャズ」。カーティスの歌唱は明らかに「R&B」。時は1971年、ジャズのトレンドは「クロスオーバ−」。このキング・カーティスのライブ盤、内容は、ソウル・ジャズ+R&Bのクロスオーバー・ミュージックである。後のフュージョン・ミュージックの個性「ソフト&メロウ」なんて欠片も無い。あるのは汗飛び散るブラック・ファンクなソウル・ミュージック。
 

King_curtis_live_at_fillmore_west

 
むっちゃ雰囲気の良いR&Bコッテコテのカーティスのパフォーマンス。圧倒的な迫力溢れるボーカル、押し引きをわきまえたノリ、グループ感溢れんばかりのリズム&ビート。もうノリノリ、爆発するファンクネス。逆にスローな曲も良い。特に「青い影」のカバーは絶品。黒くアーバンなリズム・セクション。情感溢れるカーティスのパフォーマンス。絶品である。

当時としては斬新なエフェクトをかけたエレクトリック・サウンドを駆使してのブロウ、ファンクネス濃厚なリズム・セクション。後のR&Bの演奏展開のお手本となった個性的な演奏がこのライブ盤にギッシリと詰まっています。うねるホーン・セクションも隅に置けない。R&B/ソウルの代表的名盤ですね。

ソウル・ジャズ+R&Bのクロスオーバー・ミュージックのノリが心地良い。収録曲も全てが魅力的で楽しい。R&Bの雰囲気濃厚なので、硬派なジャズ者の方々からは「これはジャズではない」レッテルを貼られそうな盤ですが、そういう器量の狭いことを言っていけない。ジャンルを超越した「聴いて楽しいノリの良い音楽」がここにあります。とにかく一聴あるのみ、です。 

 
 

東日本大震災から6年3ヶ月。決して忘れない。まだ6年3ヶ月。常に関与し続ける。がんばろう東北、がんばろう関東。自分の出来ることから、ずっと復興に協力し続ける。 

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2017年6月29日 (木曜日)

こんなアルバムあったんや・83

我が国では「企画盤」の評価はイマイチ。「企画盤」というと「作られた感じ」が強くするのだろうか、即興を旨とするジャズの世界ではこの「作られた感」がどうにも駄目らしい。「企画盤」になると、人工的だとか商業主義だとか、あまり良い評価は得られない。ジャズについては「偶発的に発生する優れた即興」を最高のものとする習わしがあって、我が国では「企画盤」はうけない。

例えば、こういう企画盤も基本的に評価がイマイチ。というか、ピックアップすらしてくれない。アルバム紹介本についても、日本ではこのブラスバンドの名前が挙がることはないし、ましてやアルバムの名前が挙がることも無い。その「ブラスバンド」の名前とは「Supersax(スーパーサックス)」。

Supersax『Salt Peanuts』(写真左)。Med FloryとBuddy Clarkの2人が中心となり、ビ・バップの創始者の一人、アルトサックスの巨匠Charlie Parkerに捧げたブラスバンド「Supersax(スーパーサックス)」の1974年リリースのセカンド盤。スーパーサックスとは、Charlie Parkerの名演奏を、サックス・アンサンブルで再現しようとしたユニークな企画系のバンドである。
 

Salt_peanuts1

 
発想が素晴らしい。2アルト、2テナー、1バリトンの5人のサックス・セクションが、原曲のメロディだけでなく、パーカーのアドリブソロのラインまで、一糸乱れぬアンサンブルで再現するのだ。疾走感溢れ、心地良く複雑に捻れたチャーリー・パーカーのアドリブラインを忠実にサックス・アンサンブルで実現する。その迫力とパンチ力たるや、凄まじいものがある。

冒頭は、Charlie Parlerのビ・バップの名曲「Yard Bird Suite」を、重厚なサックス・アンサンブルで完璧にカバー。2曲目は、Dizzy Gillespie作の「Groovin' High」、そしてラストの「Salt Peanuts」等、ビ・バップの名曲を圧倒的な迫力で吹き上げていく。聴けば判るが、スーパーサックスのメンバーは全てテクニックが高い。実質的なリーダーはMed Floryですが、他のメンバーも全員リーダー盤を持っている実力者揃いです。

ジャケットを見れば、明らかに時代を感じるデザインではあるが、中身はなかなか硬派で、サックスの音色を愛でるに効果的な企画盤です。このサックス・アンサンブルの企画盤が我が国では、知る人ぞ知る、マニアな盤の位置付けに甘んじているのか理解に苦しみますが、どうして、聴けばスカッとする爽快感溢れる好盤です。

 
 

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2017年6月28日 (水曜日)

トニーを忘れてはならない

このところ、ジャズ・ドラムの個性について振り返っている。ロイ・ヘインズ、アート・ブレイキー、そして、エルヴィン・ジョーンズ。そうそう、そう言えば、この人のドラミングも個性的だ。シンバル・ハイハットを多用、凄まじいスピードで刻まれるビート。怒濤の様なバスドラ、高速の4ビート。圧倒的なハイテクニック。

トニー・ウィリアムスである。マイルス率いる1960年代黄金のクインテットのドラマー。疾走するハイハット。高速4ビート。60年代後半はフリー・ジャズ、70年代はロックに傾倒し、そのドラミングは「神」の域に達する。迫力満点、手数の多い、疾走感と切れ味が拮抗する、限りなく自由度の高いリズム&ビート。

トニー・ウィリアムスは、アート・ブレイキーやマイルス・ディヴィスと同様、有望な若手ジャズメンを自らのバンドに引き入れ、育成することに力を入れた。1980年代後半から、新生Blue Noteレーベルから立て続けにメインストリーム指向のアルバムをリリース、この中で、有望な若手を育て上げている。

Tony Williams『Native Heart』(写真左)。1989年9月の録音。ちなみにパーソネルは、Tony Williams (ds), Ira Coleman, Bob Hurst (b), Mulgrew Miller (p). Wallace Roney (tp). Bill Pierce (ts, ss)。今から振り返ってパーソネルを見渡すと、いや〜錚々たるメンバーですなあ。
 

Native_heart

 
内容的には、1960年代マイルス・クインテットの音世界を、テクニック的にグッとステップアップして、限りなく自由度の高い、モーダルな純ジャズを展開している。凄まじい内容である。ジャズという音楽ジャンルの表現バリエーションがこんなに「複雑で深く広い」ということに思わずビックリする。しかも「判り易い」。

リーダーのトニーのドラミングが凄い。派手なパフォーマンスを経て、このアルバムでは、普通にバックに控えてフロントを盛り立てる役割に徹しているが、この余裕ある状況でのトニーのドラミングは殊の外、素晴らしい。余裕ある中で限りなく自由度の高いリズム&ビートを叩き出し、高速の4ビートで疾走する。

そんなトニーにリズム・セクションの一員として追従する、ピアノのマルグリュー・ミラーが良い。煌びやかなアドリブ・フレーズを醸し出しながら、左手のブロックコードでビートの底をガーンと押さえる。このミラーのピアノが白眉。僕はこの人のピアノが大好きで、これが聴きたいから、この頃のトニー・ウィリアムスのバンドのアルバムを聴き漁ったものだ。

そんなトニーは、1997年、胆嚢の手術の後の心臓発作により死去(51歳)、そして、マルグリュー・ミラーも、2013年、脳卒中を起こして入院していた病院で死去(57歳)。どちらも、あまりに若すぎる死であった。しかし、この『Native Heart』には、二人の素晴らしいプレイが残されている。好盤である。

 
 

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2017年6月27日 (火曜日)

目眩く圧倒的なポリリズムです

ジャズ・ドラムの個性を愛でるのは意外と楽しい。最初はドラムの音って、皆、同じに聴こえるのだが、ジャズを聴き込むに従って、ジャズ・ドラムの音が個性に満ちているのが判る様になる。ジャズ・ドラムの個性が判る様になると楽しい。少なくとも1曲聴けば、個性が強いドラムの音だと誰のドラミングなのかが判るようになる。

この人のドラミングも個性的だ。1曲聴き込めば直ぐに判るほど強い個性である。粘りのあるシャープなドラミング。そして、何本腕があるんだ、この人のタイム感覚はどうなってるんだ、と思うほどの圧倒的なポリリズム。フロント楽器をポリリズムで煽るところなんぞは圧巻である。その人とは、Elvin Jones(エルヴィン・ジョーンズ)。

そんなエルヴィン・ジョーンズのドラミングを堪能出来るアルバムがこれ。Elvin Jones『The Ultimate』(写真左)。1968年9月の録音。ちなみにパーソネルは、Elvin Jones (ds). Joe Farrell (ts, ss, flute), Jimmy Garrison (b)。パーソネルを見て「おおっ」と思う。ドラマーがリーダーのピアノレス・トリオである。
 

The_ultimate1

 
フロント楽器がピアノによるコードの束縛を嫌って、ピアノレス・トリオ編成にするというのは良くあるのだが、ドラマーがリーダーのピアノレス・トリオは他に記憶が無い。が、聴いてみると、風通しが良いというか、音通しが良いというか、それぞれの楽器演奏の輪郭がクッキリ浮かび上がる。

特にドラムの音がこんなにハッキリ聴きとれるとは思わなかった。そういえば、ピアノは打楽器の役割(リズムのキープ)も担う。つまり、ピアノがいるということはリズム・キープの役割をする楽器が2つ被るということなのか。まあ、普通のドラマーであればそれで良いかと思う。しかし、エルヴィンの様に、圧倒的なポリリズムを供給するドラマーとしては、逆にピアノの存在は邪魔なんだろう。

凄まじいばかりのドラミング。圧倒的なポリリズムで煽られて、ファレルのテナーがソプラノがフルートが飛翔する。そして、黙々と重低音を響かせながらビートを供給するギャリソンのベースも聴きものだ。圧倒的なポリリズムでリズムを一手に引き受け、エルヴィン・ジョーンズは叩きまくる。このアルバム、圧倒的です。

 
 

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2017年6月26日 (月曜日)

音のクオリティは「ヤバい」

Jaco Pastorius『Truth, Liberty & Soul (Live in NYC: The Complete 1982 NPR Jazz Alive! Recording)』(写真左)。長いタイトルだ。1982年6月27日のニューヨーク、クール・ジャズ・フェスティヴァルでの演奏14曲を全て収録。

もともとはNPRの放送音源で「Jazz Alive」という番組のために収録されたものとのこと。ブートで出回ったこともあるらしいが、エアチェック音源で音質が劣悪。しかし、今回の音源は違う。実はオリジナル音源は24チャンネル録音で思いっきりクオリティが高い。今回、このオリジナル音源を基にアルバム化されたのだ。とにかく音が抜群に良い。

演奏は「ワード・オブ・マウス」ビッグバンドの演奏。基本的には既出の「ワード・オブ・マウス」ビッグバンドの演奏と変わらない。高いクオリティ、高いテクニック、圧倒的なダイナミズム。他のアルバムと変わらない。というか、この「ワード・オブ・マウス」ビッグバンドは、コンスタントに優れたパフォーマンスを維持していた、ということがよく判る。

が、昔からの「ワード・オブ・マウス」ビッグバンドを聴き込んで来たファンからすると、この新作ライブ盤は嬉しいには嬉しいが、目新しさに乏しいのは否めない。音は良いのだが、魅力的な収録曲や優れたパフォーマンスは、既出のアルバムと変わらないからなあ。
 

Truth_liberty_soul

 
従来より「ワード・オブ・マウス」ビッグバンドの突出した個性と優れたパフォーマンスを体感するに最適なライブ盤は、Jaco Pastorius『Invitation』(写真右)が定番である。

1982年9月、「ワード・オブ・マウス」ビッグバンドの来日コンサートを収録したライブ盤で、元々は日本国内限定発売で『Twins I』と『Twins II』として2枚のライブ盤として発売されたが、世界発売向けに米国のワーナー・ブラザース・レコードが1枚のアルバムにまとめてコンピレーション化したアルバムである。

これがほんと、よくまとまっている。LP1枚分なので、演奏時間も長からず短からず。ちょうど良い塩梅で、「ワード・オブ・マウス」ビッグバンドの突出した個性と優れたパフォーマンスをしっかりと体感することができる優れもの。「ワード・オブ・マウス」ビッグバンドを初体験するには、この『Invitation』をお勧めした。

といって、この新作『Truth, Liberty & Soul (Live in NYC: The Complete 1982 NPR Jazz Alive! Recording)』の内容が劣っているといっているのでは無い。この盤の音のクオリティは「ヤバい」。ジャコのエレベの音も生々しく、ダイナミズム溢れるもので、ジャコがエレベのイノベーターである所以を再認識できる。これはこれでやはり「買い」なのである。

 
 

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2017年6月25日 (日曜日)

ドラムの個性は演奏の個性

ドラム。打楽器である。素人目には「誰が叩いても同じ音がする」ように感じる楽器だが、実はそうでは無い。叩き方も様々、叩き方が変わると音も変わる。叩き方もそれぞれドラマーによって「癖」があって、それが個性になる。単に「叩く」だけの楽器なのだが、意外と奥が深い。

ジャズにおいても、聴き込むにつけ、ドラムの個性を感じるのが楽しい。ジャズ者初心者の頃はフロント楽器、サックスとかトランペットとかに耳が行ってドラムの妙技に耳を傾ける事はほとんど無い。ピアノ・トリオを聴くにしたって、メインのピアノを聴くことが多く、ドラムとベースは付けたしになることが多い。

しかし、ジャズにおいて、ドラムの個性はとてもバラエティーに富んでいて、大いに楽しめる。初心者の頃は、どうしてもフロント楽器の音に耳を奪われてしまうので、なかなかドラムの音に耳を傾ける事が少ないのだが、ジャズを聴き込むにつれ、ドラムの音の個性に気がつき、その個性を聴き分けることが出来るようになる。

例えば、この盤。Art Blakey『Paris Jam Session』(写真左)。1959年12月18日の録音。ちなみにパーソネルは、Art Blakey (ds), Lee Morgan (tp), Wayne Shorter (ts), Jymie Merritt (b) は全曲に渡って、Walter Davis Jr. (p) は3-4曲目のみに参加、Barney Wilen (as), Bud Powell (p) は1-2曲目のみに参加。
 

Paris_jam_session  

 
ジャズ・ドラムのレジェンドの一人、アート・ブレイキー率いる「ザ・ジャズ・メッセンジャーズ」がパリに訪れた時に、フランス出身のアルト・サックス奏者、バルネ・ウィランとパリに移住していた、モダン・ジャズ・ピアノの祖、バド・パウエルをゲストに迎えたセッションを記録したもの。

これ、バルネ・ウィランとバド・パウエルがゲスト参加した1〜2曲目が聴きもの。フランス出身のアルト・サックス奏者とモダン・ジャズ・ピアノの祖、バド・パウエルが参加している。フロント楽器にフランス出身のアルトの音、ピアノには、ビ・バップ・スタイルのピアノの音が「混入」しているのにも関わらず、その演奏の音は「アート・ブレイキー&ザ・ジャズ・メッセンジャーズ」になっている。

明らかに演奏全体の音の雰囲気を決定付けているのが、アート・ブレイキーのドラミング。個性溢れるアート・ブレイキーのドラミングがバックに流れると、そのジャズの演奏は「アート・ブレイキー&ザ・ジャズ・メッセンジャーズ」の音になる。「ナイアガラ瀑布」と形容されるドラム・ロール、ドラミングの合間に入る「カカカカカ」という合いの手。フロントを鼓舞するスネアの音。これらは明らかに「ザ・ジャズ・メッセンジャーズ」の音なのだ。

ドラムの音に耳を傾け、注意深く聴き込めば、ジャズ・ドラムの音は、意外と演奏全体の雰囲気を決定付ける重要な要素の一つになっていることに気がつく。そう、ジャズ・ドラムは面白い。このジャズ・ドラムの音に耳を傾け、ジャズ・ドラム毎の音の個性の違いに気がつく様になると、ジャズ鑑賞の耳は「ジャイアント・ステップ」することになる。

 
 

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2017年6月24日 (土曜日)

キースの体調不良の前触れ

キース・ジャレットの聴き直しをどんどん進める。1991年9月28日、ジャズの帝王、マイルス・デイヴィスが鬼籍に入った。当時のジャズ界に衝撃が走った。ジャズ界を長年牽引してきた、絶対的リーダーな存在の「ジャズの帝王」が消えていなくなってしまったのである。一瞬、ジャズメンの全ては途方に暮れる状態になった。

で、そこはミュージシャンである。自ら、マイルス・トリビュートのアルバムを企図し始める。マイルス・トリビュートのアルバムを世に出すことで、マイルスの逝去に対する「追悼の意」を明確に表現するのだ。著名なジャズメンはこぞって、マイルス・トリビュートのアルバムをリリースした。

キース・ジャレットとて例外では無かった。マイルス逝去後、2週間でスタジオに入る。その頃、キースのスタンダーズはライブ・レコーディングがほとんど。それがスタジオ録音に入った。演奏時のテンションの維持やアドリブ展開時のイマージネーションの閃きについて問題は出ないのか。即興演奏がメインのスタンダーズにとっては試練のレコーディングだったようだ。

Keith Jarrett『Bye Bye Blackbird』(写真左)。1991年10月12日の録音。ちなみにパーソネルは、もはや言わずもがなの、Keith Jarrett (p), Gary Peacock (b), Jack DeJohnette (ds)。いわゆる「スタンダーズ」の3人である。

しかし、マイルス・トリビュート盤でありながら、リリースは1993年4月、マイルスが鬼籍に入ってから、1年半が経過していた。これでは「追悼盤」としては、リリースのタイミングが余りにズレている。
 

Bye_bye_blackbird

 
リリース当時、聴いてみて「なるほどなあ」と自ら納得してしまった。本作はマイルス追悼作として、マイルス風の展開を含んだ曲、マイルスゆかりの曲を選んで収録しているみたいなんだが、どうにもこうにも、マイルス風のフレーズが出てくる訳でも無く、マイルス追悼の意を確認できる様な内容の演奏がある訳でも無い。

どの演奏も躍動感に乏しく、沈鬱な雰囲気が見え隠れする。最初は、スタンダーズの3人それぞれのマイルスを亡くした悲しみがそうさせるのか、とも思ったが、どうもそうではなかったみたい。ベースのピーコック、ドラムのデジョネットはそれなりにリズム&ビートをスタンダーズ風に即興演奏な展開をしているのだが、キースがそれについていっていない。

肝心のリーダーのキースのピアノが意外と「不調」である。演奏時のテンション、アドリブ展開時のイマージネーションの閃きに明らかに問題が生じている感じなのだ。この盤のリリース当時、この盤を聴きながら、キースの身に何か異変が生じているのではないか、と不安になったことを覚えている。なるほど、マイルス追悼盤として、リリースのタイミングが遅れた訳である。

やはりスタジオ録音という環境に問題があったのではなかろうか。加えて明らかにキースは不調である。後の1996年、キースは激しい疲労感に襲われ、演奏することもままならない状態に陥いる。慢性疲労症候群と診断され、以降の活動停止。自宅療養を余儀なくされた。その前触れの様な、この盤の内容である。マイルス・トリビュート盤としてはちょっと、という感じかな。

 
 

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2017年6月23日 (金曜日)

ジャズ・テナーの裾野は広く深い

梅雨に入ったには入ったらしいが、あまり梅雨らしい日が無い、雨が降っても続かない、我が千葉県北西部地方である。朝は結構涼しいし、夜は夜で、湿ってはいるが涼しい風が吹き抜ける。今年はなかなか良い感じの夏至の季節である。こういう時は、スカッと吹き抜けるテナーの音色が良い。バリバリ吹き上げるテナーが良い。

誰が良いかな〜、とアルバムを物色して選んだアルバムがこれ。Booker Ervin『Booker 'N' Brass』(写真左)。1967年9月の録音。フレディ・ハバード、チャールズ・トリヴァーらが参加したブラス・アンサンブルをバックに、ブッカー・アービンがテナーを吹きまくる。ブッカー・アービン with ブラス・セクション。

ブッカー・アービンのテナーは、フリージャズ基調のブロウという印象が強いが、意外とオーソドックスなブロウが多い。確かに、モーダルなブロウがメインで、限りなく自由度の高いブロウが得意ではあるが、決して、フリー・ジャズの人では無い。意外と伝統の範囲内で、限りなく自由度を高めつつも、従来のジャズの枠の中に留まるブロウで、これはこれで好ましい。
 

Booker_n_brass1

 
バックのブラス・アンサンブルもテクニック豊かでドライブ感も抜群なのだが、それにも増して、アービンのテナーが素晴らしい。フリーなブロウは限りなく封印して、意外と正統派な、重厚なテナーを聴かせてくれる。そう、この盤はブッカー・アービンのテナーを心から愛でる盤である。それほどまでに、アービンのテナーは素晴らしい。

ブルージーである。そしてソウルフル。シュッとしたスッキリしたファンクネス濃厚。速いフレーズが耳に心地良く響く。もしかしたら、アービンのベストプレイのひとつかもしれない。コッテコテの電光石火のアービンのブロウ。ジャズのテナーってこれほどまでに吹きまくることが出来るんやなあ、と変に感心してしまう。

シンプルな旋律が個性のアービン。ジャズ・テナーを愛でるのに最適の一枚である。僕がこの盤に出会ったのは10年ほど前。この盤を聴いた時は「目から鱗」ならぬ「耳から鱗」(笑)。コルトレーンとロリンズに比肩するテナーは無い、と思っていたが、アービンも凄い。ジャズ・テナーの裾野は広く深い。以来、僕はジャズ・テナーの森を彷徨っている。

 
 

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2017年6月22日 (木曜日)

少しマンネリのスタンダーズ

キース・ジャレットのリーダー作の聴き直しを進めている。これがなかなか面白い。特に「スタンダーズ」におけるキースの音作りに関する「戦略」が垣間見えて面白い。

改めて、キース・ジャレットの「スタンダーズ」。スタンダード曲の親しみ易い旋律を借りて、その親しみ易い旋律を基に「即興」を展開する。スタンダード曲の旋律をちょっと借りているだけで、基本はキース独特の「即興」がメイン。

ファンクネス皆無、リリカルで耽美的、硬質で凛として流麗、硬軟自在なダイナミズム、それらをピアノ・トリオのインプロビゼーションという限りなく自由度の高いレベルで表現する。いわゆる「即興」を前面に押し出した展開である。

Keith Jarrett『The Cure』(写真左)。邦題『ボディ・アンド・ソウル』。1990年4月21日、ニューヨークのタウンホールでのライブ録音。ちなみにパーソネルは、もはや言わずもがなの、Keith Jarrett (p), Gary Peacock (b), Jack DeJohnette (ds)。いわゆる「スタンダーズ」の3人である。

このライブ盤、収録された曲を見ると、思わず「うむむ」と唸る。冒頭にセロニアス・モンクの「Bemsha Swing」が収録されている。キースとは真逆とは言わないまでも、キースの個性から一番遠いところにあるであろう、セロニアス・モンクの名曲。あの独特の飛んだり跳ねたりの旋律と独特のタイム感。
 

The_cure_2

 
キースはどうやって料理するのか、と思いきや、「Bemsha Swing」を借りて流麗にテーマを弾いて、それから、セロニアス・モンクの「飛んだり跳ねたり」の旋律の個性や「独特のタイム感」は全く引用すること無く、キースの「スタンダーズ」お得意の即興演奏が展開される。モンクの影はほとんど感じられない。

以降の曲については、ちょっと渋めのスタンダード曲を選んで演奏しているが、演奏の傾向は皆同じ。スタンダード曲の親しみ易い旋律を借りて、その親しみ易い旋律を基に「即興」を展開する。スタンダード曲の旋律をちょっと借りているだけで、基本はキース独特の「即興」がメイン。

「即興」は独特の個性であり、個性であるが故に、パターンが定型化される危険性がある。1983年にスタンダーズを旗揚げして、この『The Cure』で9枚目のアルバムになる。即興演奏という切り口からすると、さすがにちょっとマンネリな雰囲気が見え隠れしても仕方が無い。確かに、このライブ盤では、今までの「即興」におけるワクワク感がちょっと少なく感じる。

このライブ盤を聴くと、いよいよスタンダーズもマンネリの時期に差し掛かってきたのかな、と感じる。大丈夫なのか、と少し心配になる様な内容の『The Cure』。飛ぶ鳥を落とす勢いの「スタンダーズ」だったが、ここにきて、ピークを過ぎた感、手慣れた感が見え隠れする。この盤を初めて聴いた当時、初めて「スタンダーズ」に対して心配になったことを思い出した。

 
 

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2017年6月21日 (水曜日)

『Birds of Passage』が素敵だ

いや〜大荒れの一日でしたねえ、我が千葉県北西部地方。外出も叶わぬ大荒れの日、部屋の中で聴くのはジャズ。さて、今日は、ナベサダさん(渡辺貞夫)のアルバムの聴き直しをもう一枚。僕はこのアルバムを聴いた時、これは「スムース・ジャズ」でも「フュージョン・ジャズ」でもない、これは、硬派なコンテンポラリーな純ジャズだ、と思った。

渡辺貞夫『Birds of Passage』(写真左)。1987年の作品。発売当時のキャッチフレーズが「追い求めた"渡辺貞夫の音楽"を遂に完成! そして数々の旅の想いがこのアルバムに・・・。"旅"がテーマとなった曲を再演奏した1枚」。なるほど、このキャッチフレーズの言うとおりである。いいキャッチフレーズやなあ。

この頃のナベサダさんは、米国でスムース・ジャズの先駆けとして成功を収め、ナベサダさんの音楽と言えば「スムース・ジャズ」だった。が、この盤は違う。前奏をパッと聴いた雰囲気は電気楽器を上手く活用したフュージョン・ジャズかスムース・ジャズか、と思うんだが、ナベサダさんのアルトが出てくると、雰囲気はガラッと変わる。ほんと、ガラッと変わるのだ。
 

Birds_of_passage

 
テクニック優秀、歌心溢れ、力強いアルトの旋律。この力強さと音の「伸び」が素晴らしい。そこにテクニック&疾走感溢れるアドリブ・フレーズが展開される。甘さは一切排除され、ファンクネスは皆無、切れ味良い爽快感と歌心溢れるフレーズは「コンテンポラリーな純ジャズ」である。説得力抜群で聴き応え満点である。

『California Shower』以降「ナベサダはフュージョンに魂を売った」などと揶揄されることもあったが、ナベサダさんの「スムース・ジャズ」や「フュージョン・ジャズ」は超一級品。揶揄されるレベルでは無い。しかも、このアルバムに至っては、まず「スムース・ジャズ」や「フュージョン・ジャズ」の類では無い。「コンテンポラリーな純ジャズ」である。真摯で意欲的な「新しい響きのジャズ」がこの盤に詰まってから素敵だ。

バックを固めるフュージョン・ジャズ時代からの強者共の好演も良い。特にドラムのビニー・カリウタは凄い。"旅"がテーマとなった曲の再演盤という色合いが濃いが、収められている演奏を聴けば単なる再演でないことが痛いほど判る。新しい響き、新しい展開を伴ったコンテンポラリーな純ジャズ」が、新しい雰囲気の新しい「純ジャズ」の形がここにある。

 
 

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2017年6月20日 (火曜日)

素のまま暖かくてゆったりと

ナベサダさん(渡辺貞夫)のアルバムの聴き直し。前回は何時だったか、思い出せないほど時間が空いた。調べてみたら、2016年7月7日のブログ、アルバムは『MAISHA(マイシャ)』。1985年のリリース。ナベサダさんの初プロデュース盤。なんだ、まだ1年前か。

で、今回は、渡辺貞夫『Good Time for Love』(写真左)。1986年のリリース。ナベサダさんの陽気な、上半身の姿が写っているだけの、あまりにシンプルで味気ないジャケット・デザインで意外と損をしている盤である。あまりに地味なジャケット・デザインなので、とにかく目立たない。

しかし、である。冒頭のレゲエ・ナンバー、タイトル曲でもある「Good Time for Love」を聴くと、前作『MAISHA』までとは異なる雰囲気に気がつく。ゆったりしている、というか、自然体というか、素のままというか、暖かくてメリハリの効いた、昔、聴き馴れた「ナベサダ」フュージョンな音である。
 

Good_time_for_love1

 
2曲目「Love Birds Whisper In My Ear」を聴き進めるにつれ、その意を強くする。そして、6曲目の「Pogo」に至っては、うか〜っと聴いていると、あれ、これって「California Shower」かも、なんて思ってしまう位に雰囲気が似たハッピーな曲。これって、フュージョン・ジャズに本腰を入れ出した1970年代後半の「ナベサダ・ワールド」な音世界である。

前作と音の雰囲気がガラッと変わったのは、このアルバムから、ナベサダさんの音楽活動のベースを日本にシフトしたことと大いに関係があると思っている。バックを支えるミュージシャンも日米混合。日本人ミュージシャン達が帰ってきた。ナベサダさんのアルトは、バックが米国だろうが日本だろうが、そのブリリアントな音色は変わらないが、雰囲気がガラッと変わる。

アーバンで小粋な大人のフュージョン、素のまま暖かくてゆったりと親しみのあるフュージョン、どちらのナベサダ・ワールドも捨てがたい。そして、この盤、なによりもナベサダさんのアルトがバリバリに鳴っている。これだけ鳴りの良い暖かみのあるアルトの音を僕は他に知らない。肩肘張らない、普段着の素のままのフュージョン・ジャズ。良い雰囲気、良い音世界です。

 
 

東日本大震災から6年3ヶ月。決して忘れない。まだ6年3ヶ月。常に関与し続ける。がんばろう東北、がんばろう関東。自分の出来ることから、ずっと復興に協力し続ける。 

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2017年6月19日 (月曜日)

熟し切った「スタンダーズ」です

キース・ジャレットの聴き直しを再開した。そう言えば、暫く止まっていた。スタンダーズ・トリオ真っ只中だったような。ちょうど『Standards in Norway』まで聴き直した様な記憶がある。ということで、今日はこれである。

Keith Jarrett『Tribute』(写真左)。1989年10月15日、西ドイツ(当時)ケルンのコンサート・ホール(Kölner Philharmonie)でのライブ録音。ちなみにパーソネルは、もはや言わずもがなの、Keith Jarrett (p), Gary Peacock (b), Jack DeJohnette (ds)。いわゆる「スタンダーズ」の3人である。

オスロでの『Standards in Norway』の8日後のケルンでの『Tribute』である。演奏内容は似通っている。トリオの三人の「融合度・連携度」がかなり高い。いつになく、ゲーリー・ピーコックのベースが前面に出てきて、インプロビゼーション全体をリードする瞬間が多く出てくる。これは珍しいこと。目立ちたがり屋のデジョネットのドラムも、後に回ってバッキングに徹する場面が多い。

もともと、このキースの「スタンダーズ」、北欧ジャズのピアノ・トリオの響きがベースとなっているような、ファンクネス皆無、リリカルで耽美的、硬質で凛として流麗、硬軟自在なダイナミズム、それらをピアノ・トリオのインプロビゼーションという限りなく自由度の高いレベルで表現する。いわゆる「即興」を前面に押し出した展開である。

しかし、自作曲での「即興」となると説得力が弱くなる。独りよがりなどど揶揄される危険性がある。スタンダード曲の親しみ易い旋律を借りて、その親しみ易い旋律を基に「即興」を展開する。説得力が増す。まあ、キースの場合は、スタンダード曲の旋律をちょっと借りているだけなんだけどね。
 

Tribute

 
基本は、キース独特の「即興」がメインである。CD2枚組のボリュームではあるが飽きは来ない。1曲1曲の演奏時間は長いが一気にCD2枚を聴き切ってしまうくらいに、演奏の密度は濃い。

北欧ジャズのピアノ・トリオの響きがベースとなっているような、ファンクネス皆無、リリカルで耽美的、硬質で凛として流麗、硬軟自在なダイナミズム溢れる演奏が主体であるが、CDのそれぞれラストに「ゴスペル」チックな演奏「Sun Prayer」と「カリプソ」チックな演奏「U Dance」が織り込まれている。

この辺がキースの不思議なところで、要所要所に「ゴスペル」チックな演奏、「カリプソ」チックな演奏を織り込む意味が僕はイマイチ判らない。この「スタンダーズ」の2面性が未だに不思議である。白人系のキースが「ゴスペル」「カリプソ」をやる。確かにダイナミズムは感じるが、ファンクネスは希薄である。それでも、キースは要所要所で「ゴスペル」「カリプソ」をやる。

このCD2枚組のライブ盤『Tribute』は、スタンダーズの熟し切ったパフォーマンスをしっかりと記録している。マンネリズム一歩手前。希有なピアノ・トリオの充実の即興演奏がここに記録されている。キースの唸り声は相変わらずだが、これだけ充実したパフォーマンスの中ではあまり気にならない。好盤です。

 
 

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2017年6月18日 (日曜日)

ジャズ喫茶で流したい・107

2日ほど、栃木路に逗留していた。このところ、梅雨入りしたとは言え、全くその気配は無く、とにかく暑い夏の様な気候があるだけ。ただ、カラッとした暑さなので強烈な不快感は無い。と、今日は打って変わって朝から肌寒い。昼には千葉県北西部地方に帰ってきたが、昼過ぎからは雨。

雨の日は部屋の中でノンビリしながらのジャズが良い。Gary Bartz『Shadows』(写真左)。1991年6月の録音。ちなみにパーソネルは、Gary Bartz (as, ss), Willie Williams (ts), Benny Green (p), Christian McBride (b), Victor Lewis (ds)。絶対、良い音するぞ、って感じのワクワクするような面子である。

リーダーのゲイリー・バーツと言えば、スピリチュアル・ファンク・ ジャズというべき世界を探求したサックス奏者。担当楽器はアルトとソプラノのサックス。しかし、ここで演奏されているのは正統な「ネオ・ハードバップ」。そう、バックのリズム・セクション、ピアノのグリーン、ベースのマクブライド、ドラムのルイス。この3人のリズム&ビートが、正統かつ最先端の「ネオ・ハードバップ」なのだ。
 

Gary_bartz_shadows

 
アブストラクトでフリーなフレーズに行きそうで行かない、ググッと正統な「ネオ・ハードバップ」に踏みとどまった様な、雰囲気はスピリチュアルではあるが、基本はバップなアルト&ソプラノ・サックスの音がとても素敵である。とにかく、むっちゃ魅力的に担当楽器を吹き輝かせるバーツはとても格好良い。

相対するテナーのウイリー・ウイリアムスのテナーも負けていない。とにかく良い音をさせて、ネオ・ハードバップなフレーズをクールにグイグイと吹き上げていく。バーツ共々、ほんと良い音させている。この盤はこの二人のサックスのサックスらしい「ネオ・ハードバップ」な音色を愛でる盤である。

バックのグリーン、マクブライド、ルイスのリズム・セクションも超強力。これだけ重力級の「ネオ・ハードバップ」なリズム・セクションの音を聴くことはそうそうに無い。ゴリゴリ、バリバリな超弩級の低音を響かせながら、フロントの二人を鼓舞し支えていく。この盤に詰まっている「ネオ・ハードバップ」の音はとても美しい。心がわくわくする。

 
 

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2017年6月15日 (木曜日)

ながら聴きのジャズも良い・22

トランペットを吹くボーカリスト。ぱっと浮かぶのは、サッチモ、そして、チェット・ベーカー。日本では、う〜ん、いたぞいたぞ。そう「TOKU」である。キャッチフレーズが「日本で唯一のボーカル&フリューゲルホルンプレイヤー」。確かに、トランペットを吹くボーカリスト。日本にはそうそういない。

ジャケットが良い。モダンアートっぽい、原色を活かしたジャケット。こういうの僕は大好き。思わず、これは「ジャケ買い」レベル。きっと音は良いに違いない。で、どんな音になっているのか。

そのアルバムとは、TOKU『Shake』(写真左)。今年のこの6月7日のリリース。聴いて楽しいコンテンポラリー・ジャズの饗宴。ゲストとの共演が基本。このゲスト陣が大変豪華。名前を挙げると、SUGIZO、Yasei Collective、AISHA、ZEEBRA、DABO、シシド・カフカ、ゴスペラーズ、多和田えみ、大黒摩季、NAOTO等々。

収録されている曲もとってもコンテンポラリー。僕達の世代が泣いて喜ぶカバー曲の数々。デヴィッド・ボウイの「Space Oddity」以下、ローリング・ストーンズやプリンス、ドナルド・フェイゲンやレナード・コーエンといったロック・レジェンドの名曲がズラリと並ぶ。これらをアーバンなコンテンポラリー・ジャズな雰囲気に仕立て上げる。
 

Toku_shake

 
どこかで聴いたことある雰囲気やなあ、と思っていたらピンと来た。1970年代後半のエレ・ハンコックである。クインシー・ジョーンズに憧れて追求した、ファンクネス溢れるR&Bとの融合が芳しいエレ・ハンコックのボーカル曲の世界。TOKUのダンディズム溢れる、力感豊かな、しなやかなボーカルに、日本人独特の乾いたファンクネスがそこはかとなく漂う。

現代のフュージョン・ジャズである。R&B、ブラコン、ハウス、ユーロ、もちろんジャズの要素も色濃く反映して、ライトでアーバンな新しい雰囲気のフュージョン・ジャズがこのアルバムに展開されている。パッと聴けばジャズじゃない。じっくり聴き進めれば、確かにフュージョン・ジャズである。まあ難しいことは言いっこなし。聴いて「ええ感じ」やったらOK。

TOKUのフリューゲルホルンも良い。演奏の中で、ここぞというところで、ブワーっと入ってくる。決して刺激的ではない。フリューゲルホルンの柔らかくて丸い音の特性を活かした優しい音。このフリューゲルホルンが独特の雰囲気を醸し出す。明らかにTOKUの個性である。

良い雰囲気の現代のフュージョン・ジャズ。純ジャズな雰囲気とはほど遠いが、フュージョン・ジャズとして聴くと、とても良い内容だ。演奏のレベルも高く、ボーカルもゲスト含めて個性的で聴き応えがあって良い感じ。何度か聴き直しているうちに、ながら聴きに最適なことに気がつきました。

 
 

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2017年6月14日 (水曜日)

安定のチャーラップ・トリオです

ピアノ・トリオが好きだ。ジャズ盤を続けて聴いていると、4枚に1枚の割合でピアノ・トリオが入ってこないと調子が出ない。昔、自分もピアノを弾いていた時代があって、ピアノを弾く、という行為の難しさや面白さを、他の楽器よりも自らの体験をもとに理解できるということで、ピアノ・トリオが良い。

もともと昔から、Bill Charlap(ビル・チャーラップ)のピアノが好きで、20年ほど前からずっと追いかけている。ビル・エバンスからブラッド・メルドーへと通じるピアノの個性の系譜ありながら明確で硬質な「バップなタッチ」。突出した個性では無いので、ちょっと判り難いのだが、耽美的ではあるが雰囲気に流されず、明確で硬質なタッチで、流麗かつ端正に弾き回す。これがチャーラップの個性である。

そんなチャーラップの最新作がこれ。Bill Charlap『Notes from New York』(写真左)。2015年6月の録音。昨年4月のリリース。パーソネルは、Bill Charlap (p), Peter Washington (b), Kenny Washington (ds)。最近の鉄壁のトリオ。ベースとドラムの「Washington」姓はたまたまで、血縁関係がある訳では無いそうだ。
 

Notes_from_new_york1

 
安定のチャーラップである。本当に安定している。冒頭の「I'll Remember April」を聴くだけで、ああチャーラップやなあ、と思う。オーソドックスなスタンダード曲なんだが、ただ流麗に弾き回すのでは無い。印象的な音の「ずらし」や間の取り方で、アドリブ・フレーズが印象的に浮かび上がる。そう、ただ流麗で端正なピアノでは無いところがチャーラップの曲者たる所以である。

ただ流麗で端正なピアノであれば、イージーリスニングと揶揄されても仕方が無いが、チャーラップのピアノはそんなに簡単なピアノでは無い。流麗で端正なフレーズの中に、なんか良い意味で「引っかかる」何かが仕掛けられている。小粋なフレーズ回しとでも形容すれば良いのか、聴き込めば聴き込むほど、面白さが増していく、そんな玄人好みのピアノである。

バックの「Wワシントン」のリズム・セクションも申し分無い。チャーラップのピアノとの合い相性は抜群。そして、なんといっても、このアルバムのジャケット・デザインが秀逸。抽象画の様なイラストをあしらった秀逸なもの。ジャケ買い対象としても良い盤。我がバーチャル音楽喫茶「松和」では、意外とヘビロテ盤になっています。聴けば聴くほど味わい深くなる。そんな好盤です。

 
 

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2017年6月13日 (火曜日)

旬の女性ボーカル兼トランペット

我が千葉県北西部地方、今朝は涼しかった。というか「肌寒かった」。まず半袖では外は歩けない。夏のジャケットは必須。空はドンヨリと梅雨空。今年の梅雨は雨が降らない、梅雨に入った途端、雨が降らないと梅雨の悪口ばっかり言っていたら、今日は朝から雨模様。夕方、会社から最寄りの駅までの間は、ちょっと強めのまとまった雨にどぎまぎ。

しかし、思いっきりドンヨリした曇り空である。心なしか気持ちまでドンヨリしてきた。ので、そんなドンヨリした気持ちを好転させる様な、キュートで爽やかなジャズ盤を探す。こういう時は女性ボーカルに限る。ライトでアーバンで清楚な女性ボーカルが良い。

Andrea Motis 『Emotional Dance』(写真左)。今年2月、ジャズの老舗レーベルのひとつ「impulse!」からのリリースである。Andrea Motis=アンドレア・モティスと読む。彼女はボーカルのみならず、トランペットも担当する。女性ジャズメンには珍しい、ボーカルが出来るトランペッターである。スペイン出身。

ボーカルが上手いトランペッターといえば、サッチモ、そしてチェット・ベーカーが真っ先に浮かぶ。ネット記事を読むと、この有りバムのリーダー、アンドレアはサッチモとチェットがアイドルとのこと。ほっほ〜、故に、トランペットを吹きながら唄うって訳ね。なるほど。
 

Emotional_dance

 
まず、彼女のボーカルが良い。ライトで爽やかなスムース・ジャズ系のボーカル。アーバンな雰囲気が濃いが声質がキュートなので、若々しい都会の昼下がり、ってな感じの聴き易いボーカル。加えて、スペイン出身だからなのか、とってもキュートで可愛らしいところが見え隠れするボーカルである。本格的なジャズ・ボーカルを愛でる方々には「許せん」ボーカルかもしれませんが、僕はこういうキュートで爽やかな可愛い女性ボーカルが大好きです。

加えて、彼女のトランペットの素性が良い。意外と硬派で純ジャズっぽいトランペットのインストゥルメンタルが実に良い雰囲気。テクニックもまずます、破綻は無く、歯切れが良い。歌心を湛えたアドリブ・フレーズ流麗に吹き回せる力量は確かなもの。ボーカルで癒された後、トランペットで活を入れられる。うんうん、良い感じ良い感じ(笑)。

ライトなメインストリーム・ジャズ系のボーカル&トランペット。一粒で二度美味しい、と言う形容がピッタリのアンドレアのパフォーマンスです。アンドレアって、女性チェット・ベイカーなんて言われているようですね。身体も小柄で表情はまだあどけない。しかし、唄えば情感タップリ、トランペットを吹けば意外とパワフル。注目の女性ボーカリスト兼トランペッターです。

 
 

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2017年6月12日 (月曜日)

素晴らしき日本のジャズである

今年の6月は涼しい。というか、今日などは朝夕は「肌寒い」。通勤の往き帰り、外を歩く時は夏の上着がかかせない。この4〜5年は、6月に入ったら蒸し暑い真夏日が出現したりで、梅雨入りでもう暑いなあ、という気候が続いた記憶がある。が、今年は涼しい。そう言えば、僕が学生の頃の梅雨入りの頃って、こういう涼しい日が続いていたような思い出が甦って来た。

これだけ涼しいとジャズも聴き易い。フリー・ジャズや自由度の高いモードなジャズも聴き易い。まず、聴いていて汗ばむことが無い。湿気を含んだ涼しい風を感じながら、昼下がりのノンビリした一時に聴く、ハードな純ジャズは格別なものがある。ということで、選んだアルバムがこれ。

宮沢 昭『Bull Trout(いわな)』(写真左)。1969年6月30日,7月14日の録音。ちなみにパーソネルは、宮沢 昭(ts,per), 佐藤 允彦(p,per), 荒川 康男(b,per), 富樫 雅彦(ds,per), 瀬上 養之助(per)。日本のジャズが充実してきた1960年代の終わり。オール日本のメンバーである。

この盤、内容が素晴らしい。フリー・ジャズから自由度の高いモードなジャズまで、非常に高度で内容の濃い演奏がギッシリと詰まっている。日本のジャズは、こういうフリー・ジャズや自由度の高いモードなジャズが得意なジャンル。そういう意味では欧州ジャズに通じるところがあるが、日本独特の「間」と静謐を活かしたジャズ表現という点では抜きん出ている。
 

Bull_trout

 
冒頭の「いわな」が凄い。基本はフリー・ジャズなんだが、演奏の表現力が素晴らしい。静謐な山谷の雰囲気、川のせせらぎ、抜けるような青空、その下で泳ぐ「いわな」。そして、恐らく、その「いわな」を釣るのであろう、いわな釣りの躍動感溢れる様子が、フリー・ジャズのフォーマットで表現される。そんな感じの演奏なのだ。緩急自在、硬軟自在の素晴らしいフリー・インプロヴィゼーション。

2曲目の「河ます」以降は、自由度の高いモードなジャズが展開される。米国のモード・ジャズにもひけを取らない堂々としたモード・ジャズの展開に思わず身を乗り出す。間の活かし方だけとると、当時の米国のモード・ジャズの最先端の上を行く。さすが日本のジャズである。当時、これだけ高度で硬派な純ジャズが演奏されていたことに素直に感動する。

スリル満点、圧倒的なハイテンション、切れ味抜群の純ジャズ。リーダーの宮沢のテナーをはじめとして、参加メンバーの演奏の素晴らしさは言うまでも無い。こんなパフォーマンスが純日本のメンバーで創作されていたことに、日本人として誇りを感じる。それほどに素晴らしい内容である。

 
 

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2017年6月11日 (日曜日)

ネオ・ハードバップでパーカー曲

ドラマーがリーダーのアルバムはいつ聴いても興味深い。リーダーのドラマーが、バンド演奏の大本をしっかり握って、演奏全体の雰囲気やテンポをガッチリとコントロールし、アルバム全体の演奏の内容を決定付けていく。バックのリズム・セクションの真ん中にドッカリと座って、フロントの楽器をコントロールし煽る。

ドラマーがリーダーのアルバムは、その時代その時期のジャズ演奏のトレンドをしっかり反映したものが多い。成果を上げてきたリーダーとして有名なドラマーは、といえば、まずは、アート・ブレイキー、そして、マックス・ローチ、トニー・ウィリアムス、そして、今回、ご紹介する、ロイ・ヘインズ(写真右)。

ロイ・ヘインズはリーダーとして目立ってグイグイ引っ張るタイプでは無い。演奏全体の方針を明快にした後、前に出ず、後ろにドッカリ控えて、ドラミングで引っ張るタイプだ。そして、ロイ・ヘインズもドラミングには個性が溢れている。演奏を暫く聴いていると、直ぐにロイ・ヘインズと判る、明確に個性のあるドラミングである。

Roy Haynes『Birds of a Feather - A Tribute to Charlie Parker』(写真左)。2001年3月の録音。ちなみにパーソネルは、Roy Haynes (da), Dave Holland (b), Roy Hargrove (tp), Kenny Garrett (sax), Dave Kikoski (p)。そんなロイ・ヘインズの「チャーリー・パーカー・トリビュート」な企画盤である。
 

Birds_of_a_feather

 
このアルバムのタイトルから、ビ・バップな演奏を展開するかと思いきや、パーカーゆかりの楽曲の魅力をしっかり活かしつつ、アレンジは「ネオ・ハードバップ」。2001年当時の最先端を行く演奏内容である。とにかくモダンで新しい響きに満ちている。

まあ確かに、ビ・バップなブロウを基調とするロイ・ハーグローブ、オールラウンドなピアニストであるデヴィット・キコスキー、ベテラン・ベーシストのディブ・ホランド、そして、純ジャズ復古の頃から中心メンバーとして活躍してきたケニー・ギャレット。この面子からすると「ネオ・ハードバップ」が一番得意とするところなのだろう。

しかし、このアルバムの目玉はやはりリーダーのロイ・ヘインズ。この録音時は76歳、それでいて昔のドラミングのスタイルを引き摺ること無く、他のメンバーの最も得意とする「ネオ・ハードバップ」に適応するどころか、アルバム全体でリードすらしているところが凄い。曲はビ・バップ時代の名曲だが、演奏は当時先端の「ネオ・ハードバップ」。

アルバムのジャケット写真が、このアルバムの内容の雰囲気を的確に伝えてくれているように感じます。参加メンバーそれぞれに実力通りの充実した演奏を繰り広げていますし、とりわけ、リーダーのロイ・ヘインズのドラミングが良い。ロイ・ヘインズのリーダー作に外れ無し。この盤も例外ではありません。 

 
 

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2017年6月10日 (土曜日)

夜の静寂にクールなジャズ・3

梅雨に入った途端、ピーカンの我が千葉県北西部地方である。明らかに季節は「夏」である。気温もほぼ真夏日状態で「暑い」。まだ結構、風があるので湿気を感じることが少なく、まだエアコンのお世話にはなっていない。窓全開で爽やかな室内である。毎年毎年そうなんだが、夏になってくると、激しい演奏のジャズは避ける傾向にある。

若い時は、逆に暑い夏に熱い演奏を汗をダラダラ流しつつ煙草を吹かしながら格好付けて聴いていた。が、歳を取るにつれ、これは「ダサい」と思うようになった。暑い夏には「涼しげなクールなジャズ」が良い。というか歳を取るにつれ、暑い夏に熱い演奏を聴く体力が無くなった、といった方が良いかな(笑)。

「涼しげなクールなジャズ」といえば、パッと浮かぶのが「デュオ」。ジャズには「デュオ」の好盤が多々ある。即興を旨とするジャズ、ジャズメン2人が対峙して、丁々発止と即興の妙を繰り広げる。デュオにはジャズの本質を貫き通して、インプロビゼーションの世界を紡ぎ上げるに好都合なシチュエーションがあるのだ。
 

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Lee Konitz『Duets』(写真左)。1968年9月の録音。アルトのリー・コニッツ(写真右)が様々な楽器とデュエットするという野心的な企画盤。前に一度、当ブログでご紹介したことがあるかなあ。好きなんですよ、このアルバム。理知的でクールなバップ・マナーで、知的にホットにデュオ演奏を展開している。コード楽器によるソロ空間の制約を嫌ったコニッツが、更なる音の空間を求めて企画した「デュオ」フォーマット集である。

マーシャル・ブラウン(tb)、ジョー・ヘンダーソン(ts)、ジム・ホール(g)、レイ・ナンス(vn)、エディ・ゴメス(b)たちと、次々と相手を変えながらの魅力的なデュオ演奏がてんこ盛りである。どのデュオ演奏もレベルが高い。実験臭いなどと揶揄されることもあるが、聴いていて、どの演奏もそれぞれのジャズメンの個性を発揮して伸び伸び演奏している印象。スイング感も程良く、良い意味で「頭を使いながら」の演奏はクール。

リーダーのコニッツの企画コンセプト「コード楽器によるソロ空間の制約を嫌い、更なる音の空間を求めながら、即興演奏を展開する」がしっかりしているからこそのこの企画盤の成果なのだろう。熱いエモーショナルな演奏ばかりがジャズでは無い。最後の「Alphanumeric」のみ全員で演奏している趣向も企画盤ならではの面白い「仕掛け」。好盤です。

 
 

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2017年6月 9日 (金曜日)

音楽喫茶『松和』の昼下がり・54

ジャズを聴き続けてはや40年以上になるが、それでもまだまだ「この盤は聴いたことがないなあ」という盤に出会うことも時々ある。特に1980年代から1990年代の純ジャズ復古の時代、ネオ・ハードバップ系の盤はこの10年くらいかなあ、やっとリイシューされてきた状況で、初めて聴く盤も多くある。

そんな「聴いたことがないなあ」盤の一枚が、Charlie Rouse『Soul Mates』(写真左)。1988年8月の録音。ちなみにパーソネルは、Charlie Rouse (ts), Sahib Shihab (bs), Claudio Roditi (tp), Santi Debriano (b), Victor Lewis (ds), Walter Davis Jr. (p) 。

リーダーにいぶし銀テナーのチャーリー・ラウズ(録音当時64歳)。バリトン・サックスの怪人、サヒブ・シハブ(録音当時63歳)がこの盤の隠し味。加えて、ブラジル出身の溌剌トランペットのクラウディオ・ロディッティ(録音当時42歳)。まず、この3人のフロントが素晴らしい。一番の若手でロディッティの42歳だから、ベテランの味、ベテランの演奏が心ゆくまで味わえる。

チャーリー・ラウズのテナーが好調である。悠然とタメを入れながらブイブイ吹き上げる。64歳のブロウとは思えない。この盤の録音の3ヶ月後、鬼籍に入るなんて全く想像できない。振り返れば、この盤でのラウズのブロウって「白鳥の歌」ではないか。ユッタリしたバラード調の情感を込めたブロウも良い。疾走感溢れる速い吹き回しも良い。
 

Soul_mates

 
サヒブ・シハブのバリトン・サックスも好調である。低音をブリブリいわせながら唄う様にスイングする。低音ブリブリがスイングする音って実にファンキー。芯がしっかり入ったバリサクの音。加えて、シハブのアドリブ・フレーズは常に「捻れて」いる。捻れてスイングする「バリサクの怪人」サヒブ・シハブ。実は、このシハブもこの盤の録音から1年2ヶ月後に鬼籍に入った。

そうそう、クラウディオ・ロディッティのトランペットも絶品。ブリリアントという形容がピッタリの、溌剌としてポジティブで、ブラスの明るい輝きが眩しい感じの根明なトランペット。なるほどブラジル出身なのか。ブラジル出身という雰囲気が実に頼もしい。テクニックも確かでフレーズは流麗。聴きどころ満載である。

パナマ出身のベーシストサンティ・デブリアーノ(録音当時33歳)、フレキシブルでシャープなビクター・ルイス(録音当時38歳)のドラミング、端正かつファンクネス忍ぶウォルター・デイヴィス・ジュニア(録音当時56歳)のピアノ。新旧のジャズメンががっちりとタッグを組んだ様な、ドライブ感溢れる端正なリズム・セクション。ウォルター・デイヴィス・ジュニアは、この盤の録音から1年10ヶ月後に鬼籍に入っている。

ラウズ、シハブ、ウォルター・デイヴィス、3人の「白鳥の歌」に近い演奏なんですが、そんなことを全く感じさせない、躍動感溢れ、小粋でコクのあるインプロビゼーションは凄く魅力的です。加えて録音が良い。調べてみたら、ルディ・ヴァン・ゲルダーの録音でした。この盤、ジャズ者の方々の全てにお勧めの「隠れ好盤」です。

 
 

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2017年6月 8日 (木曜日)

ショーターの初リーダー作です

セロニアス・モンクのピアノは「個性が強い」。唯一無二。決して真似することは出来ない。そして、ウェイン・シューターのテナーは、モンクに負けずに「個性が強い」。こちらも唯一無二。決して真似をすることは出来ない。両者とも、フォロワーがいそうでいない。それだけ、個性が強すぎるのだ。

そんなウェイン・ショーターの聴き直しを2年ほど前、進めていた。が、聴き逃しているリーダー作もまだまだあって、今回、落ち穂拾い的に、ウェイン・ショーターの聴き直しを再開した。そう言えば、ショーターの初リーダー作、いわゆるVee-Jay レーベルの3部作を聴き逃していた。いかんいかん。

まずは、Wayne Shorter『Introducing Wayne Shorter』(写真左)。1959年11月の録音。ちなみにパーソネルは、Wayne Shorter (ts), Lee Morgan (tp), Wynton Kelly (p), Paul Chambers (b), Jimmy Cobb (ds)。当時のジャズ・メッセンジャーズのフロント2管にマイルス・バンドからリズム・セクションを借りてきた様なクインテット構成である。
 

Introducing_wayne_shorter1

 
ジャズメンの個性は初リーダー作に詰まっているというが、このウェイン・ショーターの初リーダー作についても例外では無い。明らかにそれまでの「ハードバップ」的な常識的なフレーズは全く感じられない。基本はモード。でも、どこからどうとっ掛かってモーダルなフレーズを展開するのかが皆目判らない。

当の本人は「宇宙と交信しながらフレーズを紡ぐ」なんて言っているが、このショーターのあまりに個性的でモーダルなフレーズを聴いていると、それって本当かも、と思う瞬間があるから怖い(笑)。それほど、この盤でのショーターのフレーズは個性的。トランペットのモーガンを始めとした他のジャズメンは「ハードバップ」的な常識的なフレーズ。ショーターは突出していて全く異なる。

アルバム全体の演奏はまだまだ未熟なところはあるが、リーダーのショーターを始めとして、参加したジャズメンの個性がハッキリと掴める、宝石の原石の様な盤である。錚々たる参加メンバーなんだが、そんな中で、ショーターのテナーだけが「浮いている」。しかし、この「不思議ちゃん」な個性溢れるショーターのテナーは意外と填まる。中毒性のある「宇宙人との更新」テナーである。

 
 

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2017年6月 7日 (水曜日)

理路整然なビッグバンドのモンク

Columbiaレーベル時代のモンクは判り易い、と念仏のように唱えてはや3日目。Columbiaレーベル時代の第3弾は、これまた、モンク・ミュージックを判り易く、3つの演奏パターンで聴かせてくれる、モンクのリーダー作でも隠れ好盤的な盤である。

Thelonious Monk『Big Band and Quartet in Concert』(写真左)。1963年12月30日、ニューヨークのリンカーン・センターでのライブ録音。ビッグバンドとカルテット、そしてソロの3つの演奏パターンで聴かせてくれる。

カルテットのパーソネルは、Thelonious Monk (p), Charlie Rouse (ts), Butch Warren (b), Frankie Dunlop (ds)。このカルテットのパーソネルを中心に、サド・ジョーンズのコルネットやスティーブ・レイシーのソプラノ、フィル・ウッズのアルトなど、さすが大手のColumbiaレーベル、人気の高いジャズメンをズラリと取り揃えている。数えたら「ノネット(9人楽団)」だった。

モンクの楽曲と演奏パターンをビッグバンドでやるなんて凄いなあ。モンクの飛んだり跳ねたりするタッチと予測不能な展開がミステリアスなアドリブ・フレーズをビッグバンドでトレースするなんて、ビッグバンドのメンバー一人一人が優秀なテクニックとモンク・ミュージックに対する見識の深さについて、改めて感心する。
 

Monk_big_band_and_quartet

 
加えて、このライブ盤でのアレンジは温厚で、Columbiaレーベル時代の判り易いモンクのイメージをベースに、ビッグバンドの演奏を組み立てている。確かに、このライブ盤でのビッグバンドの演奏は理路整然としていて聴き易い。フレーズのそこかしこにモンクのイメージを散りばめてはいるが、極端に飛んだり跳ねたりしない。あくまで、常識の範囲内で収めているところが「聴き易さの理由」。

カルテット構成で目を惹くのは、ベースのブッチ・ウォーレンの存在。前作『Criss-Cross』までのジョン・オーレから交代している。が、モンク・カルテットの音の本質は変わらない。当然、ベーシストが代わったからと言って、モンクのピアノも変わらない。判り易いモンク・ミュージックは変わらない。

このライブ盤でのモンクは、とりわけ、憑きものが落ちたようにスッキリと判り易い、そして、不思議なくらいに溌剌としている。僕が聴いたこのCD2枚組は、1964年発売のLP2枚組のライブ音源に未発表曲を併せてCD2枚組でリイシューしたもの。意外と貴重な2枚組CDである。

 
 

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2017年6月 6日 (火曜日)

前作と対をなす「兄弟盤」です

Columbiaレーベル時代のモンクはマンネリズムに陥ったという評価が浸透しているようだが、どうにもそれは納得出来ない。Columbiaレーベル時代のモンクは演奏が熟れていて、モンクとしては流麗な演奏が多く、聴き易くポップな雰囲気が「マンネリズム」という誤った表現になったんじゃないかな、と睨んでいる。

さて、今日はColumbiaレーベル第2弾、Thelonious Monk『Criss-Cross』(写真左)である。1962年11月と1963年3月の録音。ちなみにパーソネルは、Thelonious Monk (p), Charlie Rouse (ts), John Ore (b), Frankie Dunlop (ds)。当時の「鉄壁のカルテット」である。

もともとColumbiaレーベルはジャケット・デザインに一貫性が無く、あまりデザインに関して見識があるとは思えないレーベルである。さすが米国の大手レーベルである。この『Criss-Cross』も、ピアノに向いたモンクが、万華鏡の様に4つに分かれた鏡絵の様にあしらわれていて、ちょっと奇異なジャケット・デザインに映る。

音楽のアルバムってジャケットの印象って大事だと思うんだが、この『Criss-Cross』ってアルバム、この奇異なジャケット・デザインで相当損をしているのではないか。もともとモンクのキャラクター自体が「奇異」なものとして捉えられているのに加えて、この奇異なジャケット・デザイン。まるでモンクのあの個性的なピアノのフレーズが「奇異」なものであるように捉えられてしまうのではないか。
 

Criss_cross

 
が、そんなことは全く無いアルバムの内容である。前作『Monk's Dream』と同様、この『Criss-Cross』も判り易い。ジャズ者初心者の方々にも、この番のモンクは判り易い。冒頭の「Hackensack」を聴けば、ほんと、この盤のモンクは判り易いと感じる。アドリブ・フレーズの個性は確かにモンク。しかし、何て言ったら良いのか、そう「常識的な」モンクなのだ。

悪い意味で言っているのでは無い。良い意味で「常識的な」モンクなのだ。いわゆる「セロニアス・モンク入門」に適した盤である。そう言う意味では、前作の『Monk's Dream』の流れを組む内容で有り、『Monk's Dream』と『Criss-Cross』は対をなす「兄弟盤」と捉えて良いのではないか、と納得できる位の「判り易いモンク盤」である。

適度にスイングし、「常識の範囲内」でモンクのアドリブ・フレーズが飛んだり跳ねたりする。よって、今までのモンクになく、メロディアスで流麗。とっても聴き易いモンク・カルテットの演奏がとてもとても心地良い。もっと再評価されるべきアルバムではないでしょうか。ほんと「マンネリズム」なんて、とんでもない誤解ですよね。

 
 

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2017年6月 5日 (月曜日)

Columbiaのモンクは判り易い

そう言えば暫く、モンクのアルバムを聴いていないことに気がついた。そうそう、モンクのアルバムの聴き直しを進めていたんやった。ちょうど、Riversideレーベルの時代まで、聴き直しをしたんやなかったかなあ。ということで、今日から、Riversideレーベル時代の次、Columbiaレーベル時代の聴き直しである。

まずはこれ。Thelonious Monk『Monk's Dream』(写真左)。1962年10月の終わりから11月の初めの録音。ちなみにパーソネルは、Thelonious Monk (p), Charlie Rouse (ts), John Ore (b), Frankie Dunlop (ds)。モンク・ミュージックを奏でる為の一体となったカルテット構成。

このアルバムを聴けば良く判るのだが、このアルバムのモンクは判り易い。というか、モンクのキャリアの中で最後のレーベルであるColumbiaレーベル時代のモンクのアルバムはどれもが判り易い。特に、このColumbiaレーベル時代の最初の一枚『Monk's Dream』は判り易い。

若い時代のモンクは予測が出来ない。どうしてそんな和音になるの、とか、どうしてそっちに展開するの、とか、どうして、そこでそんな音を抜くの、とか、とにかく予測不能。その予測不能な意外性がモンクの面白いところでもあるのだが、常識の範囲を超えてはいるので、長時間聴いていると疲れてくる。
 

Monks_dream

 
しかし、『Monk's Dream』は判り易い。なんとなく予測できる、というか、なんとなく理屈がついて理解しやすい。なるほどその和音になるよね、とか、なるほどそっちに展開するよね、とか、なるほどそこはそう音を抜くよね、とか、なんとなく想定できて、なんとなく理屈がつく。これが、Columbiaレーベル時代のモンク盤の良いところで、ジャズ者初心者の方々にも、この時代のモンクは判り易い。

グループ・サウンドとしても充実している。特に、チャーリー・ラウズのテナーが良い。モンクにぴったり寄り添うようにテナーを奏でる。モンクの特異なフレーズを予測して、しっかりとモンクの個性的なフレーズに追従する。この盤でのラウズのテナーを聴いていると、やはり、モンクに最適なテナーはラウズのテナーだろう。それほどまでにモンクとラウズの相性は良い。

巷では、Columbiaレーベル時代のモンクはマンネリズムに陥ったという評価が浸透しているようだが「とんでもない」。演奏が熟れていて、モンクとしては流麗かつ印象的なフレーズが多いが、これはこれで、ポップなモンクとして聴き応えがある。カルテットとしても充実していた時代あり、特にモンク〜ラウズのラインが素晴らしい。ユニゾン&ハーモニー、そしてアドリブ。どれをとっても申し分な好盤です。

 
 

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2017年6月 4日 (日曜日)

ジャズ喫茶で流したい・106

この盤は確実に「ジャケ買い」であった。このジャケットを見た時は、この盤の素性は全く知らない。ただ、このジャケットにグッと心を掴まれた。このトランペッターは誰だ。ジャケットの文字を見たら、トム・ハレルとある。トム・ハレルの名前は知っている。あと、サイドメンの名前が連なる。総合力勝負のピアニストのケニー・バロンの名が見える。

「これはイケるに違いない」。で、即ポチである。そのアルバムとは、Tom Harrell『Moon Alley』(写真左)。1985年12月の録音。意外と古い録音。ちょうど、純ジャズ復古の時代、老舗のジャズ・レーベルが復活し、純ジャズが復権していった頃。なるほど。その時代が故にパーソナルがふるっている。

ちなみにパーソネルは、Tom Harrell (tp, flh), Kenny Garrett (as, fl), Kenny Barron (p), Ray Drummond (b), Ralph Peterson (ds)。いやいや、今の目でみれば錚々たるメンバーではないか。新しい響きのアルトはケニー・ギャレット。切れ味の良い、躍動感としなやかさが共存した、新しい感覚のリズム&ビートが魅力のドラモンドのベースとピーターソンのドラム。
 

Moon_alley1

 
そして、サイドメンの絶品は、総合力勝負のピアニスト、ケニー・バロン。伴奏の職人、バロンの流麗で洒脱なバッキングは、耳に好印象を残してくれる。高テクニックを擁しながらもグッと押さえて、程良い音数で印象的にフレーズを紡ぎ上げつつ、フロントのトランペットとアルトを推し上げる。

しかしながら、リーダーなので当然ではあるが、トム・ハレルのトランペットが素晴らしく良い。力強く躍動感溢れ、紡ぎ出すフレーズは流麗そのもの。トランペットそのものが実に魅力的に鳴っている。日本ではあまり名前が通っていないが、ハレルのトランペットは一級品。切れ味良く、エッジは程良く心地良く立っていて、聴いていてとっても心地良い。

基本はネオ・ハードバップ。コードとモードを程良くブレンドしつつ、躍動感溢れる、雄弁なソロを繰り出していく。リズム・セクションも強力。こういうネオ・ハードバップの好盤をつい最近まで知らなかった。いやはや、ジャズは奥が深い、ジャズは裾野が広い。いや〜、ほんとジャズって良いですね。

 
 

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2017年6月 3日 (土曜日)

ピーター・アースキンの新作2枚

1970年代から1980年代にかけて、フュージョン・ジャズ〜コンテンポラリー・ジャズを演る最高なバンドがあった。ウェザー・リポート(Weather Report=以下WRと略す)である。そのWRの最盛期、黄金時代とされるのが、1978年から1981年まで。その時のメンバーが、Wayne Shorter (sax), Joe Zawinul (key), Jaco Pastorius (b), Peter Erskine (ds)。

そのWR黄金時代のドラマー、ピーター・アースキンがこのところ元気である。昨年初めに『DR.UM』をリリースしてから、とにかく元気。最近、このDR.UMバンドをベースとしたニューアルバムが2枚、立て続けにリリースされた。

一枚目は、Peter Erskine『Second Opinion』(写真左)。DR.UMの第2弾。ちなみにパーソナルは,Peter Erskine (ds), Benjamin Shepherd (b), John Beasley (key), Bob Sheppard (sax,fl)。サックス+フルートがフロントのカルテット構成。奏でる音はコンテンポラリーな純ジャズ。今のジャズを感じる。
 

Peter_erskine_scond_op_n_praise_of_  

 
二枚目は、Peter Erskine New Trio『In Praise of Shadows』(写真左)。こちらはトリオ編成。ちなみにパーソネルは、Peter Erskine (ds), Damian Erskine (b), Vardan Ovsepian (p), Artyom Manukyan (cello, tracks: 3,9)。2曲だけチェロが入るが、基本はピアノ・トリオ。陰影に富んだ音作りで魅了。新しい響きを感じる。

どちらのアルバムも聴いて感じるのは「WRの雰囲気」。WRの音の個性を現代のコンテンポラリーな純ジャズに置き換えて、リコンパイルしているような雰囲気。聴いていて、サックスやピアノのユニゾン&ハーモニーやアドリブ・フレーズに、どこかウェイン・ショーターとジョー・ザビヌルの音の影を感じるし、ベースの音には、どこかジャコ・パストリアスの響きを感じる。

曲作り、アレンジ共に書かれた感が強くて、人間の理屈で作り上げられた雰囲気がそこはかとなくするのが玉に瑕だが、個々の演奏の水準は高く、作り込まれた感が「俗っぽさ」に傾かず、端正な雰囲気に置き換わっているので、これはこれで「セーフ」。現代のコンテンポラリーな純ジャズを感じることの出来る新作として、一聴はしたい新作である。

 
 

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2017年6月 2日 (金曜日)

ピアノ・トリオの代表的名盤・60

恐らく、この盤はどこかのジャズ雑誌かアルバム紹介本で見たのだと思う。とても大胆な構図とロゴタイプのあしらい、そしてピンクが基調の色使い。一見、ジャズらしからぬジャケット・デザインに見えるが、じっくり見渡すと、ほんと良く出来たジャズのジャケットやなあ、と感心する。

こういう優れたジャケットのジャズ盤に外れは無い。いわゆる「ジャケ買い」である。目の前にリアル盤があれば「即買い」なんだが、ジャズ雑誌かアルバム紹介本の記事である。この盤は長年探し続けた。しかし、なかなか巡り会わない。そういう盤ってたまにある。探し始めて20余年。やっと昨年、この盤の音源を手に入れた。

Maurice Vander『Jazz At The Blue Note』(写真左)。1961年、パリ、ブルーノートにてライヴ録音。ちなみにパーソネルは、Maurice Vander (p), Pierre Michelot (b), Kenny Clarke (ds)。フランス音楽界を代表するピアニストが、当時のパリ随一のリズム・セクションのサポートを得て吹き込んだ、スタンダード集である。
 

Maurice_vander_jazz_at_the_blue_not

 
これが素晴らしい内容のライブ盤である。モーリス・ヴァンデールの無骨で骨太なタッチ。抜群のドライブ感。ピアノ演奏のスタイルは「バップ」。さすがにフランスのピアニストである。ファンクネスはほとんど感じられない。端正でエッジが立っていて「音」が明確。米国には無い、明らかに欧州のジャズ・ピアノ。このピアノで、ジャズ・スタンダードの数々を弾きこなしていく。

バックを務めるケニー・クラークのドラムは重要だ。ヴァンデールが抜群のドライブ感を発揮する中、絶対のリズム&ビートの枠を逸脱しないのはクラークの正確でメリハリ豊かなドラミングが貢献している。そして、このピアノ・トリオを特別なものにしているのが、ピエール・ミシェロのベース。ゴリッゴリッ、ブンブンと重低音を鳴り響かせてのし歩くベースは、このピアノ・トリオの演奏を締まったものにする。

録音も良好。こんなに魅惑的でハードバップなピアノ・トリオ盤がフランスにあったなんて、ほんとビックリした。凄く迫力のあるトリオ演奏で、良いステレオ装置で聴けば聴くほど「惚れ惚れする」。こんな素晴らしいピアノ・トリオ盤がフランスにあったなんて。謹んで、この盤に「ピアノ・トリオの代表的名盤」の称号を与えたい。

 
 

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2017年6月 1日 (木曜日)

トランペットの隠れ名盤・6

ピアノ・トリオのブームが、昨日辺りから「トランペット・ジャズ」に移りつつある。朝夕涼しい陽気がそうさせるのだろうか。流麗でストレートに鳴るトランペットが聴きたくなる。そうすると、やはりテクニックに優れた、肺活量豊かなトランペッターのアルバムを漁ることになる。

テクニックに優れた肺活量豊かなトランペッター、とすると、まずは「フレディ・ハバード」の名が浮かぶ。でもなあ、ハバードって、テクニックが優れる余り、そのテクニックをこれでもか、とひけらかす傾向が強くて、そのハイレベルのテクニックが耳に付くのだ。加えて「目立ちたがり」。共演者がいると、そっちのけで「俺が俺が」と前へ出る。これが耳に付く。

このアルバムも最初見た時、ハバードの名前があったので聴かずにパス。しかも共演者がいる。それもトランペッター、ハバードに良く似たタイプのウディ・ショウ。これ、絶対にハバード、テクニックをひけらかすぞ、絶対に前へ出るぞ、で聴かずにパス。しかし、つい最近、ちょっと怖い物見たさに「聴いてみようかな」と(笑)

Freddie Hubbard & Woody Shaw『Double Take』(写真左)。邦題「トランペット伝説」。1985年11月の録音。ちなみにパーソネルは、Freddie Hubbard (tp, flh), Woody Shaw (tp), Kenny Garrett (as, fl), Mulgrew Miller (p), Cecil McBee (b), Carl Allen (ds)。同じフロントにケニー・ギャレットのアルト。バックのリズム・セクションが、当時の新進気鋭の若手で固められている。
 

Double_take1

 
聴いてみて「あれれ」と思う。良い方向に「あれれ」なんだが、ハバードがあまり目立たない。テクニックよろしく、前へ前へ出ようとしているようなんだが、そうならない。恐らく、ウディ・ショウの存在がそうさせるのだろう。ハバードと同じくらいにテクニック優秀、そして、共演者との協働を良しとし、前へ前へと出ない「奥ゆかしさ」。このショウの存在が、いつものハバードにブレーキをかけているみたいなのだ。

実は、テクニックをひけらかすこと無く、目立ちたがりを控えたハバードのトランペットは、とても素晴らしい。しかし、ハバードの性格上、そんな状態のアルバムって、なかなかお耳にかかれないのだが、この『Double Take』というショウとの共演盤でのハバードが、そんな「素晴らしい」ハバードなのだ。聴き応えありまっせ。

ハバードに相対するショウのトランペットも味わい深い。テクニック優秀、ストレートでふくよかなブラスの響き、流麗かつ爽快なアドリブ・フレーズ。トランペットがよく鳴っている。ショウは1989年、44歳で亡くなっているので、この盤の時点では40歳になったところ。40歳を迎えたショウのプレイは余裕が出来て、ほど良く流麗なプレイは、かえって「凄みを感じさせる」もの。惜しいトランペッターを亡くしたものだ、と改めて淋しくなる。

「素晴らしい」ハバードと「凄みを感じさせる」ショウのトランペットの共演。アルトのギャレットも負けずに出来が良く、バックのリズム・セクションがこれまた優れていて立派。録音年が1985年。純ジャズ復古前夜の頃。さすが復活したレーベル、ブルーノートの「マジック」である。

 
 

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