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2017年3月の記事

2017年3月30日 (木曜日)

これも硬派なラテン・ジャズ

昨日、ラテン・ジャズの話題だったんだが、ラテン・ジャズのピアノは、と思いを巡らせたら「ミシェル・カミロ(Michel Camilo)」のことを思い出した。そうそう、カミロがいたやん。

ミシェル・カミロは、ドミニカ出身のジャズ・ピアニスト。ラテン・ジャズを基調とした演奏が基本で、その超絶技巧なピアノが個性。ベーシックなハードバップからモード・ジャズな展開もお手のもの。ラテン・ジャズが基調だからといって、俗っぽくならず、おオーバーファンクにもならず、しっかり硬派な切れ味の良い、純ジャズ・テイストのラテン・ジャズが素晴らしい。

そんなミシェル・カミロであるが、今日の選盤はこれ。Michel Camilo『Mano A Mano』(写真左)。2011年の作品。ちなみにパーソネルは、Michel Camilo (p)、Charles Florez (b)、Giovani Hidalgo (per)。ピアノ・トリオである。うんうん、カミロの超絶技巧なラテン・ジャズなピアノを愛でるには、トリオ編成が一番である。
 

Mano_a_mano

 
聴いてみると、この盤の良さが判る(当たり前か・笑)。冒頭の「YES」は、コッテコテのラテン・ジャズなんだけど、カミロのピアノがシャープなので、俗っぽい雰囲気は全く無い。代わりに、アーバンで洒脱なラテン・ジャズの雰囲気が色濃く漂って、やっぱ、カミロはこれやね〜、と思う。

しかし、聴き進めるにつれ、バックのリズム&ビートはラテンなんだが、カミロのピアノは、アーティスティックなモード奏法だったり、硬派でストイックなハードバップ調の弾き回しだったりして、かなりの面で「真面目・実直」なジャズ・ピアノなのが面白い。ラテンのリズム&ビートをバックに硬派な純ジャズ・ピアノ。このアンマッチ感がかえってアーティスティックである。

とにかく、カミロの弾きっぷりは凄い。切れ味抜群、指回り抜群、アドリブ・フレーズは印象的でキャッチャーなものばかりで、ラテン音楽の哀愁感をしっかりと滲み出しているところはさすがである。南米が生んだ神技ピアニスト=ミシェル・カミロ、なかなか良い。気が乗らない朝に純ジャズの雰囲気を宿したラテン・ジャズ。気持ちがグッと持ち直します。

 
 

震災から6年。決して忘れない。まだ6年。常に関与し続ける。がんばろう東北、がんばろう関東。自分の出来ることから、ずっとずっと復興に協力し続ける。 

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2017年3月29日 (水曜日)

これだけ硬派なラテン・ジャズ

気が乗らない朝にシビアな純ジャズなんてとんでもない。余計に気が重くなる。気が乗らない朝には、時々、ラテン・ジャズが聴きたくなる。のー天気でファンキーでノリノリなラテン・ジャズで一気に気持ちを盛り上げるのだ。

ラテン・ジャズと言えば、8分音符や16分音符を中心としたスクエアなビートで演奏するジャズで、コンガやボンゴ、ティンバレスなどのラテン・パーカッションが入る。基本的には、中米の音楽を中心に発展したアフロ・キューバンなものが一般的。ブラジル系については、ボサノバ・ジャズ、ジャズ・サンバとして、ラテン・ジャズとは区別される。

さて、ラテン・ジャズの代表的ミュージシャンと言えば、モンゴ・サンタマリア(Mongo Santamaria)。コッテコテのラテン・ジャズで、とにかく思いっきり俗っぽく、思いっきりアフロ・キューバンっぽく、ラテン・ジャズを展開する印象がある。例えば、ハービー・ハンコックの名曲「ウォーター・メロン・マン」などがその良い例。この曲の印象が強くて、なかなか他のアルバムに触手が伸びなかった。
 

At_the_black_hawk_mongo_santamaria

 
が、である。ジャズ盤の紹介本をペラペラめくっていて、このアルバムに気がついた。Mongo Santamaria『At the Black Hawk』(写真左)。1962年、サンフランシスコのライブハウス「Black Hawk」でのライブ録音。Black Hawkで録音された2つのライブLP「Mighty Mongo」「!Viva Mongo!」をまとめてCD化したもの。

このライブ盤を聴いて、それまでのモンゴ・サンタマリアの印象がガラッと変わった。実直なメインストリーム・ジャズな雰囲気をしっかりと宿したラテン・ジャズである。コッテコテの思いっきり俗っぽいラテン・ジャズな演奏もところどころあるのだが、その合間合間に、純ジャズの雰囲気を宿したラテン・ジャズがある。これがとても良い。

これだけ硬派なラテン・ジャズであれば、諸手を挙げて「ウエルカム」である。特に、ラテン・ジャズ・アレンジが施されたジャズ・スタンダード「Tenderly」「All The Things You Are」辺りが聴きどころ。俗っぽさに流されず、安きに流されず、アーティスティックにラテン・ジャズをやる。気が乗らない朝に純ジャズの雰囲気を宿したラテン・ジャズ。気持ちがグッと持ち直します。

 
 

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2017年3月28日 (火曜日)

ジャズ・フルートの新人登場

フルートという楽器はジャズの世界ではマイナーな楽器である。

楽器の性格上、演奏表現の幅が狭く、極端な音の強弱や抑揚が付けにくい。ス〜と伸びた綺麗な音色がフルートの身上なので、どうにも、その雰囲気がジャズに合わない感じなのだ。よって、純ジャズというよりは、フュージョン・ジャズやスムース・ジャズの音世界に合っているなあ、と僕は感じている。

ハービー・マン、ヒューバート・ローズ、がそんなフュージョン・ジャズで活躍し、かなりの人気を博したフルート奏者と言える。純ジャズ系では、ジェレミー・スタイグ、エリック・ドルフィーがいるが、どちらもエモーショナルにフルートを吹きまくる、いわゆるフリー・ジャズの範疇。音楽鑑賞という面からすれば「異端」であり「マイナー」な存在である。

そんなジャズ・フルートの世界に、日本人女性の新人が現れ出でたのであるからビックリした。酒井麻生代『Silver Painting』(写真左)。昨年のリリース。人気のクラシック曲をお洒落で心地良いスムース・ジャズのアレンジで聴かせてくれる。

確かに、このアプローチは「あり」やなあ。ジャズ・フルートの先達の一人、ヒューバート・ロウズが、結構、人気クラシック曲をフュージョン・ジャズのアレンジで聴かせてくれた記憶がある。例えば、6曲目の「Pavane Op.50(パバーヌ)」は、確か『The Rite of Spring(春の祭典)』というアルバムの冒頭で演奏していた筈。改めて収録された曲を並べてみると、以下の様になる。
 

Silver_painting
 

  1. シシリエンヌ(フォーレ)
  2. 花のワルツ(チャイコフスキー)
  3. ジムノペディ(サティ)
  4. 24のカプリース(パガニーニ)
  5. ダッタン人の踊り(ボロディン)
  6. パヴァーヌ(フォーレ)
  7. 悲愴第2楽章(ベートーベン)
  8. 亡き王女のためのパヴァーヌ(ラヴェル)
  9. シチリアーノ(バッハ)
10. 月の光(ドビュッシー)
 

ふむふむ、確かにスムース・ジャズのアレンジで、しっとりと優雅に聴かせてくれる楽曲がほどよく選曲されている。酒井のほどよい太さでス〜と伸びた綺麗な音色が十分に活かされる、明かに「企画とアレンジ」の勝利である。アレンジが良く、それぞれの楽器の演奏レベルが高いので、最初から最後まで、飽きずにダレずに聴き通せる。

とても爽やかな演奏が基本の盤なので、晴れた朝のジャズ喫茶のスタート盤に合うんじゃないですかね。 ちなみに、我がバーチャル音楽喫茶『松和』では「今日のスタート」盤に選定されています。基本的に僕は、演奏家のルックスを加味して評価するタイプじゃ無いので、演奏のみを聴いて、このジャズ・フルートのアルバムについては及第点。聴き心地の良い好盤だと思います。

 
 

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2017年3月26日 (日曜日)

米国プログレの代表格な一枚

米国のプログレッシヴ・ロック・グループ「Happy The Man(ハッピー・ザ・マン)」。略して「ハピマン」。1974年結成、1979年解散。僕はこのグループについては後に知った。1995年辺り、もう一度、1970年代のプログレッシブ・ロックの好盤をコレクションしよう、と思い立ってからである。

もともと、米国にはプログレッシブ・ロックは流行らない、と言われてきた。ピンク・フロイドの『狂気』など、判り易いプログレ盤は売れに売れたが、キング・クリムゾンや初期のジェネシスなど、小難しいプログレは大々的には受けなかった。そういう環境の中で、ハピマンは1977年、世界的にプログレ・ブームが去った頃、いきなりデビューした。

そのデビュー盤がバンド名をそのまま冠した『Happy The Man』(写真左)。1977年の作品。米音楽誌Rolling Stoneのプログレ・アルバムTOP50の50位にランクされた好盤である。いや〜1977年当時はその存在すら知りませんでした。そもそも、米国にプログレ・バンドがあるなんて思ってもみなかったからなあ(笑)。
 

Happy_the_man1

 
改めて聴いてみると、1970年代プログレ特有のシンフォニックな要素をふんだんに取り入れつつ、当時、流行のピークだったフュージョン・ジャズの要素を合わせたテクニカルなプログレ・ロックに仕上がっていて、非常に聴き応えがある。プログレ御用達楽器のシンセサイザーも上手く取り入れられていて、全体の印象はアーティスティック。

米国のプログレだからといって、ポップでコーニーな部分は全く無く、正統派のプログレッシブ・ロックとして、歴史に残る好盤である。英国・欧州中心のプログレッシブ・ロックの旬が1976年辺りまで。その翌年、米国に突如として、プログレッシブ・ロックの好盤が生まれ出でた。歴史の不思議な「符号」を感じずにはいられない。

米国プログレの代表格。都会的で爽やか、知的・繊細・緻密な中に、ちょっとしたユーモアを滲ます、そして、限りなくテクニカル。当時のフュージョン・ジャズに通じる、米国プログレ独特の個性がこの盤に詰まっている。ジャズとしても、ジャズ・ロックもしくはロック寄りのテクニカルなフュージョンとして十分に聴ける。好盤です。

 
 

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2017年3月25日 (土曜日)

懐かしの『フィルモアの奇蹟』

私こと松和のマスター、もともとアルバムのコレクターであるが、基本的に「ジャズ」が中心。当然、聴くアルバムもジャズが中心なんだけど、さすがにずっとジャズを聴き続けると「耳にもたれる」ことがある。そんな時は、70年代ロックやJポップのアルバムに走る。所謂「ジャズの合間の耳休め」盤である。

70年代ロックの「ジャズの合間の耳休め」盤については、ジャンル的にはプログレッシブ・ロック、そして、米国ルーツ・ミュージック系ロックが多い。ソフト&メロウに傾く時にはAOR系、R&B系を選択することもしばしば。そういうことから、実は70年代ロックのアルバムについてもかなりの数、コレクションが進んでいる。

今日の「ジャズの合間の耳休め」盤はこれ。『The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper』(写真)。邦題『フィルモアの奇蹟』。1968年9月にフィルモア・ウェストでのライブ音源。1969年に連名でリリースしている。ボリュームはLP2枚組。このライブ盤は、ブルーズナンバー中心であるが、サイモンとガーファンクルやトラフィック、ザ・バンドなどのカバーも織り込みつつ、基本的に米国ルーツ・ミュージック系ロックである。

これが「いい」。ライブ・セッションの楽しさ、素晴らしさがギッシリと詰まったアルバムで、特に、当時、白人NO.1ブルース・ギタリストと謳われたマイク・ブルームフィールドのプレイが尋常では無い。インスピレーションをトリガーに、ブルージーでエモーショナルなエレギが炸裂しまくりである。
 

The_live_adventures_of_mike_bloomfi

 
選曲も米国ルーツ・ミュージックと呼ばれるものが目白押しで、レイ・チャールズの「アイ・ワンダー・フー」及び「メリー・アン」、エルヴィス・プレスリーの歌唱で知られる「ザッツ・オール・ライト」、アルバート・キングの「激しい恋はもうたくさん」、加えて、サイモン&ガーファンクルの「59番街橋の歌 (フィーリン・グルーヴィー)」、トラフィックの「ディア・ミスター・ファンタジー 」、そして、ザ・バンドの「ザ・ウエイト」などなど。聴いて惚れ惚れする楽曲ばかり。

ライブ・セッションなので、どこかで「ダレる」ところがあってもよさそうなものだが、これが「無い」。上手く編集しているのかもしれないが、音源に残された演奏を聴いていても「ダレる」要素や前触れが全く見えない。テンションもほどよく、聴き始めたら、一気に聴き切ってしまう位の充実度。

このライブ盤、これだけ優れた内容を誇りながら、僕がこのライブ盤を聴いた1976年当時、カバーがほとんどでオリジナル曲が少ないということで、我が国では意外と評価が低かった記憶がある。ロックにおける「オリジナル至上主義」も大概にせんとなあ、とこのライブ盤を聴いて感じた当時の記憶が甦って来た。

しかし、今の耳で聴けば判るが、決してそんな事は無い。当時の米国西海岸ロック・シーンの熱気も十分感じられる、「米国ルーツ・ミュージック」系ロックの好盤でしょう。とにかくマイク・ブルームフィールドのエレギに尽きる。

 
 

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2017年3月24日 (金曜日)

キャンディドらしい音・5

キャンディド・レーベルには「よくぞ録音してくれた」的なマニア盤も存在する。何故かなかなか録音の機会に恵まれない優秀なジャズメンや、そもそも録音の機会が少ないユニークなジャズメンにスポットを当てて、しっかりと録音している。プロデューサーのナット・ヘントフの功績であろう。

例えばこのアルバム、『The Toshiko-Mariano Quartet』(写真左)。1960年12月の録音。ちなみにパーソネルは、Toshiko Akiyoshi (p), Charlie Mariano (as), Eddie Marshall (ds), Gene Cherico (b)。我らが日本人ピアニスト穐吉敏子と、当時、夫婦の間柄であった、アルトサックス奏者チャーリー・マリアーノとの共同リーダー作である。

内容的には新しい響きを宿しているハードバップである。マリアーノのアルトは硬質でテクニカル。フレーズは幾何学的でクール。モードでは無いのだが、響き的にはモーダルな雰囲気が漂っている。これが意外に新しい。ユニーク。ジャズ・アルトと言えばパーカーが絶対だが、このマリアーノのアルトは、パーカーの影響下から少し距離を置いている。
 

Toshikomariano_quartet

 
穐吉敏子のピアノも新しい響きを宿していて聴き応えがある。もともと穐吉のピアノは、筋金入りのビ・バップなピアノ。明らかにパウエル派のバップ・ピアノなんだが、この盤での穐吉のピアノは、そんなバップ・ピアノな雰囲気に加えて、モーダルなフレーズが見え隠れする。加えて、テクニックが凄い。高速なアドリブ・フレーズが凄い。

5曲目の「Long Yellow Road」が特に素晴らしい。そこはかと漂う愁い。音の「間」とマイナーな余韻。激しさと静謐さが入り交じり、何処か狂おしさもある、何処か侘しさもある。演奏全体を覆う「侘び寂び」、アドリブ・フレーズに忍ぶ「いとおかし」の空気。これぞ「日本人の創るジャズ」の好例。

これだけ、内容的に優れた演奏を繰り広げる「Toshiko-Mariano Quartet」ではあるが、あまり録音の機会は多く無かった。そういう面では、このキャンディド・レーベルでの録音は貴重なものであることは疑いない。キャンディドらしく、録音も良好。もっともっと聴かれても良い好盤だと思います。

 
 

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2017年3月23日 (木曜日)

キャンディドらしい音・4

キャンディド・レーベル(Candid Label)の「お抱えジャズメン」的存在の一人が「セシル・テイラー(Cecil Taylor)」。フリー・ジャズ・ピアノの先駆者である。このセシル・テイラーの初期の頃の演奏が、キャンディド・レーベルで聴けるのだ。アルバム数は3枚。しかし、セシル・テイラー初期の録音である。この3枚を聴けば、彼の個性の生い立ちが何と無く理解出来るのだ。

Cecil Taylor『Jumpin' Punkins』(写真左)。1961年1月の録音。ちなみにパーソネルは、Cecil Taylor (p), Archie Shepp (ts), Buell Neidlinger (b) は全曲に渡って固定。ドラムが全4曲中3曲は Denis Charles, 1曲のみ Billy Higgins。3曲目の「I Forgot」のみ、Clark Terry (tp), Roswell Rudd (tb), Steve Lacy (ss), Charles Davis (bs)が加わって、厚みのあるアンサンブルを聴かせてくれる。

冒頭のタイトル曲「Jumpin' Punkins」の最初の部分を聴くと、あれれ、と思う。録音の時は1961年。フリー・ジャズ・ピアノの先駆者セシル・テイラーも人の子、やっぱりこの頃は、堅実なハードバップ的な演奏に終始していたんやなあ、なんて思ったりする。まあ、フリー・ジャズの基本は「正統な純ジャズ」で、正統な純ジャズが出来ない者はフリー・ジャズは出来ない。
 

Jumpin_punkins

 
と感慨に耽っていると、いきなりフリーなインプロビゼーションに突入して思わずビックリする。正統な純ジャズ部分と正反対の、アートでアブストラクトなフリーなインプロビゼーション。明らかにセシル・テイラー独特のフレーズであり、唯一無二である。フリー・ジャズの黎明期、オーネットとはアプローチの全く異なるセシル・テイラーの個性がこの盤に詰まっている。

当時、セシル・テイラーは32歳。ジャズメンとしてはまだまだ若手だと思うんだが、この時点で、セシル・テイラーの個性は確立されている。これが確認出来ることが、キャンディド・レーベルの価値である。この時点でのセシル・テイラーを積極的に録音したレーベルの運営思想については頭が下がる。

ラストのエリントン・ナンバー「Things Ain't What They Used to Be(昔はよかったね)」のアレンジ、アドリブ展開部のフリーキーなアプローチは斬新で、キャンディド・レーベルの面目躍如。プロデューサーのナット・ヘントフの慧眼、恐るべしである。こんなフリー・ジャズの黎明期の録音を聴けば、フリー・ジャズは本来何をしたかったのかが、何となく理解出来る。

 
 

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2017年3月22日 (水曜日)

キャンディドらしい音・3

このアルバムもキャンディド・レーベル(Candid Label)らしいアルバムだろう。収録された演奏といい、録音された音といい、アルバム・ジャケットのデザインといい、この盤も明らかに「キャンディド・レーベル」ならではの盤である。アルバムとしての佇まいはとても良い雰囲気である。

Richard Williams『New Horn In Town』(写真)。1960年9月の録音。CJM 8003番。ちなみにパーソネルは、Richard Williams (tp), Leo Wright (as, fl), Richard Wyands (p), Reginald Workman (b), Bobby Thomas (ds)。フロントがトランペットとアルトサックスの2管フロントのクインテット構成。

この番、音が良い。リチャード・ウィリアムスのトランペットがとっても良く鳴っている。ブリリアントに朗々とトランペットが鳴る。トランペットの音がこれほど良く朗々と鳴っている盤も珍しい。バックバンドの音もキャンディドの音らしく、音の厚みと中低音域の充実した音圧が心地良い。
 

New_horn_in_town

 
アップテンポの曲では優れたテクニックを駆使して、よどむこと無く流麗な運指でトランペットを吹き進めていく。スローテンポのバラードでは、ブラスの音をブリブリ振るわせるように響かせながら、説得力のある堅実なフレーズを滑らかに力強く吹き上げる。いや〜リチャード・ウィリアムスって上手いね〜、とほとほと感心する。

そんなトランペットの演奏の中で、特にバラードプレイが秀逸である。2曲目の「I Remember Clifford」、6曲目の「Over the Rainbow」のバラードプレイは落涙ものである。主旋律を捻ること無く素直に朗々と吹き上げ、アドリブ・フレーズではスローテンポではあるが、揺らぎの無い堅実で芯のある音で惹き付ける。

フロントの相棒、レオ・ライトのアルトも大健闘、バックのリズム・セクションも良好なパフォーマンスを繰り広げていて、アルバム・トータルの出来としても上々。ハードバップなトランペットの好盤の一枚です。ジャズ盤の紹介本には、なぜかその名前が挙がることが少ない盤ですが、ジャズ者万民にお勧めの好盤です。

 
 

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2017年3月21日 (火曜日)

キャンディドらしい音・2

キャンディド・レーベル(Candid Label)のアルバムは「ならでは」の特徴がある。音はジャズメンの志向、意向をストレートに演奏に反映したもので、当時として先進的な、挑戦的な内容のものが多い。加えて、音の厚みと中低音域の充実した音圧は、キャンディド・レーベルならではのもの。そして、ジャケット・デザイン。ロゴタイプが独特なものが多い。

例えば、このアルバムも明かに「キャンディド・レーベル」らしい。Pee Wee Russell & Coleman Hawkins『Jazz Reunion』(写真左)。1961年2月の録音。ちなみにパーソネルは、Emmett Berry (tp), Bob Brookmeyer (tb), Pee Wee Russell (cl), Coleman Hawkins (ts), Nat Pierce (p), Milt Hinton (b), Jo Jones (ds)。

スイング時代から活躍してきた、当時でベテランの域に達していた「オールド・スタイル」のジャズメンにスポットを当てたメンバー構成とみた。演奏スタイルは1961年の録音なので「ハードバップ」ではあるが、アドリブ・ソロをとる各楽器の雰囲気は、ほんのりと「スイング」な雰囲気が漂っている。故事成語で喩えると「温故知新」の様な演奏内容である。
 

Jazz_reunion

 
楽器はそれぞれ良く鳴っている。特に双頭リーダーの、ピー・ウィー・ラッセルのクラリネットとコールマン・ホーキンスのテナーはとても良く鳴っている。響きは「スイング」なれど、演奏の内容は明確な「ハードバップ」ど真ん中。音も太いので迫力満点、抑揚強弱もメリハリ良く効いていて、演奏自体に聴き応えがある。これぞ「ジャズ」的な、典型的なハードバップ。

とりわけ、ピー・ウィー・ラッセルのクラリネットがこんなに素晴らしいとは思わなかった。明らかに嬉しい誤算。スイング時代のクラリネット名手であるピー・ウィー・ラッセルが、1961年になって、ハードバップという当時のジャズのトレンドなフォーマットの中で、これだけ素晴らしいインプロビゼーションを聴かせてくれるとは思わなかった。

収録された演奏といい、録音された音といい、アルバム・ジャケットのデザインといい、この盤は明らかに「キャンディド・レーベル」ならではの盤である。もう一人のリーダー、ホーキンスのテナーもボボボボッとオールドスタイルよろしく、素敵に鳴っていて、これも聴きもの。良いアルバムです。キャンディド・レーベル入門盤の一枚としてお勧めです。

 
 

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2017年3月20日 (月曜日)

キャンディドらしい音・1

キャンディド・レーベル(Candid Label)。ポップス・シンガーとして有名なアンディ・ウィリアムスを社長とするケーデンス・レコードのジャズ専門の子会社として1960年にスタート。監修者にジャズ評論家として名高いナット・ヘントフを迎え、ジャズメンの志向、意向をストレートに演奏に反映することをポリシーに活動したが活動期間はわずか2年。

活動期間はわずか2年と短いが、キャンディド・レーベルに残されたアルバムはいずれも内容が濃い。キャンディドならではのアルバムも存在する。代表的なものとしては、チャールズ・ミンガスやセシル・テイラーや、あるいはブッカー・リトルやブッカー・アービンのリーダー作はいずれもキャンディドらしい内容である。

わずか2年の活動の中でアルバム化されたアルバムは27枚。そんな僅か27枚については、全てのアルバムを俯瞰して見ると、いかにもキャンディド・レーベルらしいものばかりである。例えば、Benny Bailey『Big Brass』(写真左)。CJM 8011番。1960年11月の録音。

ちなみにパーソネルは、Benny Bailey (tp), Julius Watkins (French horn), Les Spann (fl, g), Phil Woods (as, b-cl), Tommy Flanagan (p), Buddy Catlett (b), Art Taylor (ds)。 フレンチ・ホルンの参加がユニーク。ピアノのトミフラ、アルトのウッズ、ドラムのテイラーなど、要所要所に粋なジャズメンが脇を固める。
 

Big_brass

 
クインシー・ジョーンズ・オーケストラの花形ソリストとして活躍したビ・バップ出身のトランペッター、ベニー・ベイリーのリーダー作である。ベイリーのリーダー作は20枚弱とそんなに多く無い。1960年代は5枚程度。この『Big Brass』は初リーダー作になる。ベイリーの艶やかなトランペットの音色が実に印象的。

加えて、ジュリアス・ワトキンスのフレンチ・ホルンとのアンサンブルにより、ベイリーのトランペットのフレーズに厚みが加わる。アルバム全体を通じて優れたアレンジが印象的で、アルバム全体にとても内容の整ったハードバップな雰囲気が蔓延している。音の厚みと中低音域の充実した音圧は、キャンディド・レーベルならではのもの。

「現代のジャズにおいては、ラウドでビッグな音やハイノートをヒットするばかりが良きトランペットとは限らない」という言葉が頭をよぎる。1950年代半ばまではラウドでビッグな音やハイノートをヒットするばかりが良きトランペットであった。しかし、1960年代に入るに従い、その基準は揺らぎ、ジャズ・トランペットは深化していった。そんなジャズ・トランペットの深化を感じるベイリーの初リーダー作である。

ちなみに新生キャンディド・レーベルは「英キャンディド」としてロンドンに本社をおき、ステイシー・ケントやジム・トムリンソン等の新録音等を活発に始めている。

 
 

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2017年3月17日 (金曜日)

現代ヴァイブのイノベーター

ヴァイブと言えば「ミルト・ジャクソン」。僕の場合、その次は「ゲイリー・バートン」。ミルトは絶対的存在で、特にリラックスしたい時に良く聴くが、もう一人の絶対的存在が、このバートン。「4本マレット奏法」を発展させた、バートンの「マレット・ダンプニング奏法」には常に感心する。

この「マレット・ダンプニング奏法」で、ヴァイブがコード楽器としてピアノと比べても遜色なく同じレベルで演奏出来る様になったのだ。つまりはヴァイブがピアノと同等の役割を果たすということで、このアルバムに必ず行き着く。

Gary Burton『New Vibe Man in Town』(写真左)。1961年7月の録音。ちなみにパーソネルは、Gary Burton (vib), Gene Cherico (b), Joe Morello (ds)。リーダーのバートンのヴァイブをメインのトリオ編成。ヴァイブのトリオ編成って、この盤で初めて体験した。

「マレット・ダンプニング奏法」でヴァイブがピアノと同等の役割を果たすからこそ、ヴァイブをメインのトリオ編成、ヴァイブ=ベース=ドラムの編成が成立する。というか、バートンはこのアルバムで、それをしっかりと証明しているのだ。そういう意味で、このアルバムの存在は、ヴァイブのイノベーションの状況を切り取った、歴史的なアルバムと言える。
 

New_vibe_man_in_town1

 
というのも、このアルバムは、ヴァイブのイノベーター、ゲイリー・バートンの栄えある初リーダー盤である。わくわくしつつ、冒頭の「Joy Spring」の最初のフレーズがシングル・マレットなので「な〜んだ、この時点ではまだダンプニングは無いんだ」と思うんだが、アドリブ部に入る頃に、スッと「マレット・ダンプニング奏法」が入ってくる。

ヴァイブのシングル・トーンが、和音になり、ユニゾン&ハーモニーがブワ〜っと拡がる。豊かで柔らかなユニゾン&ハーモニー、それを余韻に、シングル・トーンの旋律がクッキリと浮き出る。ダンプニングでその旋律が、三次元に何倍にも拡がる。ヴァイブにも、こんな立体的な演奏が可能なんや、とビックリするやら感心するやら。

現代ヴィブラフォン奏法のイノベーションの瞬間がこの盤に詰まっている。この先進的で高度な演奏が、1961年の、ハードバップ後期、ファンキー・ジャズな時代に生まれ出でていたのだ。「ジャズの多様性」を改めて再認識する。

 
 

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2017年3月16日 (木曜日)

アフリカの音 + 崇高なジャズ

アブドゥーラ・イブラヒム(Abdullah Ibrahim)= ダラー・ブランド(Dollar Brand)。確か、僕がジャズを聴き始めた頃、1970年代後半は「ダラー・ブランド」だったなあ。1980年代に入ってからやないかなあ、「アブドゥーラ・イブラヒム」っていう呼び名に変わったのは。

僕はこの「アブドゥーラ・イブラヒム」のピアノが、音楽性が大好きである。ジャズのフォーマットに、伝統的なアフリカのフォークソング、米国黒人のゴスペルの要素を思いっきりぶっ込んで、アーティステックなジャズをやる、という、唯一無二の個性が、彼の持ち味。

伝統的なアフリカのフォークソング、米国黒人のゴスペルの要素を部分的に取り込むことは、それが好みのジャズメンはたまにやるが、イブラヒムの様に、全面的に伝統的なアフリカのフォークソング、米国黒人のゴスペルの要素を大々的に取り入れて、その雰囲気のまま、バーンと最初から最後までやってしまうのは彼しかいない。
 

African_space_program1
 
そんなアブドゥーラ・イブラヒム(Abdullah Ibrahim)= ダラー・ブランド(Dollar Brand)の音楽的個性が手に取るように判るアルバムがある。Dollar Brand(Abdullah Ibrahim)『African Space Program』(写真左)である。1973年11月の録音。enjaレーベルからのリリース。

ジャケット写真が実に良い雰囲気。アフリカの原野、その中に一本の道、一本の木。イブラヒム独特の個性が音が聴こえてきそうだ。冒頭の「Tintiyana, Pt. 1」。伝統的なアフリカのフォークソングの響き、アフリカ系ワールド・ミュージックのリズム&ビート。それが、フリー・ジャズのフォーマットの中で乱舞する。ふぇ〜、僕にとっては「とても心地良い音世界」。

このアルバムには、アブドゥーラ・イブラヒムの音の個性がギッシリ詰まっています。しかも、ジャズとして聴くと、とても硬派なフリー・ジャズな要素とモーダルな自由度の高いジャズとが相まみえた、かなり高度でコンテンポラリーなメインストリーム・ジャズであることに改めて驚く。現代の先進的なジャズとして十分に評価出来る、崇高で高邁な音世界です。

 
 

震災から6年。決して忘れない。まだ6年。常に関与し続ける。がんばろう東北、がんばろう関東。自分の出来ることから、ずっとずっと復興に協力し続ける。 

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2017年3月15日 (水曜日)

イタリアン・ジャズは魅力的だ

イタリアン・ジャズは実に魅力的だ。最近、イタリアン・ジャズの好盤を定期的に聴くように心がけているのだが、聴けば聴くほど、どんどんその魅力に惹き込まれていく。日本では最近まで情報が少なかっただけに、聴けば聴くほど、そのイタリアン・ジャズの深い森の中に、どんどん惹き込まれていくかのようだ。

このライブ盤だって、相当に魅力的だ。Enrico Intra & Franco Ambrosetti『Live In Milan 〜 Duo, Trio, Quartet』(写真左)。2009年3月の録音。ちなみにパーソネルは、Franco Ambrosetti (tp), Enrico Intra (p), Lucio Terzano (b), Tony Arco (ds)。う〜ん、ほとんど知らん顔ばかり。

さて、Enrico Intra(エンリーコ・イントラ)とは、ネットの情報を紐解くと「欧州の歴史ある音楽をベースに、米ジャズの語法に頼ることなく早くも50年代に独自の『イタリアン・モード』を確立した巨匠」とある。ピアニストである。明らかに欧州的なピアノを弾くが、確かに米国ジャズっぽくない、欧州的ではあるが、ある種、独特の響きとフレーズが個性。

かたや、Franco Ambrosetti(フランコ・アンブロゼッティ)とは、やはりネットの情報を読むと「スイス出身で欧州を代表するトランペットの巨匠」とある。マイルス・デイヴィスをしてその「黒さ」を認めさせた、とあるが、確かにこの人のトランペットは欧州らしからぬファンクネスを感じるから不思議な存在だ。
 

Live_in_milan_duotrioquartet

 
この二人が対等に「双頭リーダー」となって、イントラのレギュラー・トリオにアンブロゼッティが加わる形で、サブタイトルにもあるように「デュオ、トリオ、カルテット」の3種の演奏形態で、こってこてメインストリームなジャズを展開する。明かに米国ジャズとは異なる、欧州的なメインストリーム・ジャズ。

透明度の高い音の響き、流麗で印象的なアドリブ・フレーズ。決して俗っぽくは無い。どこかしっかりアートな側面を宿したアレンジ。バックのリズム・セクションにファンクネスはほとんど感じない。それでいて、先にも書いたが、アンブロゼッティのトランペットが意外と「黒い」。これが実に個性的で面白い。このトランペットのみにファンクネスが宿っている。

加えて、このライブ盤、音が良い。というか、響きが実に印象的。なぜかなあ、と思って解説を見ると、ミラノ市内の歴史的建造物である「la Sala Certificati del Comune di Milano」という、大理石が使われた優雅なホールにてのライヴ・レコーディングだそうだ。なるほど、だから独特な響きがするのか。思わず惹き込まれそうになる、透明度が高く、豊かで混じりけのない響き。

冒頭の、Enrico Intra & Franco Ambrosettiのデュオ演奏「Take The "A" Train」を聴けば、欧州的ではあるが、ある種、独特の響きとフレーズがいかに個性的なのかが判っていただけるかと思う。半世紀に渡って二人の巨匠が眺めてきた「欧州的ヴィジョン」。それをしっかり体感できる、とても内容のある好盤です。

 
 

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2017年3月14日 (火曜日)

ホッと一息の「ミルトJ」です。

ジャズはいろいろなシチュエーション毎で選盤が変わる。気持ちを鼓舞したい時はハードなフリージャズを聴いたり、穏やかに聴き流したい時は小粋なフュージョン・ジャズを選んだり。その時その時の状況、状態を鑑みながら、アルバムを選盤する時が一番楽しい「ひととき」である。

例えば、ホッと一息つく時、忙しい時を過ごした後、ゆったりと一息つく時、決まって僕はミルト・ジャクソンのヴァイブを良く聴く。それもミルトのソロ盤だ。MJQのミルトでは無い、ソロのミルト・ジャクソンの盤を良く聴く。ソウルフルでファンキーで流麗なミルトのヴァイブが、ホッと一息つく僕の心を癒してくれる。

Milt Jackson『Statements』(写真左)。1961年12月の録音。ちなみにパーソネルは、Milt Jackson (vib), Jimmy Heath (ts), Tommy Flanagan (p), Hank Jones (p),  Paul Chambers (b), Connie Kay (ds)。本作はインパルスと契約後の第一弾アルバム。気合いが入ってはいるが、ほど良くリラックスした、ファンキーなミルトのヴァイブが素晴らしい。
 

Statements

 
いや〜渋い。燻し銀の様な職人気質のジャズメンばかりがズラリと並ぶ。特に、ピアノは、名盤請負ピアニストと異名を取るトミフラと燻し銀ピアニストと謳われるハンクと、二人の名ピアニストを使い分けているところがまた「ニクい」。ベースは鉄人ベーシスト、ポール・チェンバースでガッチリ演奏の底を支え、コニー・ケイの堅実なドラミングでリズム&ビートをコントロールする。

こんなリズム・セクションを調達しているのである。ミルトのヴァイブとヒースのテナーはフロントで伸び伸びとプレイする。ほんと、絵に描いた様に伸び伸びとアドリブ・フレーズを繰り出すのだ。これが実に良い感じで、これがまあ、実に「癒される」のだ。これだけ、心地良くアドリブ展開するハードバップ盤もなかなか無い。

ミルトのヴァイブがこれだけソウルフルにファンキーに流麗に乱舞する盤もなかなか無い。ホッと一息つく時、忙しい時を過ごした後、ゆったりと一息つく時、ポジティブに癒されるハードバップの好盤です。この盤を聴く度に思います。あ〜やっぱりジャズってええなあ、って。

 
 

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2017年3月12日 (日曜日)

メインストリームなラテンジャズ

イタリア・ジャズが充実している。欧州ジャズが一般的になって久しいが、イタリアのジャズはなかなか日本には届かなかった。21世紀になって、ネットでの情報流通が早くなって、やっとイタリア・ジャズの全貌が日本に伝わるようになったと感じている。最近のことですよね、イタリアのジャズ盤を日常で聴くようになったのは。

イタリアのジャズ・トランペット奏者である「ファブリッツィオ・ボッソ(Fabrizio Bosso)」も最近、やっと馴染みのトランペットになってきた。1973年生まれなので、今年で44歳。もう若手では無い、現代のジャズを支える、中堅のジャズ・トランペッターである。このファブリッツィオ・ボッソの「聴いて楽しい」純ジャズ盤がある。

Fabrizio Bosso & Javier Girotto『Sol!』(写真左)。2008年の作品。ちなみにパーソネルは、Fabrizio Bosso (tp,flh), Javier Girotto (ss,bs,per), Natalio Mangalavite (p,key,vo), Luca Bulgarelli (el-b), Marco Sinscalo (el-b), Lorenzo Tucci (ds), Bruno Marcuzzi (per)。う〜ん、トランペットのファブリッツィオ・ボッソしか判らない(笑)。
 

Sol

 
ファブリッツィオ・ボッソがサックス奏者ハビエル・ジロットと組んだラテン・プロジェクトのアルバムである。ふむふむ、タイトルの『Sol!』とアルバム・ジャケットから何となく想像出来るラテン・プロジェクトである。選曲もラテン調の曲を持ってきているが、単純なラテン・ジャズの饗宴になっているかというと、そうでないところがこのアルバムの「ニクい」ところである。

ラテン調の明るいトーンのフレーズ展開ではあるが、基本的に「ラテンのリズムにモーダルな」演奏。メンストリーム・ジャズのアーティステックな面とラテン調の楽曲のポップスな面とが上手く融合して、聴いて楽しい、聴いて聴き応えのある、なかなか内容のあるアルバムに仕上がっている。

ボッソのトランペットとジロットのサックスの都会的で小粋な熱いブロウが心地良い。ラテン調の楽曲、ラテンのリズムにモーダルな演奏がとても楽しい。録音も良好、ジックリと聴き耳立てるも良し、あっさりと聴き流して「ながら聴き」で楽しむも良し、なかなか充実した内容の企画盤です。メインストリームなラテン・ジャズ。イタリア・ジャズも隅に置けませんな。

 
 

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2017年3月11日 (土曜日)

オールド・スタイルなテナーです

ジャズの世界は広い。改めてそう感じる。僕は、この盤を「ジャズ批評ジャズ・オーディオ大賞」でそのタイトルを見て、初めて知った。この盤に対するコメントを見て興味を持って聴いてみて「あらビックリ」。ジャズ・テナーって基本的には「コルトレーン直系」なので、この人もなんやかんや言ってもそうなんやろな、と思って聴き始めて「あらビックリ」。

Bodil Niska『Night Time』(写真左)。2009年の作品。ちなみにパーソネルは、Bodil Niska (ts), Staffan William-Olsson (g), Claes Crona (p), Jorgen Smeby (b), Petur Ostlund (ds), Roy Nikolaisen (flh), Birgit Kjuus (flh), Helge Sunde (tb), Oyvind Brakke (tb), Rune Brodahl (hrn)。

リーダーはテナー・サックスの「ボディル・ニスカ」。ノルウェー出身、女性テナー奏者である。1954年生まれなので、今年で63歳になる。大ベテランである。ベン・ウェブスター直系の伝統的なオールド・スタイルなテナーである。コルトレーンの陰も微塵も無い。が、実はこれがなかなか味があって聴き応えがある。
 

Bodil_niska_night_time

 
そんなベン・ウェブスター直系の伝統的なオールド・スタイルな渋くて味のあるテナーで奏でる雰囲気は、アルバム・タイトル通り、まさに「夜」。アーバンな夜の雰囲気が濃厚なブロウが10曲。聴いていて、思わず惚れ惚れと聴き込んでしまう。こんなオールド・スタイルなテナーが、北欧のノルウェーに、しかも女性のテナー奏者で、しかも大ベテラン。

冒頭の「Over The Rainbow」が、実に骨太でオールド・スタイルのテナーでボボボボと吹き上げられている様を聴いていて、これは新しい感覚やなあ、と思わず聴き入った。まさに「温故知新」である。しかし、このオールド・スタイルのテナーを女性が吹いているのにはビックリした。しかもノルウェー出身である。二度ビックリである。

北欧ジャズは意外と奥が深い。最近、いろいろとCDを漁っては聴いているが、どれもが水準の高い内容ばかりである。しかも「北欧ジャズ」というジャンルで括るに相応しい共通の個性を持っている。実直真面目、ファンクネス皆無な、透明度の高い純ジャズである。この 「ボディル・ニスカ」のテナーもその括りに入る。もっともっと北欧ジャズを聴きたくなった。

 
 

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2017年3月10日 (金曜日)

エバンスの超驚愕の発掘音源

こういう充実した、ダイナミックかつ流麗な演奏を聴いていると、やっぱりビル・エバンスって良いなあ、と心から思う。やはり、この人のピアノは、ジャズ・ピアノの基本なのだろう。そのアドリブ・フレーズの展開、和音の重ね方、間の取り方、どれを取っても超一級のパフォーマンスである。

Bill Evans『Some Other Time : The Lost Session from the Black Forest』(写真)。昨年のリリース。ちなみにパーソネルは、 Bill Evans (p), Eddie Gomez (b), Jack DeJohnette (ds)。1968年6月20日の録音。

ネットの宣伝文句は「超驚愕の発掘音源!1968年、ビル・エバンス 幻のスタジオ録音」。確かに驚愕もので、あのビル・エヴァンスのライブ名盤『モントルー・ジャズ・フェスティバルのビル・エバンス』と同メンバーのトリオであり、そのライブ盤の録音から、たった5日後の「スタジオ録音」である。

このエバンス=ゴメス=デジョネットのトリオは、たった6ヶ月の活動で、今まで、正式な音源は、先の『モントルー・ジャズ・フェスティバルのビル・エバンス』のみ。この『モントルー』のエバンス=ゴメス=デジョネットのトリオのインタープレイが思いっきり「鳥肌モノ」だったので、このトリオのスタジオ録音の音源が発掘されたのである。期待するな、と言う方が無理な話。

しかも、録音されたスタジオが「西独の60年代MPSレーベルのスタジオ」である。音的にも期待大。MPSレーベルは、録音技術に定評のあるレーベルで、とりわけピアノの録音に優れた手腕を発揮。有名なところでは、オスカー・ピーターソン、ハンプトン・ホーズなどが挙げられる。そんなスタジオに、あのビル・エバンスである。期待するな、と言う方が無理な話。
 

Some_other_time

 
さて、その演奏内容はというと、そうですね〜、リラックスした平常心のビル・エバンスって感じでしょうか。気合い入れまくって、ダイナミックに弾き回すのでは無く、といって限りなく耽美的に印象派的な響きを増幅するのでも無く、平常心を保ちつつ、リラックスしつつ、ちょっとダイナミックで流麗な演奏を繰り広げている。

ところどころ、それまでのエバンスとしては目新しいアプローチを展開しており、新しい即興の展開を模索していたのかなあ、とも感じます。そんなチャレンジに、ゴメス=デジョネットは格好のパートナーだったんでしょうね。エバンスのピアノに関しては、新しい展開へのチャレンジもあり、普段着な演奏とは言いつつ、一聴の価値ありです。

逆に、録音バランスの問題なのか、リマスタリングの問題なのか、デジョネットのドラムがオフ気味であるのが惜しい。彼の独特なシンバルワークやポリリズミックなドラミングが目立たない。メインはエバンスのピアノとゴメスのベース、この二人の丁々発止のインタープレイに、デジョネットのドラムがちょこっと添えられている、そんな感じの録音。ちょっと残念な感じ。

それでも、このCD2枚組のスタジオ録音は一聴の価値がある。このエバンス=ゴメス=デジョネットのトリオは、インタープレイの柔軟度が半端無い。しかも、イマージネーションの拡がりが尋常で無い。相当高いレベルでの期待感が溢れんばかりで、このトリオの活動が6ヶ月足らずで終息してしまったのが実に惜しい。

CD2枚組のボリュームの演奏があっと言う間に過ぎていきます。ビル・エバンス者には必須のアイテム。一般のジャズ者の方々にも、優れたピアノ・トリオ盤のひとつとして一聴の価値ありです。

 
 

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2017年3月 9日 (木曜日)

こんなアルバムあったんや・78

ラリー・コリエルが亡くなった。僕にとってのコリエルとは、クロスオーバー・ジャズの代表的ギタリストの一人で、彼のエレギはほとんどロック。それもほとんどハード・ロック。バックのリズム・セクションがなんとかジャズのビートに軸足を乗せているので、演奏全体はクロスオーバー・ジャズで落ち着いてはいるが、コリエルのエレギは明らかに「ハード・ロック」。

そんな「ハード・ロック」なクロスオーバー・エレギ、1970年代辺りでその流行は終わったんやろなあ、と思いつつ、コリエルだけが意外と晩年もハード・ロックなクロスオーバー・エレギをやってたんで、コリエルだけが「絶滅危惧種」なんやなあ、なんて感慨に耽っていた。しかし、である。

Csaba Toth Bagi『Aved Ivenda』(写真左)。2012年の作品。チャバ・トス・バギと読むらしい。ここでは「バギ」と呼ばせていただく。宣伝のふれこみは「セルビアが生んだフュージョン・ギターの貴公子」。セルビア出身とは珍しい。さて、このバギのエレギが凄い。徹頭徹尾、ハード・ロックなクロスオーバー・エレギなのだ。ハード・ロックの如く、ギンギンのエレギを弾きまくっている。
 
   
Aved_ivenda1
 
 
しかし、である。アドリブ・フレーズの響きがちょっと「面白い」。どう考えても普通のフレーズでは無い。明らかに「ワールド・ミュージック」がかっている。面白いフレーズがどしどし飛び出てきて、これは単純にハード・ロックなクロスオーバー・エレギでは無い、ワールド・ミュージックを融合したハード・ロックなフュージョン・エレギである。

ネットで調べてみると「両親の故郷ハンガリーやマケドニアなど自身のルーツをベースにしたフュージョン盤」とあって至極納得。なるほど、だから、ワールド・ミュージックを融合したハード・ロックなフュージョン・エレギな雰囲気が色濃く漂っている訳やね。エレギはギンギンに弾きまくり。ハンガリーのゲイリー・ムーアと呼ばれ、欧州ではガッツあるギタリストとして知られる、とある。

このアルバムのバギのプレイを聴いていて、なるほど、と思う。21世紀になって今年で2017年。今の時代に、フュージョン・ジャズの世界で、こんなギンギンに弾きまくる、ハード・ロックなエレギが聴けるとは思わなかった。
 
 
 

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2017年3月 8日 (水曜日)

音楽喫茶『松和』の昼下がり・50

全く無名のテナー奏者だって、凄いプレイを聴かせてくれることがある。ジャズ・テナーって、なにもコルトレーンやロリンズやゲッツだけでは無い。たまに、コアなジャズ盤紹介本を眺めていて、これは、という盤に巡り会う。聞いたこと無い名前だなあ、と思うんだが、これが聴いてみると凄い、ってことがたまにある。

Bruce Eskovitz『One for Newk』(写真左)。テナー奏者ブルース・エスコービッツの好盤。1995年のリリース。ちなみにパーソネルは、Bruce Eskovitz (ts), Lawrence Marable (ds), Ray Drummond (b), Bill Mays (p), Charlie Shoemake (vib)。ヴァイブ入りのクインテット。

タイトルと収録曲の曲目を見ると、この盤は「ソニー・ロリンズ・トリビュート」であることが判る。タイトルの「Newk(ニュークス)」は、1950年代後半、ソニー・ロリンズのニックネーム。ロリンズは顔がニューカムに似ていることから「ニュークス」と呼ばれていた。ニューカムとは、メジャーリーガーのドン・ニューカムのことで、愛称が「ニュークス」なのだ。

とは言え、じゃあ、このエスコービッツのテナーは、ロリンズの様な豪放磊落、大らかでスケールの大きいテナーを吹くのか、と言えばそうではない。ボボボボという低音を響かせて吹き上げる、ちょっとオールド・スタイルの入った、それでいて、テクニカルで疾走感のあるテナー。オールド・スタイルと新しいスタイルが混ざりあった「オールド・スタイルのコルトレーン」の様な雰囲気。
 

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こんなエスコービッツのテナーが、ロリンズゆかりの佳曲を、バリバリ、ブリブリ吹きまくる。テナーの低音部分を上手く使いながら、重心の低い疾走感溢れるアドリブ・フレーズをこれでもか、と言わんばかりに吹きまくる。ドラムがリズム・キープに徹している分、テナーのフレーズが前面に押し出て、とても聴き取り易い。

逆にロリンズがことある毎に避け続けた「ピアノ」については、この盤ではリズム&ビートを供給する役割に重きを置いているので、テナーのフレーズの吹き回しとバッティングすることは無い。それが証拠に、エスコービッツのテナーは自由に吹きたい様に吹きまくっている。

我が国ではほとんど無名なブルース・エスコービッツであるが、このロリンズ・トリビュート盤でのテナーは凄い。他のアルバムももちろん聴いたことは無いが、この盤は素晴らしい。これだけ個性的なテナーをバリバリ吹きまくる様を聴けるアルバムはそうそう無い。これ一枚でも十分に満足だ。

これだけ清々しく吹きまくるテナーって、僕のイメージだと、昼下がりのジャズ喫茶で流すのにピッタリじゃあないかと。客もまばらなジャズ喫茶の昼下がりに、こんな「知る人ぞ知る」、これだけ個性的なテナーをバリバリ吹きまくるアルバムを流す。昼過ぎの微睡みを一掃するような爽快盤。良い感じです。

 
 

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2017年3月 7日 (火曜日)

活き活きとしたハンクが躍動する

いやいや驚いた。こんなライブ盤があったなんて、『僕が選んだ「いい音ジャズ」201枚 〜オーディオファンも聴いておきたい優秀録音盤』を読んで、僕はその存在を初めて知った。いやいや申し訳ない。ハンク・ジョーンズのピアノが大好きなのに、このライブ盤は全くノーマークだった。

Hank Jones『Trio 1979』(写真左)。サブタイトルが「Live in Japan」。1979年、日本は鹿児島でのコンサートのライヴ録音である。2010年にリリースされた。ちなみにパーソネルは、Hank Jones (p), George Duvivier (b), Shelly Manne (ds)。

燻し銀なバップ・ピアニストであるハンク・ジョーンズ。典雅でブルージーで、そこはかとなくファンクネス漂い、タッチが明快で流麗。そんな小粋なハンクのピアノを心ゆくまで堪能出来るライブ盤である。こんなライブ音源が残っていたなんて、なんて勿体ない。収録されたスタンダード曲もどれもが魅力的な選曲で、いやはや凄いライブ盤だ。
 

Trio_1979_hank_jones

 
そして、ベースがジョージ・デュビビエ、ドラムがシェリー・マン。ジャズ者ベテランであれば、この二人の名前を見れば「うへへ〜」である。二人ともハードバップ・ジャズの名手中の名手。デュビビエの骨太で鋼の様にしなやかなアコースティック・ベース。マンの様々なテクニックを繰り出すが決して耳に付かない、小粋で職人芸なドラミング。

そしてそして、この3人のトリオのダイナミズムがバッチリ録音されているのだ。この盤、異様なまでに音が良い。1979年の録音であるが、異様なまでに音が良い。生々しく躍動感溢れ、それぞれの楽器の音が自然に響く。コンサートホールの奥行きもしっかり感じられ、ライブ感が半端無い。これ、凄いですぞ。一聴の価値ありです。

2010年5月、91歳で他界したジャズ・ピアノの巨人、ミスター・スタンダードことハンク・ジョーンズの追悼盤。しかし、ハンクはあの世に旅立ってから、もう7年になるのか。しかし、録音資産とは有り難いもので、この盤は僕達を1979年の鹿児島のコンサート会場へ連れて行ってくれる。この『Trio 1979』には、活き活きとしたハンクが躍動している。

 
 

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2017年3月 6日 (月曜日)

ジャズ喫茶で流したい・102

昔からジャズという音楽ジャンルは、クラシックと双璧の「音楽芸術」の側面があると思っている。ダンスや「飲み」の傍らでの「娯楽音楽」の側面もあるが、テクニックの素晴らしさ、アドリブ・フレーズの素晴らしさなど「音楽芸術」の側面もかなり大きなパーセンテージを占める。

ジャズがこの世に出現してから、そろそろ100年になるんだが、まだまだジャズはマンネリにならない。我が国では1970年あたりから「ジャズは死んだ」と言われ続けているが、はや21世紀になって10年以上経つが、まだまだジャズは進化し続けている。本当に面白いなあ、と思うのは、さすが即興の音楽と言われるジャズ、同じ曲を採用しても同じパターンの演奏が全く無いこと。

ジャズの演奏スタイルは、楽器演奏であるが故、ある程度限定されるんだが、それでも、その組合せと演奏者の個性の掛け合わせで、無限のバリエーションが存在する。そういう面では、まだまだジャズは進化し続けるのだろう。

Danilo Perez, John Pattituci & Brian Blade『Children of the Light』(写真左)。 2015年の作品。ちなみにパーソネルは、Brian Blade (ds), John Patitucci (b), Danilo Perez (p)。この作品は「Doctor」と呼ばれる、ウェイン・ショーターへ捧げた作品。
 

Children_of_the_light1

 
ドラムのブライアン・ブレードのリーダー作なので、ドラムが小粋にハイテクにところどころ前面に出ながら、ピアノが旋律を決め、ベースがビートの底を支える。高度なテクニックと豊かなフレーズ感で、このピアノ・トリオの響きは「新しい」響きに満ちている。ソリッドな透明感とダイナミズムが共存する、ネオ・モーダルなピアノ・トリオ演奏である。

そう、このピアノ・トリオは、現在のウェイン・ショーターのバンドからショーター抜いたピアノ・トリオ。なるほど、アルバム全編に渡って、ショーターは演奏者としては存在しないのだが、ショーターの雰囲気、ショーターの個性が蔓延している。高度なテクニックと魅惑的な楽器の響きが、ショーターの音世界を増幅する。伝統的な響きと新しい響きが交差し、新たな音を創出する。

こういう演奏を聴くと、まだまだ「ジャズは死なないなあ」と思うのだ。エンタテインメント性は希薄であるが、アーティスティックな要素は濃厚である。ジャズに「芸術」を求めたい時には、このアルバム、なかなか良い雰囲気だ。

アレンジも程良く、楽器の響きは濃密で、聴き応えはまるでテンションの高いクラシックの演奏を聴いている感じ。決して、楽しんだり、ながら聴きする盤では無いが、スピーカーに対峙してジックリと聴けば聴くほどに聴き応えが増す、そんな優秀盤である。

 
 

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2017年3月 5日 (日曜日)

ジョンスコ流のニューオリンズ盤

米国って、なんやかんや言って、自分達のルーツ・ミュージックが好きなんだよな〜、と時々思う。英国だってそうだ。なんやかんや言って、自分達のルーツ・ミュージックが好きだ。ロックだってジャズだって、この「ルーツ・ミュージック」の適切な要素を織り込むと、そのアルバムって大体がヒットする。

このアルバムだって、あからさまに米国のルーツ・ミュージックの要素をふんだんに織り込んで、ヴォーカルを入れてのニューオリンズ/R&B寄りサウンドで、米国ジャズ・シーンでは結構売れたらしい。米国では、ゴスペル、R&B、カントリー&ウエスタン、トラッド・フォークの要素を盛り込んだジャズは鉄板らしい。

John Scofield『Piety Street』(写真左)。2009年のリリース。ちなみにパーソネルは、John Scofield (g), Jon Cleary (vo, org, p), George Porter, Jr. (b), Ricky Fataar (ds), Shannon Powell (ds, per), John Boutte (vo)。このアルバムは、そんな米国ルーツ・ミュージックの中の「ゴスペル、R&B」の要素をふんだんに盛り込んだもの。
 

Piety_street

 
一言で言うと「ジョン・スコフィールド(ジョンスコ)流ニューオリンズ・アルバム」である。この盤でのジョンスコのエレギは、相変わらず捻れてはいるが、ソウルフルかつブルージーな正統派なエレギである。捻れを押さえて「ゴスペル、R&B」の要素がそこはかとなく浮き出る様に弾き回している。とにかく上手い。

基本的にジャズの演奏って、オルガンの音色とブルージーなちょっとハスキーな声のボーカルが入ると、演奏の雰囲気がグッと「ゴスペル、若しくはR&B」風な音世界にガラッと変わる。いわゆる「こってこてファンキー」な演奏になるのだ。実は僕はこの「こってこてファンキー」な演奏に「からきし弱い」。

アルバム・ジャケットもゴスペル風で、ジャケットだけ見れば、ジャズのアルバムだとは思わないですよね。ジョンスコのキャリアの中では異色のアルバムの位置づけではありますが、内容は充実しています。コンテンポラリーなフュージョン・ジャズの好盤として、特に、米国ルーツ・ミュージック好きのジャズ者の皆さんにお勧めです。

 
 

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2017年3月 4日 (土曜日)

アートの音に対する纐纈の解釈

ジャズ雑誌「ジャズ批評」から「マイ・ベスト・ジャズ・アルバム 2016」が発表された。つらつら眺めていたら「纐纈歩美(こうけつあゆみ)」のアルバムがあった。「ジャズオーディオ・ディスク大賞2016」のインストゥルメンタル部門の5位だったか。ジャケット部門も受賞している。

纐纈歩美『Art』(写真左)。纐纈歩美 NYシリーズ第3弾。2016年2月の録音。ちなみにパーソネルは、纐纈歩美 (as), jeremy Manasia (p), Mike Karn (b), Mark Taylor (ds)。纐纈歩美の横顔をあしらった、モノトーン基調のジャケット・デザインもとっても私的な最新盤である。

全編、纐纈歩美が敬愛してやまないアート・ペッパーのカバー盤。アルト・サックスのプレイヤーであれば、基本的には「敬愛」しているサックス・レジェンドであろう「アート・ペッパー」。アルト・サックスでジャズを演奏し始めた高校1年生の頃に『ミーツ・ザ・リズム・セクション』を聴いて、アートの音色に魅了されたという纐纈歩美。

このアルバムは纐纈歩美が、そんなアートの音に敢然と挑戦した記録である。このアルバムには、そんな纐纈の意欲が溢れている。そして、纐纈のアルト・サックスはその意欲にしっかりと応えている。録音も良い。録音の良いアルバムで、纐纈のアルトが良く鳴っているのが良く聴き取れる。しかし、上手くなったなあ〜纐纈のアルト。
 

Art_ayumi_kohketsu

 
デビュー盤『Struttin’』では技巧の面での拙さも見え隠れし、ちょっと不安な所もありました。但し、曲のアレンジやアドリブ・フレーズが実直かつ新しい面が感じられ、もっと伸びるなあこのアルト奏者は、と思ったことも事実。以降『Daybreak』『Rainbow Tales』『Brooklyn Purple』『Balladist』とコンスタントにアルバムをリリース。そして、今回の傑作『Art』に辿り着くことになります。

内容の濃い、良いアルバムです。女性アルト奏者であるが故、決して背伸びせず、女性であることを上手にアルトでの表現に活かしているところが実に「ニクい」。アートの力強い部分は追わず、アートの繊細でリリカルな面を、女性アルト奏者として上手くピックアップして、丁寧に実直にアートのプレイをフォローしています。

纐纈歩美の口癖が「私は音色にこだわりたい」。確かに纐纈のアルトの音色は「とても良い音」でなる。吹き上げるフレーズは実にオーソドックス。そんなオーソドックスなフレーズの中に、個性的で新しい感覚の、纐纈ならではのフレーズを積極的に織り込んでいく。

このアルバム、録音が良い。纐纈のアルトの素性の良さと、彼女の個性的で新しい感覚のフレーズをより良く聴き取ることができる。実は僕はアート・ペッパーのアルトの大ファンで、このアルバムを通じて、アートの音に対する纐纈の解釈が良く理解出来て、実に興味深いアルバムです。アルト自体の音も良好。ジャズ者初心者の方々にもお勧めの好盤です。

 
 

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2017年3月 3日 (金曜日)

プレイヤーズの好盤の一枚です

日本のフュージョン・ジャズのグループは、いずれも硬派で真面目なグループばかりであった。1970年代後半、フュージョンと言うと、米国では「ソフト&メロウ」志向がトレンドになり、ボーカルが入ったりで、R&Bなんだかジャズなんだか良く判らない、音の志向が定まらず、ジャズから力点を外すミュージシャンが増えつつあった。

我が国は違った。ジャズ者(ジャズ・ファン)の方々が皆、硬派で、「ソフト&メロウ」志向の様に軟弱な演奏は許さんぞ、という無言のプレッシャーをかけ続けたことが良かったのだろう。日本でのフュージョン・ジャズのグループは一様に、硬派で真面目なグループで、その演奏は、基本的にジャズから力点を外すことは無かった。

不思議なのはジャズ雑誌などの評論家の面々。日本のフュージョン・ジャズというだけで、米国のフュージョン・ジャズよりも一歩も二歩も劣るとされ、R&Bなんだかジャズなんだか良く判らない、音の志向が定まらない、ジャズの力点を外した米国の「軟弱なフュージョン」がもてはやされた。レコード会社との兼ね合いもあったのだろうが、当時の僕達、ジャズ者初心者の面々はなんだか釈然としなかった。

しかし、日本のフュージョン・ジャズは好盤をリリースし続けた。例えば、このバンドは良質なフュージョン・ジャズを供給し続けてくれた。The Players(ザ・プレイヤーズ)。日本のウェザー・リポートと呼ばれる、日本を代表するフュージョン・ジャズ・バンドである。その確かな演奏力、演奏の構築力、そして何より、メインストリーム・ジャズにしっかりと力点を置いた、日本人ならではのフュージョン・ジャズであるということ。
 

Madagascar_lady1

 
そんなプレイヤーズの好盤の一枚がこれ。The Players『Madagascar Lady』(写真左)。コルゲンさんこと鈴木宏昌率いるコルゲン・バンド改め「ザ・プレイヤーズ」の1981年リリースの好盤である。これだけ優れた内容のフュージョン・ジャズでありながら、なかなかCD化されなかった。日本のレコード会社のすることは良く判らない。

和製ウェザー・リポートと形容されるが「けだし名言」。ザビヌル主導のウェザー・リポートからコマーシャルな要素を差し引いた、硬派で実直でジャジーなウェザー・リポートな音、これがこの「ザ・プレイヤーズ」の音世界である。しかし、ウェザー・リポートをフォローしつつ、明らかに「ザ・プレイヤーズ」ならではの個性を獲得しているところが、このバンドの優れたところである。

その確かな演奏力、演奏の構築力、そして、アドリブ・フレーズの爽快感。とにかく、硬派で実直真面目な、ファンクネス皆無な日本人のフュージョン・ジャズ。そんな素敵な演奏の数々がこのアルバムにぎっしりと詰まっています。発売当時、とにかくよく聴きましたね〜。例の秘密の喫茶店で珈琲を飲みに行く度、必ずかけて貰ってました。

そんな好盤なのですが、2016年まで全くCD化されませんでした。理由がよく判らない。現在ではタワーレコードまたはソニー・ミュージック・ショップ限定で細々と販売されているみたいです。しかも価格は3,000円弱。高い。どうにもこうにも、いつ無くなるか、いつ廃盤になるか判りませんね。これだけの歴史的な好盤が勿体ないことです。

 
 

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2017年3月 2日 (木曜日)

音楽喫茶『松和』の昼下がり・49

「これぞジャズじゃ」と皆に言われるよな、こってこてジャジーなハードバップをやろうぜ、とメンバー全員で話し合ったかの様な演奏。始まりの一音から終わりの一音まで、徹頭徹尾、これぞジャズってな感じのハードバップがブワーっと演奏される。そんな思いっきりジャズな演奏がぎっしり詰まったアルバムがある。

The Dave Bailey Sextet『Bash!』(写真)。1961年10月の録音。ちなみにパーソネルは、Dave Bailey (ds), Kenny Dorham (tp), Curtis Fuller (tb), Frank Haynes (ts), Tommy Flanagan (p), Ben Tucker (b)。

60年代初頭にわずか5枚のアルバムを残しただけで疾風のように消えていった、超幻のレーベル「JAZZTIME/JAZZLINE」の、そのわずか5枚の中の一枚。これがまあ、思いっきりジャズしているのだ。どの楽器の演奏を取っても、どのアドリブ・フレーズを取っても、明らかにジャズなのだ。明らかにハードバップなのだ。

リーダーのデイヴ・ベイリーはドラマー。堅実で多彩なドラミングを披露する。そして、まずドーハムのトラペットの音色に耳を奪われる。いつものドーハムよりもアグレッシブで尖っている。どうしたんだドーハム。凄く格好良いぞ。このテナーって誰だ、と思う位、素晴らしいブロウを繰り広げる、知る人ぞ知る名テナーマンのフランク・ヘインズ。
 

Bash

 
ほんわか優しいフレーズが嬉しいフラーのトロンボーン。バリバリ吹きまくるペットとテナーの音を大きく包んで、ふんわり柔らかなユニゾン&ハーモニーに早変わり。そして、ところどころで、とっても小粋で洒落た、それでいて骨のあるバップなピアノが展開される。あれ、これって、と思う。そうトミフラだ。名盤請負人のトミフラの燻し銀ピアノ。

そして、そんなフロント、そしてリズム・セクションの楽器を底でガッチリ支えて、ブンブンと重低音を響かせてのし歩くベン/タッカーのベース。このタッカーのアコベの音がとても骨太で生々しい。

そう、このアルバム、加えて音が良い。良い音が録音されている。1961年の録音である。多少のノイズはある。でも、そのノイズを凌駕する「ジャジーな音」。

こんなに明確にジャズしているアルバムも珍しい。演奏全体の雰囲気は明らかにハードバップ。アルバムの最初から最後まで「これぞジャズじゃ」。良いアルバムです。ジャケット・デザインも明らかにジャズしていて良好。いやはや、このアルバムには参った参った。

 
 

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2017年3月 1日 (水曜日)

初めてのジェシカ・ウィリアムス

昔も今もジャズ喫茶は隅に置けない。とりわけ、老舗ジャズ喫茶はさすがである。時折、これ誰のアルバム、これって何時のアルバム、と思わず席を立って、ジャケットを確認しに行きたくなるような好盤が流れたりする。例えば、このアルバムなんかがそうだ。僕は思わず、席を立って、ジャケットを確認しに行った。

Jessica Williams『Higher Standards』(写真左)。1997年のリリース。ちなみにパーソネルは、Jessica Williams (p), Dave Captein (b), Mel Brown (ds)。ジャズ・レーベルの老舗「Candidレーベル」からのリリース。抜群に音が良い良好盤である。

1997年のリリースなので、Candidレーベルが発足した1960年前半当時の音のトレンドとはちょっと異なるが、骨太で臨場感のある、優秀な録音は当時から変わらない。また、ジャズの中で先進的なスタイルを追求するジャズメンをチョイスしてアルバムをリリースするところも、1960年代前半のCandidレーベル創始時代ゆずりである。

ジェシカ・ウィリアムスはユニークな女性ピアニスト。日本では人気が無い。僕もこのアルバムに出会って、その名前を初めて知った。収録曲を見渡すと、本作はタイトルから類推して、有名スタンダード・ナンバーを中心にした演奏集であることを想定する。で、最初の「Get Out of Town」を聴くと、このジェシカの個性が一気に理解出来る。
 

Higher_standard1

 
いきなりフリーな前奏から始まる。このピアニスト、フリー専門か〜、と思うのだが、テーマに入ると、ぐっとオーソドックスなスタイルに落ち着きつつ、タイム感覚は「これモンクのフォロワーか」と思う位に、モンクっぽいタイム感覚とライン取りに思わず、ニンマリする。とアドリブ展開に入ると、全くもってオーソドックスでハードバップな音が止めども無く出現してきて、思わずニンマリ。

フリーキーな面も見え隠れするが、基本的には「ネオ・ハードバップ」。モーダルな響きはほとんど無く、オーソドックスな展開の部分は明らかに「ハードバップ」。モーダルな雰囲気は殆ど無い。そういう意味で、このジェシカ・ウィリアムスというピアニストは、1997年の録音ということを鑑みると、意外とユニークな存在ではある。

フリーキーで限りなく自由度の高い尖ったスタイルと、とにかく伝統的でオーソドックスな「ネオ・ハーオバップ」なスタイルとが、入り混じった不思議な個性を醸し出している。タッチは強い。しかし、そんな強いタッチの中に繊細な響きが見え隠れして、このピアニストが女性であることを再認識する。地味ではあるがユニークな個性であることは事実。

フリーキーな面とオーソドックスな面をいったりきたりする演奏だが、意外と安定感があって聴き心地は良い。ほんのりと短くフリーな展開が存在するので、色々なジャズのスタイルを、このピアノ・トリオ盤一枚で体感できるという面は、ジャズ者初心者に向けてもお勧め出来る盤ではある。1990年代以降の「ネオ・ハードバップ」の好盤の一枚である。

 
 

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